Ep. 25: “Cover me” (parte 1)

La maggior parte delle volte fanno schifo.

Le cover.

Andate a parlare con un qualsiasi musicista che abbia mai scritto una propria canzone, e vi dirà che le cover band sono al pari delle erbacce: qualcosa che andrebbe estirpato, ma che continua a ri-crescere, più o meno sempre in mezzo ai coglioni.

È inutile girarci attorno: se esiste un capolavoro, a cercare di riproporlo “facendolo proprio”, spesso e volentieri si sbaglia, e soprattutto si commette peccato, peccato di superbia e di arroganza.

Ma ci sono a volte piccole grandi gioielli, versioni alternative che stravolgono del tutto il senso di una canzone, e al contrario dei remake al cinema, riescono a fornirci una nuova interpretazione, una diversa chiave di lettura, un punto di vista a cui non avevamo mai pensato.

Ed è per questo che abbiamo deciso di dedicare non sono una puntata, bensì due al tema delle cover, soprattutto a quel gruppo di brani che spiccano per originalità e per aver dato un senso nuovo alla canzone da cui sono tratti.

  • Dream Theater – Funeral For A Friend / Love Lies Bleeding [Live – “Uncovered” Version 1995]
  • Nouvelle Vague – Master And Servant
  • Sentenced – White Wedding
  • Disturbed – Shout 2000
  • Paradise Lost – Small Town Boy
  • In Flames – Everything counts
  • The Jeff Healey Band – While My Guitar Gently Weeps
  • Johnny Cash – Personal Jesus
  • Guano Apes – Big In Japan
  • Faith No More – War Pigs
  • Quintorigo – Heroes

Dream Theater: “Funeral For A Friend Love Lies Bleeding”

Nouvelle Vague: “Master And Servant”

3, also known as NV3, is the third album by the French covers band Nouvelle Vague, released 16 June 2009.

As with their previous release, the album consists entirely of cover versions, mostly of post-punk and new wave songs from the 1970s and 1980s.

Four of the tracks are performed as duets, featuring the song’s original vocalist performing alongside one of Nouvelle Vague’s female singers.

a broader range of musical styles compared to their earlier albums; the covers here are inspired by blues and country music in addition to the familiar bossa nova and jazz.

Several of the tracks on 3 are performed as duets, with Nouvelle Vague’s female singers joined by the artists who sang on the original recordings.

The tracks performed as duets are “Master and Servant” (featuring Martin Gore of Depeche Mode),

Sentenced: “White Wedding”

“White Wedding” is a song by Billy Idol that appeared on his album Billy Idol (1982).

It is often considered one of his most recognisable songs, although other Idol songs charted higher.

It reached No.

36 on the Billboard Hot 100 on its original release, and reached No.

6 in the UK Singles Chart upon its re-release there in 1985, when it was reissued to promote the Vital Idol remix album.

Disturbed: “Shout 2000”

Shout è un brano musicale dei Tears for Fears, pubblicato il 19 novembre 1984 come secondo singolo estratto dall’album Songs from the Big Chair, uscito tre mesi dopo (nel febbraio del 1985).

Negli Stati Uniti il singolo raggiunse la vetta della Billboard Hot 100 il 3 agosto 1985, e vi rimase per tre settimane.

Shout diventò uno dei singoli di maggior successo di quell’anno, raggiungendo la top ten anche in molte altre nazioni, tra cui il secondo posto in classifica in Italia.

Cover[modifica | modifica wikitesto]

Il gruppo alternative metal Disturbed ha inserito nel proprio disco d’esordio, The Sickness (2000), e nella ristampa dell’album nel 2010, una cover della canzone con il titolo di Shout 2000.

Paradise Lost: “Small Town Boy”

Smalltown Boy” is a song by the British synthpop group Bronski Beat.

It was released in 1984 and appeared on the band’s debut album The Age of Consent, released in December 1984.

The song is a popular gay anthem and was a big commercial success, reaching number 3 in the band’s native UK.

It was also a number one hit in the Netherlands and Belgium, and hit the top 10 in Australia, Canada, France, Ireland, Italy and Switzerland.

The track reached number 48 in the US pop chart and was a number one US dance hit.

The song was released again in December 2013 after featuring in a Christmas advertising campaign for Boots UK.

Smalltown boy was also re-recorded by Jimmy Somerville and released as Smalltown Boy Reprise (2014) for the 30th anniversary of its initial release.

Song meaning[edit]

The song addresses key issues in 1980s LGBT culture.

It addresses family rejection for being homosexual and homophobia in British society.

It also deals with loneliness and bullying through societal and familial rejection.

Symbol of Life is the ninth studio album recorded by British band Paradise Lost. It marks a departure by the band from their synth-based approach and returning to a much heavier sound, although not abandoning the keyboards altogether. This album was the final release featuring drummer Lee Morris. Two songs which were written and left out for this album are “I Can Hate You” and “Deus” have not been released on any of the reissues of this album, but are on the Digipak version of the single “Erased”. The aforementioned single has a Music video. “Isolate” is also another single.

In Flames: “Everything counts”

“Everything Counts” is a 1983 single by the electronic band Depeche Mode from the album Construction Time Again.

The single was re-released (in live format) on 13 February 1989 (25 March 1989 in the US) to support the live album 101.

Whoracle è il terzo album degli In Flames, pubblicato dalla Nuclear Blast nel 1997 e riproposto nel 2002 in una versione “deluxe” che comprende una serie di contenuti speciali.

Il disco[modifica | modifica wikitesto]

Tutti i brani sono composti e arrangiati dagli In Flames, eccetto Everything Counts, scritta da Martin Lee Gore ed eseguita originariamente dai Depeche Mode. La concettualizzazione dell’album è di Niklas Sundin e Anders Fridén, i testi di Niklas Sundin.

Guano Apes: “Big In Japan”

I Guano Apes sono un gruppo musicale alternative metal tedesco.

La prima formazione sorge nel 1993 a Gottinga, in Germania.

È costituita da Henning Rümenapp alla chitarra, Stefan Ude al basso e Dennis Poschwatta alla batteria.

Manca ancora un/una frontman che possa dare al gruppo reali possibilità di svilupparsi.

Dopo qualche prova insoddisfacente, il trio incontra ad una festa universitaria Sandra Nasic, che ne diventerà la cantante.

The Jeff Healey Band: “While My Guitar Gently Weeps”

While My Guitar Gently Weeps è una celebre ballata rock scritta da George Harrison per i Beatles e contenuta nel loro LP The Beatles (noto anche come White Album o Doppio Bianco) pubblicato nel 1968Origine e storia[modifica | modifica wikitesto]

Esecutori

Lennon cori

chitarra solista

McCartney cori

basso

organo

pianoforte

Harrison voce

chitarra acustica

organo

Starr batteria

percussioni

Clapton chitarra solista

La fonte d’ispirazione del brano venne a Harrison dalla lettura di un libro, l’I Ching.

Disse lo stesso Harrison: «In Oriente ogni cosa è connessa con ogni altra cosa, mentre in Occidente è solo una coincidenza».

Andando con questa idea a casa dei suoi genitori nell’Inghilterra settentrionale, Harrison cominciò a scrivere una canzone partendo dalle prime parole viste in un libro aperto a caso.

Queste parole furono “Gently Weeps” (piange dolcemente); e così iniziò immediatamente a lavorare.

Raccontò poi che le prime stesure della canzone furono modificate, tagliate e cambiate in continuazione.

Musica e arrangiamento[modifica | modifica wikitesto]

Harrison registrò il demo originale con chitarra acustica solista e organo; questa versione contiene una strofa in più di quella ufficiale, e può essere ascoltata nell’album Anthology 3.

Una versione riarrangiata, con archi scritti da George Martin, è nella raccolta LOVE.

Eric Clapton, buon amico di George Harrison, suonò l’assolo di chitarra nella versione ufficiale con una Gibson Les Paul, mentre al Concert for Bangladesh eseguì l’assolo su una Gibson Byrdland.

Registrazione[modifica | modifica wikitesto]

La canzone fu però registrata dagli altri membri del gruppo con poco interesse.

La band ri-registrò il brano più volte, anche con nastri di chitarra al contrario, ma il progetto fallì.

Deluso, ma non arreso, Harrison invitò Eric Clapton a passare la giornata in studio con lui nonostante i dubbi di quest’ultimo, perché nessuno aveva mai suonato prima in una canzone dei Beatles; ma alla fine accettò.

L’inclusione di Clapton fu un sollievo per la band che attraversava un momento di tensione.

Canadian guitarist Jeff Healey covered “While My Guitar Gently Weeps” on his 1990 album Hell to Pay. Harrison participated in the recording, contributing on acoustic guitar and backing vocals.[28] Also issued as a single, Healey’s version peaked at number 27 in Canada,[29] number 85 in the UK[30] and number 25 in New Zealand.[31]

Metallica: “Am I Evil”

“Am I Evil?” is a song by British heavy metal band Diamond Head released on their 1980 debut album Lightning to the Nations.

The song was written by vocalist Sean Harris and guitarist Brian Tatler and released on Happy Face Records, the band’s own label.

The song was immediately popular among the metal circles in the United Kingdom around the time of its release, but only rose to international prominence after Metallica covered as a B-side on their “Creeping Death” single in 1984; the cover was re-released on their 1998 covers album Garage Inc.

The song was influenced by the Black Sabbath song “Symptom of the Universe.”

Release and reception[edit]

The song was originally released on Diamond Head’s 1980 debut, Lightning to the Nations, but then also re-recorded for their second album Borrowed Time.

It remains a live favourite and is still included in the band’s setlist to this day.

However, Sean Harris has gotten fed up with continually playing “Am I Evil?”, one of the reasons he took the stage dressed as the Grim Reaper during their performance at the National Bowl.

The song has roots with Gustav Holst’s “Mars, the Bringer of War” (from The Planets Suite) and used a riff, that was used earlier on “Ring of Fire” by The Eric Burdon Band in 1974.

Cover versions[edit]

“Am I Evil?”

Song by Metallica

from the album “Creeping Death” (single), Kill ‘Em All (re-release) and Garage Inc.

Released 1984

Recorded 20 February – 14 March 1984 at Sweet Silence Studios, Copenhagen, Denmark

Length 7:50

Label Megaforce, Elektra

Songwriter(s) Sean Harris, Brian Tatler

Producer(s) Metallica, Flemming Rasmussen

Audio sample

MENU0:00

“Am i Evil”

file help

The song was made most famous by Metallica’s cover of the song, found on the 1988 re-release and the Japanese version of its debut album Kill ‘Em All (the original version of the album lacks the inclusion of the cover), though the cover was originally released as a b-side to the “Creeping Death” single in 1984, and was later released on Garage Inc.

in 1998.

The song has also been featured in Metallica’s live set throughout its career, often in a faster and heavier version.

Hetfield also changed the final chorus from “Am I evil? Yes, I am” to “Am I evil? Yes, I fucking am!” Diamond Head has stated that the band’s members are flattered by the cover, and that the royalties from it have enabled the band to continue.

Faith No More has also covered the song.

Stary Olsa “One”

Stary Olsa (Belarusian: Стары Ольса) is a Belarusian medieval folk band, that plays medieval Belarusian music of the Grand Duchy of Lithuania.

Stary Olsa is one of the few Belarusian bands enjoying popularity outside Belarus.

The band has received numerous positive critical reviews.

They are also known for covering modern rock tracks using their medieval instruments, and released a cover album, via a Kickstarter campaign, in 2016.

The band was founded in 1999 by Źmicier Sasnoŭski.

The name Stary Olsa means “Old Olsa”, where Olsa is a left tributary of Berezina in Mogilev Oblast, Belarus.

Faith No More: “War Pigs”

The Real Thing è il terzo album in studio del gruppo musicale statunitense dei Faith No More, pubblicato nel 1989 dalla Slash Records.

È anche il primo album che annovera nella formazione il cantante Mike Patton.

Grazie anche alle capacità vocali del nuovo cantante, in questo album i Faith No More aumentano la miscela di generi, combinando tra loro elementi tipici dell’heavy metal, del funk, dell’hard rock, dell’hardcore punk, del soul e del rap.

I suoi singoli più noti sono Epic, una delle più celebri canzoni rap metal, e Falling to Pieces.

Nell’album trovano posto anche la cover del pezzo contro la guerra War Pigs dei Black Sabbath, e Edge of the World, una ballata che parla di un pedofilo.

“War Pigs” is a song by English heavy metal band Black Sabbath. It is the opening track from their 1970 album Paranoid.

While Butler has said that “War Pigs” is “totally against the Vietnam War, about how these rich politicians and rich people start all the wars for their benefit and get all the poor people to die for them”,[7] vocalist Osbourne has stated that the group “knew nothing about Vietnam. It’s just an anti-war song.”[8] The song’s instrumental outro is entitled “Luke’s Wall”.[9]

Johnny Cash: “Personal Jesus”

Nel 2002 l’artista country Johnny Cash registrò una reinterpretazione di Personal Jesus per il suo album American IV: The Man Comes Around.

Il produttore Rick Rubin chiese al chitarrista dei Red Hot Chili Peppers John Frusciante di riarrangiare una versione acustica del brano di Martin Gore, costituito da un semplice riff di chitarra acustica che rende la canzone uno scheletrico blues.

Frusciante suonò la chitarra nella traccia, insieme al chitarrista dei Tom Petty & The Heartbreakers Mike Campbell.

La versione di Cash venne pubblicata su singolo nel marzo 2003 come B-side di un’altra cover, Hurt dei Nine Inch Nails.

Quintorigo: “Heroes”

I Quintorigo sono un gruppo musicale italiano attivo dal 1992 e originario della Romagna.

Il gruppo propone un originale mélange di suoni e generi musicali: musica classica, rock, jazz, punk, reggae, funky, blues, in un continuo gioco tra musica e voce nei quali gli esecutori dimostrano versatilità ed elevate competenze e capacità musicali.

All’originale risultato finale concorrono archi e sax, usati in maniera decisa e allo stesso tempo melodica, uniti alla voce che spazia sulle più diverse timbriche.

Storia del gruppo

I Quintorigo si formano nel 1996.

Fin dall’inizio la loro musica, fortemente sperimentale, fonde jazz, classica, rock e pop.

Il gruppo inizia la propria attività proponendo dal vivo un repertorio fatto di cover di artisti di diversa estrazione musicale (Miles Davis, Jimi Hendrix, Nirvana).

Il primo disco (autoprodotto) è l’album promozionale Dietro le quinte (1998).

Nel 1998 si classificano primi all’Accademia della Canzone di Sanremo: è il prologo alla loro partecipazione al Festival di Sanremo 1999, durante il quale si fanno conoscere al grande pubblico con Rospo.

Al festival della canzone italiana si aggiudicano il Premio della Critica nella sezione “Giovani” e quello della Giuria di qualità.

Lo stesso anno grazie a Rospo vincono il Premio Tenco per la miglior opera prima.

Nella cerimonia di premiazione suonano con Franco Battiato rivisitando il suo brano L’animale.

Il 1º maggio 1999 partecipano al Concerto del Primo Maggio, in Piazza San Giovanni, a Roma, suonando alcuni brani del loro album Rospo.

Nel settembre 2000 pubblicano Grigio, che conferma come il gruppo sia bravo ad affrontare diversi generi (sono presenti la cover di Highway Star dei Deep Purple e degli omaggi a Paolo Conte).

Si presentano nuovamente a Sanremo nell’edizione del Sanremo nel 2001, con Bentivoglio Angelina (inserita nella ristampa di Grigio).

Con questo brano ottengono il Premio della Giuria di qualità per il “miglior arrangiamento”.

Tra il 2001 e il 2002 si esibiscono dal vivo in una serie di concerti e partecipando a diversi festival, tra cui il Brand: new Tour, gli Italian Music Award (con Carmen Consoli), e al Concerto del Primo Maggio 2001.

Realizzano anche la colonna sonora del film La forza del passato (2002), diretto da Piergiorgio Gay.

Alla fine del 2002 il gruppo rientra in studio a Rimini per registrare In cattività (marzo 2003), nel quale si accostano anche alla musica elettronica.

Tra gli ospiti del disco vi sono Ivano Fossati e un’orchestra di 60 elementi, l’Orchestra Sinfonica “Mihail Jora” di Bacau (Romania) e la Banda di Massamalata (che partecipa al brano U.S.A. e getta).

Dopo due anni di pausa, nel 2005, a seguito di divergenze artistiche e personali, John De Leo (voce) si separa dal gruppo.

Da qui il gruppo si dedica ad un progetto su Charles Mingus (Quintorigo Play Mingus) con la voce femminile della cantante bolognese Luisa Cottifogli (già collaboratrice di Ivano Fossati e Lucio Dalla e interprete di lirica, teatro e jazz).

Nel 2006 con la nuova cantante viene pubblicato l’album Il cannone, che dà l’avvio ad un nuovo percorso dal lato onirico e introverso rispetto al passato.

Fra le altre collaborazioni del gruppo, oltre a quelle già citate, vi sono quelle con Roberto Gatto, Enrico Rava e Antonello Salis.

Sul finire del 2009 Luisa Cottifogli lascia il gruppo ed il progetto live dedicato a Mingus acquista spessore con l’entrata in scena di Maria Pia De Vito (vincitrice del Top Jazz 2009)

Dal 2008 inizia la collaborazione con il cantante Luca Sapio, con il quale il gruppo nel 2011 pubblica l’album English Garden interamente cantato in inglese, con la partecipazione dell’attrice e cantante statunitense Juliette Lewis.

Nel giugno 2012 partono con una nuova tournée ed un nuovo progetto dedicato a Jimi Hendrix.

Il nuovo cantante che li accompagna dal vivo è Moris Pradella (che collabora anche con il cantante italiano Mario Biondi, nel ruolo di corista).

Il 27 novembre 2012, per il settantesimo anniversario della nascita di Jimi Hendrix, è stato pubblicato il nuovo disco che si intitola Quintorigo Experience per l’etichetta Métro/Self.

A questo album partecipano, tra gli altri, i cantanti Moris Pradella, Eric Mingus e Vincenzo Vasi (impegnato anche al theremin), oltre che i musicisti Antonio Bianchi e Michele Francesconi.

Il 12 luglio 2013, nel corso dell’Experience Tour si avvalgono della collaborazione, nella loro performance live presso la Corte degli Agostiniani a Rimini, del trombettista jazz Paolo Fresu.

Il 24 ottobre 2013 aprono, presso il Kulturni Dom di Gorizia, la 16ª edizione del Festival “Jazz&Wine of Peace 2013”, presentando al pubblico goriziano il loro ormai consolidato progetto su Jimi Hendrix.

Il 1º maggio 2014, al Teatro Diego Fabbri di Forlì, fanno registrare il tutto esaurito, in occasione dello spettacolo “Trilogy”, realizzato con il batterista Roberto Gatto, l’Italian Jazz Orchestra e l’orchestra “Maderna”, con musiche di Frank Zappa, Jimi Hendrix e Charles Mingus.

La direzione musicale è affidata a Fabio Petretti.

Vantano tre partecipazioni ad Umbria Jazz: nel 2010, nell’edizione invernale di Orvieto, presentando Play Mingus accompagnati da Maria Pia De Vito, nel 2012, con Quintorigo Experience, sempre a Orvieto (avvalendosi, peraltro, della partecipazione del cantante statunitense Eric Mingus), e nel 2013, ancora con quest’ultimo, ma nella kermesse estiva, al fianco dei grandi nomi del jazz mondiale, a Perugia.

A maggio 2015, esce il loro lavoro discografico dedicato a Frank Zappa (Around Zappa), nato dalla collaborazione con il batterista Roberto Gatto, dove si ritrova ancora una volta come vocalist Moris Pradella, da considerarsi ormai membro stabile del gruppo.

Per il 2016, è annunciata l’uscita di un nuovo album di inediti, sempre con la collaborazione di Roberto Gatto e Moris Pradella.

Ep. 24, “Taxi Driver (feat. Lae)”

Vi portiamo in giro a scoprire gli angoli della città della musica.

Con Laerte Ungaro!

  • Van Halen – Hot For Teacher – 2015 Remastered Version
  • Joe Satriani – Satch Boogie
  • Steve Vai – Tender Surrender
  • Yngwie Malmsteen – Far Beyond The Sun
  • John 5 – Heretic’s Fork
  • Alter Bridge – Blackbird
  • Tremonti – Providence
  • Butcher Babies – Monsters Ball
  • Destrage – My Green Neighbour
  • Pantera – 5 Minutes Alone – Remastered
  • Queen – A Kind Of Magic – Remastered 2011
  • Santana;Chris Cornell – Whole Lotta Love
  • Love Frame – Escape

Taxi Driver – Virtuoso Night e Non Solo!

0 – Jimi Hendrix – Due parole su colui che è stato il più influente chitarrista della storia.

Tre dischi tra il 1967 e il 1970 che hanno fatto scuola (quello postumo non è preso in considerazione perchè dubito che fosse pensato per essere un disco).

1 – Eddie Van Halen – Hot For The Teacher

Dopo Hendrix viene lui. La tecnica sviluppata da Eddie è stata fondamentale per tutti i chitarristi virtuosi moderni: il tapping! Varie storie su come ha iniziato insieme al fratello Alex. Famosa quella degli MM’s. Americo/Olandese

2 – Joe Satriani – Satch Boogie

Il Maestro dei maestri: ha insegnato a Steve vai e Kirk Hammett dei Metallica. Se Hendrix fosse stato vivo si sarebbe chiamato Joe Satriani. Fondatore del G3! Contenzioso famoso con i Coldplay con un suo pezzo del 2004 If I Could Fly, copiata dalla band inglese e diventata poi Viva la Vida del 2008. Italo/Americano/Armeno

3 – Steve Vai – Tender Surrender

Allievo di Satriani ma ancora di più di un certo Frank Zappa. Sviluppa una tecnica tutta sua, non propriamente Rock, ma più sperimentale. Se Bad è il disco cantato più venduto della storia, il Suo Passion e Warefare del 1990 è il disco strumentale più venduto al mondo. Italo/Americano

4 – John Petrucci  – Lost Without You

Il Chitarrista dei Dream Theater! Aver passato una vita per saper suonare come quest’uomo non sarebbe stata una vita sprecata! Il suono più bello mai sentito dal vivo, una tecnica mostruosa, alcuni lo reputano freddo (Stronzate! E adesso ve ne do la prova) non tutti sanno però che il buon John nel lontano 2005/2006 ha pubblicato un disco solista che non è presente su spotify: Suspended Animation! Italo/Americano

5 – Yngwie Malmsteen – Far Beoynd The Sun

L’uomo virtuoso per eccellenza! Riprende lo stile neoclassico e lo trasporta a velocità impressionanti, con un pulizia pazzesca visto anche il fatto che non essendo un fuscello le mani volano sulla tastiera. Si dice che la sua velocità sia da attribuire ad un incidente avuto con una delle sue Ferrari, in cui rimase ferito ad una mano, da allora la sua velocità pare essere aumentata. (un suo fan è Michael Romeo dei Symphony X) Svedese

6 – John 5 – Heretic’s Fork

Un altro virtuoso sullo stile di Malmsteen ma con diverse inclinazioni è il Chitarrista storico di Marilyn Manson e Rob Zombie. Molto sottovalutato. Scoperto grazie a mio fratello grande fan di Manson. Durante un concerto ha fatto un solo e da li mi sono interessato ai suoi lavori solisti! Una precisione assurda. Americano

7 – Myles Kennedy – Blackbird

Il Cantante degli Alter Bridge e di Slash. Grandissimo chitarrista Blues, gran cuore. Sembra incredibile ma l’assolo più bello della storia votato da Rolling Stone è suo!

Americano

8 – Mark Tremonti – Providence

Il Chitarrista degli Alter Bridge. Non tutti sanno che da poco ha messo su un progetto solista in cui oltre a suonare la chitarra, Canta…e pure bene! La canzone scelta è per la ritmica dello special, non per il solo, ma per la composizione. Italo/Americano

9 –  Henry Flury – Monsters Ball

Il Chitarrista dei Butcher Babies. Per molti sono sconosciuti, ma sicuramente avrete visto due ex conigliette di playboy, Heidi Sheperd e Carla Harvey, fare le rockettare su qualche parte in giro per gli States o anche in qualche festival europeo (Due gnocche mostruose, ovvio) ma questo chitarrista a tecnica sta messo altrettanto bene. Ritmica da paura. Americano.

10 – Destrage – My Green Neighbour

Italianissimi. Tecnicissimi. Pazzi fino al midollo. Tre dischi. Ora sono in giro per l’Europa di supporto ai Periphery. Ralph e Teo Fanno i numeri alle chitarre ma su tutti c’è il batterista: Federico Paulovich.

11 – Pantera – 5 Minutes Alone

La mia adolescenza. Un pezzo di cuore ormai scomparso: Dimebag Darrell. Ho sempre sperato in una reunion ma purtroppo non potrà più avvenire. Avevo un poster meraviglioso in camera proprio sulla testa del letto. Qui c’è tutto quello che si può chiedere da una band metal. Tutto. Americani

12 – Brian May – A Kind Of Magic

Il Chitarrista dei Queen. La prima band che ho amato. Colpa di mio padre che a 8 anni mi fece ascoltare Innuendo. La cosa che si può imparare da un chitarrista come May è come mettersi al servizio della canzone. Non è un virtuoso, ma lo riconosci tra 1000. Inglese.

13 – Carlos Santana – Whola Lotta Love

Il più riconoscibile tra i chitarristi. Se May è stato colpa di mio padre, Santana è invece di mia madre che voleva che suonassi sempre Samba pa ti. Qui ho scelto una cover proprio per farvi capire che nonostante sia un pezzo dei Led Zeppelin, Santana è sempre lui.

Omaggio anche al recentemente scomparso Chris Cornell. Messicano.

Ep. 23, “Tres Muchachos”

Fin dall’alba dei tempi l’umanità ha costruito strumenti per elevarsi dal livello animale ed assurgere a quello divino.

Cosa c’è di più eterno e divino della musica?

Probabilmente nulla, dato che la caducità della vita non permette all’uomo di eternizzarsi al di fuori delle proprie opere.

Stasera ascolterete qualcosa che punta a durare nel tempo, una celebrazione dell’amicizia attraverso la musica con due ospiti speciali: direttamente da “Questa trasmissione non ha un nome” e “DDOS Muchachos”… Ceso e Guso!

  • Wolfgang Amadeus Mozart;Fabrizio Meloni;Artkronos;Ezio Rojatti – Clarinet Concerto In A, K.622: 3. Rondo (Allegro)
  • Dmitri Shostakovich;Oleh Krysa;Ukraine National Symphony Orchestra;Theodore Kuchar – Violin Concerto No. 1 in A Minor, Op. 77: III. Passacaglia: Andante
  • Frank Zappa – The Dog Breath Variations – Live / Helsinki, Finland / 1974
  • Frank Zappa – Uncle Meat – Live / Helsinki, Finland / 1974
  • Elio E Le Storie Tese – Plafone
  • Caparezza – L’Età Dei Figuranti
  • Muse – Micro Cuts – HAARP [Live From Wembley Stadium]
  • Michael Giacchino – Team Building
  • Goblin – La Danza – Il Fatastico Viaggio Del ‘Bagarozzo’ Mark – 1978
  • System Of A Down – Needles
  • Opeth – The Leper Affinity
  • Metallica – Metal Militia – Remastered
  • Rush – Freewill

Ep. 22, “Sogno Tecnologico Bolscevico”

Dalla Madre di tutte le Russie fino all’imperialismo americano, passando per il post-socialismo (reale) fino alla minaccia dei figli di Putin.

Una puntata atipica, corta, ristretta, desolata e desolante, di quando c’erano i Nanni Moretti ad implorare D’Alema di dire qualcosa; possibilmente qualcosa di sinistra.

Quando c’era la Sinistra e c’era anche la Destra, ed era anche più facile distinguerle, forse perché c’erano anche meno scie chimiche e più vaccini.

MDB Summah Radio dedica una puntata particolare anche nel font ad un periodo che è passato, o che fose nemmeno c’è mai stato; e per l’occasione il conduttore si metterà una maglietta rossa che sembrerà uscito dalle pagine del manifesto di Marx e si farà chiamare Il CapitAlex.

No, perché poi pensate che siamo anche delle persone serie, non si sa mai…

Basil Poledouris – Hymn To Red October (Main Title)
C.S.I. – Unita’ Di Produzione
System Of A Down – Sugar
Franco Battiato – Prospettiva Nevski – 2004 Digital Remaster
Rammstein – AMERIKA
Giorgio Gaber – Le mani
Sepultura – Refuse / Resist
Sting – Russians
Sigue Sigue Sputnik – Love Missile F1-11
Skunk Anansie – Little Baby Swastika
Gorky Park – Bang
Franco Battiato;Alice – I treni di Tozeur – 2005 Digital Remaster
Banda Bassotti;99 Posse;Luca OZulù – Rigurgito Antifascista (feat. Luca OZulù)
Alexander Alexandrov;Les Chœurs de l’Armée Rouge;Victor Eliseev – National Anthem Of The Russian Federation
Bring Me The Horizon – Shadow Moses
C.S.I. – Linea Gotica

Basil Poledouris  “Hymn To Red October (Main Title)”

Basilis Konstantine Poledouris[Greco: Βασίλης Πολεδούρης] (Kansas City, 21 agosto 1945 – 8 novembre 2006) è stato un compositore statunitense, di origini greche.

Le sue musiche da film sono influenzate dalla sua ammirazione per il compositore Miklós Rózsa e dal retaggio della sua formazione religiosa greco-ortodossa.

Poledouris fu educato in chiesa, ed era solito assistere alle funzioni, rapito dal suono del coro.

All’età di 7 anni iniziò le lezioni di piano e infine si iscrisse alla University of Southern California per studiare cinema e musica.

Diversi cortometraggi ai quali ha contribuito sono ancora presenti negli archivi dell’università.

Alla USC incontrò i registi John Milius e Randal Kleiser, con entrambi i quali avrebbe collaborato in futuro.

Nel 1985 musicò L’amore e il sangue per il regista Paul Verhoeven, stabilendo un’altra collaborazione duratura.

Il possesso di uno stile imponente e alquanto epico gli consente di produrre musica per un preciso genere di film dove l’azione è preminente.

I maggiori esempi di questa produzione si possono trovare in Conan il barbaro del 1982, Conan il distruttore del 1984, Alba rossa del 1984, RoboCop del 1987, Caccia a Ottobre Rosso del 1990, Free Willy – Un amico da salvare del 1993, Starship troopers del 1997 e Gioco d’amore 1999.

Il suo studio è stato il “Blowtorch Flats”, che si trova a Venice, California ed è un’industria di mixaggio professionale specializzata nella produzione di film.

Poledouris sposò sua moglie Bobbie nel 1969 e ebbe due figlie, Zoë ed Alexis.

La maggiore delle due, Zoë Poledouris, è attrice e compositrice e ha occasionalmente collaborato col padre nella realizzazione di colonne sonore da film.

Nel 1996, per la Cerimonia di Apertura dei Giochi Olimpici di Atlanta, compose il brano “The Tradition of the Games”, che accompagnò il memorabile tributo danzante a Dei ed atleti delle Olimpiadi dell’antichità utilizzando immagini stilizzate.

Passò gli ultimi quattro anni della sua vita a Vashon Island, nello stato di Washington, e morì l’8 novembre 2006 a Los Angeles, California, all’età di 61 anni, per le complicazioni di un cancro.

C.S.I.  “Unita’ Di Produzione”

« Tabula Rasa Elettrificata è un disco dedicato alla Mongolia.

Non è un disco esotico, ancor meno etnologico o popolaresco.

Forse è l’unico disco rock nella storia dei CCCP/CSI »

(Giovanni Lindo Ferretti)

Tabula Rasa Elettrificata è il terzo album in studio del Consorzio Suonatori Indipendenti, pubblicato nel 1997.

Viene spesso abbreviato con l’acronimo T.

R.

E.

, che rimanda oltretutto alla sua cronologia discografica (è il terzo album dei CSI, dopo Ko de mondo e Linea Gotica).

« Un disco eccezionale.

Ritengo che tutti i brani siano molto interessanti, ma soprattutto Brace, Tabula Rasa Elettrificata e Forma E Sostanza.

In Bolormaa c’è una frase stupenda: “Monito terrorista che la retta è per chi ha fretta”, ed anche Matrilineare con il suo innesto di voci è un brano che mi ha colpito.

Tabula Rasa Elettrificata è un disco, per usare una sintesi, apocalittico.

Facendo però attenzione all’utilizzo di questa parola con il suo significato originale di rivelazione.

Un disco che appartiene ad una concezione esistenziale nordica, con una idea di rivoluzione non nella sua accezione distruttiva.

Un disco rivoluzionario.

»

(Franco Battiato)

A sorpresa, considerata la natura di “cult band” del gruppo, è stato per una settimana l’album più venduto in Italia arrivando a vendere oltre 100.

000 copie in poco tempo, 50.

000 nella sola prima settimana di vendita.

Il disco prende ispirazione da un viaggio in Mongolia di Giovanni Lindo Ferretti e Massimo Zamboni, intrapreso attraverso la Transiberiana e dal quale è stato tratto anche un libro: In Mongolia in retromarcia.

Da quel viaggio è stato tratto anche un film di Davide Ferrario, Sul 45º parallelo e una serie di documentari per Geo & Geo (Rai 3) con la regia di Marco Preti.

Da Firenze, il 3 febbraio 1998, partirà un tour di 53 concerti (il M’Importa Nasega Tour) che otterrà ovunque il tutto esaurito.

I CSI decideranno in seguito di andare a suonare anche nella ex Iugoslavia tenendo dei concerti a Mostar e a Banja Luka, città duramente colpite durante la Guerra in Bosnia-Erzegovina.

System Of A Down “Sugar”

“Sugar” is a song by Armenian American metal band System of a Down.

It was released as a single and EP in May 1999 and was taken from their album System of a Down (1998).

“Sugar” is one of System of a Down’s first songs, having initially appeared on their first official demo tape.

This song has been played at most System of a Down concerts, and the concerts mostly end with this song.

The song was used in certain World Wrestling Federation (WWF) promos during 1999-2000 and is featured in the game Madden NFL 2010.

Music video[edit]

The music video for “Sugar” shows the band playing on a stage, with an American flag intercut with images of public violence, hangings from the Holocaust, armies, footage of the Upshot-Knothole Grable nuclear test and footage from the German film Metropolis.

The video begins with a reenactment from the movie Network of a news reporter saying:

“Good evening, I’m Eric Alost [America Lost].

NATO forces bomb Serbia and Kosovo.

An unidentified man is being held for questioning by the FBI for suspected links to last month’s biological virus deaths.

In local news, a dog named Hero takes the grand prize at the annual- I wish I could tell you more pertinent news, but we’re in a rating system here, and the key factor is ‘sensationalism’.

They’ve got you running in circles, 9 to 5, *static, then TV image resets* and 5 to 9.

.

.

you’re mine! I tell you what they want you to know, and you consider it the truth.

Nobody is opening their eyes! Our global economy is depleting the world of our lives and natural resources! AND ARE YOU HAPPY?! COME ON! I WORK FOR THE SYSTEM!”

It then cuts to the band.

Tankian and Malakian are seen with their faces painted throughout the entire video, drummer John Dolmayan is seen, though very briefly, wearing a gas mask, and bassist Odadjian is seen with his beard braided and face paint also.

Due to the controversial nature of the video, it received little airplay.

[where?] Channels such as Kerrang!TV were restricted to showing the video after the 10pm watershed.

Franco Battiato  “Prospettiva Nevski”

È il primo timido successo commerciale di Battiato: originariamente si doveva intitolare “I telegrafi del martedì grasso”.

In classifica si piazza al trentesimo posto e rimane fra i primi cinquanta per quattro mesi.

I brani Up Patriots to Arms e Prospettiva Nevski (ispirato all’omonima strada di San Pietroburgo) diverranno col tempo suoi grandi classici.

Arabian song è il primo brano della sua carriera nel quale il cantautore siciliano si cimenta nel canto in lingua araba.

Numerose anche le citazioni “letterarie” che si riferiscono a poeti italiani (fra cui Leopardi, Pascoli e Carducci) nel brano Frammenti.

Nel brano Passaggi a livello, tra la seconda e la terza strofa, è presente una citazione in francese tratta dal volume III dell’opera Alla ricerca del tempo perduto di Marcel Proust: “La musique, bien différente en cela de la société d’Albertine, m’aidait à descendre en moi-même, à y découvrir du nouveau: la variété que j’avais en vain cherchée dans la vie, dans le voyage [.

All’inizio di Up Patriots To Arms si ascolta un breve parlato in arabo, di fonte incerta, il cui significato è traducibile con: “Ogni giorno guardiamo le cose insignificanti, guardo tutto e tutto il mondo che vive di speranza, e non vivo…”

Rammstein “AMERIKA”

Amerika è un singolo dei Rammstein, estratto dall’album Reise, Reise.

La canzone in inglese è una satirizzazione, oltre della globalizzazione, anche del dominio dell’America nel mondo.

I Rammstein “elogiano” sarcasticamente gli americani, ma poi affermano «this is not a love song, I don’t sing my mother tongue» ovvero «questa non è una canzone d’amore, io non canto nella mia lingua madre».

(EN)

« We’re all living in Amerika,

Amerika ist wunderbar,

we’re all living in Amerika,

Amerika, Amerika »

(IT)

« Tutti noi viviamo in America,

l’America è meravigliosa,

tutti noi viviamo in America,

America, America »

Il ritornello della canzone.

(DE)

« Wir bilden einen lieben Reigen,

Die Freiheit spielt auf allen Geigen,

Musik kommt aus dem weißen Haus,

Und vor Paris steht Mickey Maus »

(IT)

« Formiamo un bel girotondo,

la libertà suona su tutti i violini,

la musica viene dalla Casa Bianca,

e davanti a Parigi c’è Topolino »

Video[modifica | modifica wikitesto]

Il video mostra i membri della band vestiti da astronauti, come parodia dello sbarco sulla Luna del 1969.

Nel video sono fatti riferimenti alla globalizzazione, come al cinese vestito da “americanizzato”, e a Babbo Natale che offre Coca-Cola a dei bambini africani.

La parte finale del video ipotizza che lo sbarco sulla luna sia stato una finzione.

Il cantante Till Lindemann indossa una tuta spaziale con impresso il nome Armstrong, una chiara citazione all’astronauta Neil Armstrong.

Giorgio Gaber  “Le mani”

Anche per oggi non si vola è un album di Giorgio Gaber pubblicato nel 1974.

Il disco[modifica | modifica wikitesto]

Raccoglie le canzoni e i monologhi dell’omonimo spettacolo di teatro canzone scritto da Gaber e Sandro Luporini, registrate al Teatro Lirico di Milano il 9 ottobre 1974.

I tecnici di registrazione sono Mario Carulli e Plinio Chiesa; in copertina vi è un’acquaforte di Luporini.

L’album è stato ripubblicato in CD, sempre doppio, in più edizioni.

Nel 2003 è stato ristampato dalla Carosello, in serie con gli altri album, sotto la sigla “Gaber a teatro”.

I brani L’elastico, Il Narciso, La nave, e Chiedo scusa se parlo di Maria erano già comparsi nell’album dell’anno precedente, Far finta di essere sani, registrati in studio.

Gli arrangiamenti, come di consueto, sono di Giorgio Casellato.

Giorgio Gaber

« La libertà non è star sopra un albero, / non è neanche il volo di un moscone, / la libertà non è uno spazio libero, / libertà è partecipazione.

»

(Giorgio Gaber, La libertà)

Giorgio Gaber, nome d’arte di Giorgio Gaberščik (Milano, 25 gennaio 1939 – Montemagno di Camaiore, 1º gennaio 2003), è stato un cantautore, commediografo, regista teatrale e attore teatrale e cinematografico italiano tra i più influenti dello spettacolo e della musica italiana del secondo dopoguerra.

Affettuosamente chiamato “Il Signor G” dai suoi estimatori, è stato anche un chitarrista di valore, tra i primi interpreti del rock and roll italiano (tra il 1958 e il 1960).

Molto apprezzate sono state anche le sue performance come autore ed attore teatrale; è stato iniziatore, assieme al suo collaboratore Sandro Luporini, del “genere” del teatro canzone.

Tra le varie dediche, nel 2004, a Giorgio Gaber viene intitolato il rinnovato auditorium sotterraneo del Grattacielo Pirelli di Milano.

Per Gaber.

.

.

io ci sono è il titolo del triplo cd evento uscito il 13 novembre 2012, a quasi dieci anni dalla morte del grande cantautore milanese, con cinquanta artisti che hanno reinterpretato i suoi brani.

È uno tra gli artisti con il maggior numero di riconoscimenti da parte del Club Tenco, con due Targhe ed un Premio Tenco.

Sepultura “Refuse Resist”

Refuse/Resist is Sepultura’s fourth single, released in 1994.

The title song, also included as a single off the album Chaos A.

D.

, is one of the band’s best-known songs and remains a concert staple to this day.

A music video was filmed for the single which features the band playing live at a festival intercut with footage of rioting and general unrest.

This video can be found on the VHS Third World Chaos, which was later released on DVD as part of the Chaos DVD.

The intro to the song is the heartbeat of Max Cavalera’s then-unborn first son Zyon.

This song is also notable for having a 20-second growl at the end.

“Refuse/Resist” also appears in live form on the band’s live releases Under a Pale Grey Sky and Live in São Paulo.

The cover of the single depicts a Korean man jumping at a police barricade holding a petrol bomb, while the interior features the famous image of the anonymous Chinese man who stood in front of several tanks, blocking their path.

The reverse of the sleeve shows the band playing live.

The spine of the CD release does not feature the band name or the name of the single, but rather is blank purple.

Releases[edit]

The single was released in several forms.

Two CD versions exist: one 3-track maxi-single and a seven-track EP, details of which are listed below.

Both come in foldout card digipak cases.

Early limited pressings were embossed with the Sepultura thorned ‘S’ logo.

In addition, the single was also released on cassette tape with the same B-sides as the maxi single.

The single also saw two vinyl releases, both limited editions.

The 7″ version was pressed on 7″ vinyl with “Inhuman Nature” as the B-side, while the 12″ version was pressed on black vinyl but had a die-cut sleeve which was made to look like it had been riddled with bullet holes.

Sting “Russians”

Russians è un singolo tratto dal primo album solista di Sting, The Dream of the Blue Turtles, pubblicato nel giugno del 1985.

Il singolo è stato messo in commercio nel novembre dello stesso, ottenendo dunque un notevole riscontro di pubblico che permise allo stesso album di riportarsi ai primi posti per l’intera stagione primaverile.

Analoga sorte ottenne in Italia, anche in virtù della partecipazione di Sting come ospite speciale al Festival di Sanremo 1986.

La canzone rappresenta una dichiarazione d’intenti contro l’allora dominante politica estera della guerra fredda e della dottrina della Distruzione mutua assicurata tra Stati Uniti e Russia.

La musica, nei versi, riprende un tema di Sergej Sergeevič Prokof’ev (Lieutenant Kije Suite, Op.

60).

Un ticchettìo di orologio, quasi a ricordare la precarietà del tempo, introduce una melodia sontuosa, accompagnata da una partitura orchestrale.

La canzone è stata accompagnata da un suggestivo video musicale in bianco e nero diretto dal fotografo Anton Corbijn.

Il brano è apparso in alcuni promo della seconda stagione della serie televisiva The Americans, che ha come scenario proprio quello della guerra fredda.

Significato[modifica | modifica wikitesto]

La canzone si focalizza particolarmente sul conflitto che ha dato vita alla guerra fredda tra Stati Uniti d’America ed Unione Sovietica.

Il testo non si schiera da nessuna delle due parti (“there’s no monopoly on common sense / On either side of the political fence” – “non c’è monopolio sul buon senso / da entrambi i lati della barricata politica”) ma descrive i pensieri dei cittadini comuni diSi nentrambe le superpotenze e la loro divergenza politica su quanto stava accadendo (“there’s no such thing as a winnable war / It’s a lie we don’t believe anymore” – “non c’è nessuna cosa come una guerra da vincere / è una bugia a cui non crediamo più”).

Sting cita e prende le distanze sia dal presidente statunitense Ronald Reagan che dal premier sovietico Michail Gorbačëv.

Il cantante spera quindi che “Russians love their children too” (“anche i russi amino i loro bambini”) dal momento che ciò sarebbe a quanto pare l’unica cosa che potrebbe salvare il mondo da un’eventuale cancellazione ad opera delle armi nucleari (che Sting definisce “Oppenheimer’s deadly toy” – “il giocattolo mortale di Oppenheimer”).

Storicamente, la guerra fredda si trovava nei suoi anni finali ai tempi in cui venne composta Russians, quando Michail Gorbačëv divenne Segretario generale del PCUS nel marzo del 1985, e nel 1989 Gorbačëv e il successore di Reagan, il presidente George H.

W.

Bush, decretarono la fine della guerra fredda al summit di Malta, con la conseguente dissoluzione dell’Unione Sovietica avvenuta due anni dopo.

Origine e storia[modifica | modifica wikitesto]

In un’intervista del 2010, Sting ha ammesso di aver trovato l’ispirazione per comporre la canzone dopo aver dato un’occhiata alla TV sovietica:

« Avevo un amico all’università che trovò il modo di rubare il segnale del satellite da un’emittente televisiva russa.

Avevamo un paio di birre e salimmo su questa piccola scala per guardare la televisione russa.

.

.

Nella fascia serale avevamo solo televisione russa per bambini, come il loro Sesame Street.

Rimasi impressionato dalla cura e dall’attenzione che rivolgevano nei programmi dei loro figli.

Mi dispiace che i nostri nemici attuali non abbiano avuto la stessa etica.

»

Sting ha eseguito la canzone ai Grammy Awards del 1986.

Questa performance è stata inserita nell’album Grammy’s Greatest Moments, Volume 1 del 1994.

Polemiche[modifica | modifica wikitesto]

Il cantautore italiano Antonello Venditti aprì una polemica, accusando Sting di un certo qualunquismo e sottolineando come una canzone con un testo così in Italia sarebbe stata oggetto di pesanti critiche: questa sua presa di posizione fu rimarcata da una canzone pubblicata l’estate stessa nell’album Venditti e segreti, intitolata Rocky, Rambo e Sting, dove il solo accostamento del cantautore ai personaggi di Rocky Balboa e John Rambo, due simulacri di un certo edonismo di stampo americano, era sufficiente per esprimere una certa dissociazione.

Sting non diede peso a questa polemica, limitandosi, in una intervista a la Repubblica, a rispondere con toni ironici, augurando a Venditti di avere successo e dandogli la sua benedizione.

[senza fonte]

Sigue Sigue Sputnik “Love Missile F1-11”

Sigue Sigue Sputnik (“Brucia brucia Sputnik” in russo, secondo la versione ufficiale, ma “sigue” non significa niente in russo) è un gruppo musicale formato nel 1984.

Durante la seconda metà degli anni ottanta del XX secolo i Sigue Sigue Sputnik divennero popolari grazie a brani come Love Missile F1-11 e 21st Century Boy, contenuti nell’album Flaunt-it, sfruttando l’originale idea di inserire spot pubblicitari tra una traccia e l’altra.

Il gruppo era inoltre sponsorizzato dalla Atari.

Il successo del pezzo Love Missile F1-11 fu confermato dal successivo 21st Century Boy che raggiunse le vette delle classifiche europee in breve tempo.

[senza fonte] Un buon successo lo riscosse anche l’album del 1986 Flaunt-it.

Lo stesso anno parteciparono al Festivalbar.

Nel 2000 hanno partecipato all’album di tributo ai Queen Tie Your Mix Down: A Queen Tribute, per il quale hanno eseguito Keep Yourself Alive.

David Bowie, nel 2003, ha inserito una cover del brano Love Missile F1-11 nel singolo New Killer Star.

Skunk Anansie “Little Baby Swastika”

Paranoid & Sunburnt is the first studio album by British rock band Skunk Anansie, first released in 1995 via One Little Indian Records.

It was re-released in 2005 with a DVD featuring the videos to the singles.

This album was recorded with the band’s original drummer, Robbie France but he is not featured on the cover.

The album, featuring a mix of controversial protest songs (mainly about politics and religion), peaked at #8 in the UK Albums Chart.

Five singles were taken from Paranoid and Sunburnt, four of which were commercially released.

Single

“Little Baby Swastikkka” was the first release from the album.

It was not a commercial release, however.

It was a radio single and only 2,000 copies were pressed.

Franco Battiato e Alice “I treni di Tozeur”

treni di Tozeur/Le biciclette di Forlì è un singolo di Alice e Battiato pubblicato nel 1984 da EMI in formato 7″.

La titletrack si è classificata 5ª all’Eurofestival 1984.

I treni di Tozeur è composta da Franco Battiato, Giusto Pio e Saro Cosentino.

Le biciclette di Forlì è un brano strumentale composto da Alice.

La canzone I treni di Tozeur fa riferimento a Tozeur, cittadina tunisina, una delle prime oasi nel deserto dopo Douz.

La città è circondata da un lago salato, presso cui passavano le carovane e in cui si verifica il fenomeno della fata morgana, che porta i viandanti a vedere “miraggi”.

I treni di Tozeur, cantata in duo da Battiato e da Alice, nel 1984, rappresentò l’Italia all’Eurofestival raggiungendo il quinto posto con 70 punti.

Nelle votazione ricevette dodici punti da Spagna e Finlandia.

Il singolo raggiunse il ventesimo posto tra i singoli più venduti del 1984.

Ciononostante la versione del singolo è rimasta per quasi vent’anni inedita su album, comparendo per la prima volta in CD nella raccolta Alice Studio collection.

Alice ne ha prodotto nel 1987 e nel 2000 due versioni con un arrangiamento totalmente diverso, includendole rispettivamente negli album Elisir e Personal Juke Box.

Battiato invece ne inserì una versione solista nel suo album Mondi lontanissimi del 1985.

Nella raccolta destinata al mercato anglosassone Echoes of Sufi Dances ne compare una versione in inglese, con il titolo di The Trains of Tozeur e in una raccolta in lingua spagnola, Ecos de danzas sufi, viene eseguita una versione in castigliano intitolata Los trenes de Tozeur.

Entrambe le versioni sono interpretate dal solo Battiato.

Il brano appare inoltre nella colonna sonora del film di Nanni Moretti La messa è finita (1985).

Banda Bassotti, 99 Posse “Rigurgito Antifascista”

Curre curre guaglió (1993) è l’album d’esordio dei 99 Posse.

La traccia che dà il titolo al disco verrà inserita da Gabriele Salvatores nella colonna sonora del film Sud.

Ciò frutterà all’album la vittoria alla Targa Tenco come migliore opera dialettale e al Premio Ciak come migliore colonna sonora.

All’interno prevalgono i temi militanti trattati a volte con rabbia (Rigurgito antifascista, Rappresaglia, Odio) a volte con ironia (O’ documento, Ripetutamente).

All’album partecipano artisti dell’underground napoletano e non solo come Speaker Cenzou, RadioGladio, Suoni Mudù, Daniele Sepe e Bisca, con i quali i 99 Posse cominceranno un importante sodalizio artistico.

L’album è presente nella classifica dei 100 dischi italiani più belli di sempre secondo Rolling Stone Italia, alla posizione numero 49.

Il testo della canzone Curre curre guagliò è stato inserito in una antologia della letteratura italiana per scuole superiori, “Le basi della letteratura” di Bruno Mondadori Editore, pubblicato nel 2013.

In un’intervista, Zulù si è mostrato soddisfatto dell’inserimento di un proprio testo in un libro scolastico, nonostante alcune strofe siano state censurate.

“russian national anthem”

L’inno dell’Unione Sovietica (in russo: Гимн Советского Союза?, traslitterato: Gimn Sovetskogo Sojuza; dal 1977 al 1991: Inno dell’Unione delle Repubbliche Socialiste Sovietiche, in russo: Гимн Союза Совéтских Социалистических Республик?) fu adottato come inno nazionale dall’Unione Sovietica, in sostituzione de “L’Internazionale”, il 15 marzo 1943, nella convinzione che i soldati dell’Armata Rossa sarebbero stati più motivati da un inno dedicato alla loro nazione piuttosto che a un movimento di respiro globale.

La musica fu composta da Aleksandr Aleksandrov sul testo di Sergej Michalkov e Gabriel El-Registan.

L’opera fu ispirata all’inno del Partito bolscevico, composto da Vasilij Lebedev-Kumač nel 1939.

La partitura dell’inno sovietico.

Nella versione originale, il nome di Stalin era menzionato nella seconda strofa, ma dopo la morte del leader sovietico, nel 1953, e il conseguente processo di destalinizzazione, tale menzione non fu più ritenuta accettabile.

Per questo motivo, a partire da quegli anni fino al 1977, l’inno fu eseguito solo nella versione melodica.

Nel 1977, il testo fu reintitolato e riscritto eliminando il riferimento a Stalin, mentre venne mantenuto quello a Lenin che era considerato il padre spirituale del comunismo russo.

A seguito del collasso dell’Unione Sovietica, nel 1991, la Federazione Russa adottò un nuovo inno nazionale, la “Canzone patriottica” (in russo: Патриотическая Песня?).

A partire dal 31 dicembre 2000, venne ripristinata la melodia dell’inno sovietico, ma con un testo differente – sempre scritto da Michalkov – allo scopo di rappresentare la natura non comunista della Federazione.

Bring Me The Horizon “Shadow Moses”

Shadow Moses è un singolo del gruppo musicale britannico Bring Me the Horizon, il primo estratto dal loro quarto album in studio Sempiternal, pubblicato l’11 gennaio 2013.

Il titolo del brano è ispirato all’omonimo luogo della serie di videogiochi Metal Gear; all’inizio e alla fine è inoltre possibile ascoltare un estratto riarrangiato di The Best Is Yet to Come, brano presente nella colonna sonora di Metal Gear Solid.

Daniele Silvestri “L’uomo col megafono”

L’uomo col megafono è un brano musicale scritto ed interpretato da Daniele Silvestri.

Con questa canzone, Silvestri partecipò al Festival di Sanremo 1995 nella sezione “nuove proposte”.

Silvestri sottolineò l’impegno del testo, di smaccata natura politica, accompagnandosi con dei cartoncini colorati, sui quali erano scritti le parole salienti del testo – un uso mutuato probabilmente da un’analoga iniziativa di Bob Dylan.

In alcuni passaggi del brano la voce di Silvestri viene distorta, come se uscisse da un megafono.

Il brano si classificò decimo (ultimo fra le nuove proposte finaliste), ma si aggiudicò il premio “Volare” della critica, come miglior testo letterario.

La canzone venne poi inserita nel secondo album di Daniele Silvestri Prima di essere un uomo.

C.S.I. “Linea Gotica”

Linea Gotica (album)

Da Wikipedia, l’enciclopedia libera.

Linea gotica

Artista Consorzio Suonatori Indipendenti

Tipo album Studio

Pubblicazione 1996

Durata 60 min : 42 s

Dischi 1

Tracce 10

Genere Art rock

Noise rock

Etichetta Polygram

Produttore Consorzio Produttori Indipendenti

Registrazione

Consorzio Suonatori Indipendenti – cronologia

Album precedente

In quiete

(1994)Album successivo

Tabula Rasa Elettrificata

(1997)

Recensioni professionali

Recensione Giudizio

Ondarock Pietra miliare

« Linea Gotica è un disco di chitarre elettrificate, perché questo è il suono del nostro tempo, per quanto detestabile possa essere questo suono e questo tempo.

»

(Giovanni Lindo Ferretti)

Linea Gotica è il secondo album in studio del Consorzio Suonatori Indipendenti, pubblicato nel 1996.

L’album è presente nella classifica dei 100 dischi italiani più belli di sempre secondo Rolling Stone Italia alla posizione numero 8.

I brani[modifica | modifica wikitesto]

« occorre essere attenti

e scegliersi la parte

dietro la Linea Gotica »

(Linea Gotica)

Cupe vampe è dedicato al rogo della Biblioteca Nazionale di Sarajevo e all’assedio della città durante la guerra civile jugoslava.

E ti vengo a cercare è una cover dell’omonima canzone di Franco Battiato, contenuta nell’album Fisiognomica.

L’ultimo verso di questa versione è cantato dallo stesso Battiato: tuttavia vengono omesse le ultime parole “perché ho bisogno della tua presenza”.

Linea Gotica, già nell’esplicito titolo, è incentrata su alcuni avvenimenti della Seconda guerra mondiale, e sull’occupazione nazifascista in Italia.

La canzone si apre con una citazione di un racconto di Beppe Fenoglio, contenuto ne I ventitré giorni della città di Alba con riferimenti alla città piemontese, protagonista di un capitolo della storia della Resistenza italiana.

Sono presenti inoltre riferimenti a Germano Nicolini (il “comandante diavolo”) e a Giuseppe Dossetti (il “monaco obbediente”).

Millenni costituisce una critica, piuttosto accesa, verso la Chiesa cattolica e la religione cristiana in generale.

Lo stesso Ferretti commenta comunque che questa sua canzone “[.

.

.

] non farà di me un anticlericale, di tutte le sette la più sciocca, anche se di questi tempi la meno pericolosa”.

Io e Tancredi non è un riferimento all’omonima opera di Gioachino Rossini, bensì una vera e propria ode al cavallo, definito animale nobile per eccellenza, pronto a sacrificarsi per il suo padrone.

L’allevamento di cavalli è da sempre una passione del cantante, e Tancredi era il nome del suo cavallo.

Irata contiene riferimenti e citazioni di Pier Paolo Pasolini.

Gorky Park “Bang”

I Gorky Park furono un gruppo heavy metal nato a Mosca, Russia nel 1987.

Anche se la fama dei Gorky Park negli Stati Uniti fu di breve durata, storicamente divennero in ogni caso un’importante band poiché il loro successo fu profondamente radicato negli eventi che coinvolsero gli Stati Uniti durante gli ultimi anni della Guerra Fredda.

Negli anni ottanta il politico conservatore russo Konstantin Ustinovič Černenko passò al potere nell’Unione Sovietica.

Ciò provocò nuove tensioni del paese con gli Stati Uniti quando i sovietici invasero l’Afghanistan e gli USA boicottarono i giochi olimpici di Mosca del 1980.

Nel 1981 venne eletto come presidente degli Stati Uniti Ronald Reagan che cominciò ad organizzare un potente esercito.

Nel tentativo di contrastare la crescente presenza della cultura americana e delle emissioni radio della CIA, Chernenko dispose il divieto di ascoltare rock & roll.

Egli affermo: “La musica rock, assieme ad altri elementi della cultura occidentale, fa parte di un arsenale di armi sovversive puntate che minacciano l’avvicinamento dei giovani russi all’ideologia comunista”.

Come negli Stati Uniti degli anni cinquanta, la condanna del rock & roll da parte dei politici provocò un incremento di popolarità della musica stessa.

Fu proprio durante questo periodo che i Gorky Park iniziarono a suonare a Mosca come rock & roll band.

Quando nel 1986 Michail Gorbačëv passò al potere, molte limitazioni disposte dalla precedente gestione governativa sulla musica vennero abolite.

Grazie ai programmi di Gorbačëv glasnost’ (“trasparenza”) e perestrojka (“ristrutturazione”), la scena rock di Mosca cominciò ad emergere e rafforzarsi.

Nel 1987 i chitarristi Alexie Belov e Jan Ianenkov, il cantante Nikolai Noskov, il bassista “Big” Sasha Minkov, ed il batterista Sasha Lvov si unirono per fondare i Gorky Park.

Grazie alla diminuzione delle restrizioni per i viaggi all’estero, più tardi quell’anno la band riuscì a lasciare la Russia per spostarsi negli Stati Uniti alla ricerca di un contratto discografico.

All’epoca questo gesto poteva sembrare ridicolo, in quanto per molti l’idea del rock russo era una contraddizione in termini.

Negli States la band riuscì presto a raggiungere diversi contatti nel music business.

Una delle prime persone a conoscere il gruppo fu il leggendario musicista Frank Zappa.

Finalmente il gruppo venne notato da Jon Bon Jovi e Richie Sambora dei Bon Jovi, che li aiutarono ad assicurarsi un affare con la major Mercury Records.

Il gruppo pubblicò l’omonimo Gorky Park nel 1989.

Il disco venne prodotto da Bruce Fairbairn (noto per le sue collaborazioni con AC/DC, Bon Jovi, Aerosmith, Scorpions, Blue Öyster Cult, Black ‘N Blue e molti altri) con l’eccezione del brano “Peace In Our Time”, composto e prodotto da Jon Bon Jovi e Sambora.

Questo brano era una ballad che trattava proprio il tema sulla fine della guerra fredda.

Questo omonimo era particolarmente orientato sulle sonorità dell’hair metal, stile molto in voga in quel periodo, nonché caratteristico della scena musicale statunitense degli anni 80.

Il disco presentava anche la famosa cover dei The Who “My Generation”, che verrà inclusa anche nel disco Stairway to Heaven/Highway to Hell, una raccolta che comprendeva diverse cover proposte dagli artisti che parteciparono al Moscow Music Peace Festival.

Questo fu l’anno in cui la cortina di ferro cominciava a decadere e che culminò nella caduta del muro di Berlino in novembre.

Con un nuovo senso di benevolenza fra est e ovest, i Gorky Park divennero uno strano simbolo dell’unità tra America e Russia.

Il primo videoclip girato dalla band, “Bang”, ricevette una forte sponsorizzazione da parte di MTV.

I successivi due singoli “Try to Find Me” e la traccia in collaborazione con Bon Jovi, “Peace in Our Time”, ricevettero un ulteriore rotazione da parte delle radio.

Inoltre quell’anno parteciparono anche al noto Moscow Music Peace Festival, svoltosi proprio nella loro città natale, assieme ai colossi della scena musicale statunitense Bon Jovi, Mötley Crüe, Ozzy Osbourne, e Scorpions.

Più tardi lo stesso anno la band partecipò, assieme ai colleghi americani, in un tour per promuovere la lotta alla droga.

Il gruppo continuò una serie di date di successo nel 1990 al fianco dei Bon Jovi e suonando alla cerimonia d’apertura dei Goodwill Games.

Con il cambiamento delle tendenze musicali dei primi anni 90 soppiantate dal grunge, e la fine della Guerra Fredda, la fama del gruppo negli States declinò molto rapidamente.

Tuttavia vennero immortalati in un episodio parodia di Saturday Night Live nel film Fusi di testa (1992).

Il nome della band appariva in una lista composta dai protagonisti Wayne e Garth nel quale venivano elencate le peggiori 10 cose che provocarono il crollo dell’Unione Sovietica.

Anche se non più popolari negli States, il successo della band continuò nel resto del mondo per un certo periodo.

Nikolai Noskov abbandonò il gruppo nel 1990, così il ruolo di cantante venne coperto dal bassista Sasha Minkov.

I restanti membri infatti rimasero uniti e pubblicarono alcuni album durante gli anni 90.

Il secondo album Moscow Calling, pubblicato nel 1993 per la Ariola Records, vendette 500 000 copie fuori dagli Stati Uniti.

Il loro disco successivo, Stare, venne pubblicato nel 1996 solo in Russia.

Nel 1998 seguì il quarto album Protivofazza.

Mentre la popolarità rimase praticamente costante solo in Russia, il gruppo sarà sempre ricordato dagli americani come la prima band hair metal russa che venne trasmessa su MTV.

Nel 2000 la formazione dei Gorky Park includeva il nuovo cantante e bassista Alex Nelidov.

Ep. 21, “Let’s Chaos feat. Il Tucci”

Una nuova puntata di MDB Summah Radio, con un nuovo ospite, “Il Tucci”, all’insegna del caos, del bordello e del divertimento.
Se vi piace il sano heavy metal non potete mancare!

  • Metallica – Hardwired
  • Diablo Swing Orchestra – Balrog Boogie
  • Sum 41 – 13 Voices
  • Nightwish – Stargazers
  • Amaranthe – Drop Dead Cynical
  • Disturbed – Indestructible
  • Michael Jackson – Smooth Criminal – 2012 Remaster
  • Metallica – Enter Sandman
  • Sum 41 – Still Waiting
  • Linkin Park – In The End
  • Belladonna – Till Death Do Us Part
  • Mägo de Oz – Fiesta Pagana
  • The Offspring – Pretty Fly (For A White Guy)
  • Metallica – The Call Of Ktulu
  • blink-182 – All The Small Things
  • Nickelback – Burn It To The Ground
  • Shinedown – Sound Of Madness

Hardwired (Metallica)
Vado al mio primo concerto dei Metallica, questa è la traccia di apertura, vale la pena di metterla come prima traccia di questa puntata

Barlog Boogie (Diablo Swing Orchestra)
Scoperti su Jamendo quando ancora andavo alla ricerca di musica Open, credo sia il miglior gruppo mai trovato lì dentro

13 Voices (Sum 41)
Casinisti per definizione, ho sentito questo album almeno 15 volte di fila appena è uscito

Stragazers (Nightwish)
Ho scoperto questo tipo di metal grazie ad un’amica un sacco di anni fa, me ne sono innamorato, ma non ho trovato gruppi bravi come loro ancora

Drop Dead Cynical (Amaranthe)
La scoperta più interessante da Guitar Hero Live, complicatissima da suonare, ma di una potenza non da poco

Indestructible (Disturbed)
La mia valvola di sfogo quando sono incazzato come una bestia, la ascolto anche dieci volte di fle a tutto volume in auto

Smooth Criminal (M. Jackson)
Molto vecchia rispetto a tutte le altre, ma già all’epoca M. J. pestava abbastanza (e il video, anche se non al livello di Thriller, è bellissimo)

Enter Sandman (Metallica)
La prima loro canzone che ho sentito, il motivo per cui al mio primo stipendio sono andato in un negozio di dischi e li ho chiesti tutti

Still Waiting (Sum 4)
Loro mi piacciono, sono cattivi, ma allo stesso tempo fanno musica che mi mette di buon umore

In the End (Linkin Park)
La loro miglior canzone di sempre, non li ho abbandonati solo perché dopo la loro derica new-age sono tornati ai vecchi ritmi con il nuovo album

TIll Death Do Us Part (Belladonna)
Una volta mi piacevano un casino, poi hanno fatto la fine dei Linkin Park e sono usciti con un album new-age o qualcosa di simile

Fiesta Pagana (mago de Oz)
Perchè le canzoni che pestano si possono fare anche in lingue diverse dall’inglese (no, in francese no)

Pretty Fly (The Offspring)
Una delle band più irriverenti e divertenti, con una delle loro canzoni simbolo

The Call of Ktulu (Metallica)
Tutta strumentale, lunghissima e bellissima

All The Small Things (Blink 182)
Chiudo con il trittico punk

Burn It To The Ground (Nickelback)
Un po’ commerciale, ma orecchiabile e divertente

Sound Of Madness (Shinedown)
Scoperti per caso, me ne sono innamorato, ho ascoltato questa canzone decine e decine di volte

Riders in the sky (Tom Angelripper)
Strano, particolare e divertente questo hevy metal-western tedesco. Su Spotify non c’è.