Ep. 25: “Cover me” (parte 1)

La maggior parte delle volte fanno schifo.

Le cover.

Andate a parlare con un qualsiasi musicista che abbia mai scritto una propria canzone, e vi dirà che le cover band sono al pari delle erbacce: qualcosa che andrebbe estirpato, ma che continua a ri-crescere, più o meno sempre in mezzo ai coglioni.

È inutile girarci attorno: se esiste un capolavoro, a cercare di riproporlo “facendolo proprio”, spesso e volentieri si sbaglia, e soprattutto si commette peccato, peccato di superbia e di arroganza.

Ma ci sono a volte piccole grandi gioielli, versioni alternative che stravolgono del tutto il senso di una canzone, e al contrario dei remake al cinema, riescono a fornirci una nuova interpretazione, una diversa chiave di lettura, un punto di vista a cui non avevamo mai pensato.

Ed è per questo che abbiamo deciso di dedicare non sono una puntata, bensì due al tema delle cover, soprattutto a quel gruppo di brani che spiccano per originalità e per aver dato un senso nuovo alla canzone da cui sono tratti.

  • Dream Theater – Funeral For A Friend / Love Lies Bleeding [Live – “Uncovered” Version 1995]
  • Nouvelle Vague – Master And Servant
  • Sentenced – White Wedding
  • Disturbed – Shout 2000
  • Paradise Lost – Small Town Boy
  • In Flames – Everything counts
  • The Jeff Healey Band – While My Guitar Gently Weeps
  • Johnny Cash – Personal Jesus
  • Guano Apes – Big In Japan
  • Faith No More – War Pigs
  • Quintorigo – Heroes

Dream Theater: “Funeral For A Friend Love Lies Bleeding”

Nouvelle Vague: “Master And Servant”

3, also known as NV3, is the third album by the French covers band Nouvelle Vague, released 16 June 2009.

As with their previous release, the album consists entirely of cover versions, mostly of post-punk and new wave songs from the 1970s and 1980s.

Four of the tracks are performed as duets, featuring the song’s original vocalist performing alongside one of Nouvelle Vague’s female singers.

a broader range of musical styles compared to their earlier albums; the covers here are inspired by blues and country music in addition to the familiar bossa nova and jazz.

Several of the tracks on 3 are performed as duets, with Nouvelle Vague’s female singers joined by the artists who sang on the original recordings.

The tracks performed as duets are “Master and Servant” (featuring Martin Gore of Depeche Mode),

Sentenced: “White Wedding”

“White Wedding” is a song by Billy Idol that appeared on his album Billy Idol (1982).

It is often considered one of his most recognisable songs, although other Idol songs charted higher.

It reached No.

36 on the Billboard Hot 100 on its original release, and reached No.

6 in the UK Singles Chart upon its re-release there in 1985, when it was reissued to promote the Vital Idol remix album.

Disturbed: “Shout 2000”

Shout è un brano musicale dei Tears for Fears, pubblicato il 19 novembre 1984 come secondo singolo estratto dall’album Songs from the Big Chair, uscito tre mesi dopo (nel febbraio del 1985).

Negli Stati Uniti il singolo raggiunse la vetta della Billboard Hot 100 il 3 agosto 1985, e vi rimase per tre settimane.

Shout diventò uno dei singoli di maggior successo di quell’anno, raggiungendo la top ten anche in molte altre nazioni, tra cui il secondo posto in classifica in Italia.

Cover[modifica | modifica wikitesto]

Il gruppo alternative metal Disturbed ha inserito nel proprio disco d’esordio, The Sickness (2000), e nella ristampa dell’album nel 2010, una cover della canzone con il titolo di Shout 2000.

Paradise Lost: “Small Town Boy”

Smalltown Boy” is a song by the British synthpop group Bronski Beat.

It was released in 1984 and appeared on the band’s debut album The Age of Consent, released in December 1984.

The song is a popular gay anthem and was a big commercial success, reaching number 3 in the band’s native UK.

It was also a number one hit in the Netherlands and Belgium, and hit the top 10 in Australia, Canada, France, Ireland, Italy and Switzerland.

The track reached number 48 in the US pop chart and was a number one US dance hit.

The song was released again in December 2013 after featuring in a Christmas advertising campaign for Boots UK.

Smalltown boy was also re-recorded by Jimmy Somerville and released as Smalltown Boy Reprise (2014) for the 30th anniversary of its initial release.

Song meaning[edit]

The song addresses key issues in 1980s LGBT culture.

It addresses family rejection for being homosexual and homophobia in British society.

It also deals with loneliness and bullying through societal and familial rejection.

Symbol of Life is the ninth studio album recorded by British band Paradise Lost. It marks a departure by the band from their synth-based approach and returning to a much heavier sound, although not abandoning the keyboards altogether. This album was the final release featuring drummer Lee Morris. Two songs which were written and left out for this album are “I Can Hate You” and “Deus” have not been released on any of the reissues of this album, but are on the Digipak version of the single “Erased”. The aforementioned single has a Music video. “Isolate” is also another single.

In Flames: “Everything counts”

“Everything Counts” is a 1983 single by the electronic band Depeche Mode from the album Construction Time Again.

The single was re-released (in live format) on 13 February 1989 (25 March 1989 in the US) to support the live album 101.

Whoracle è il terzo album degli In Flames, pubblicato dalla Nuclear Blast nel 1997 e riproposto nel 2002 in una versione “deluxe” che comprende una serie di contenuti speciali.

Il disco[modifica | modifica wikitesto]

Tutti i brani sono composti e arrangiati dagli In Flames, eccetto Everything Counts, scritta da Martin Lee Gore ed eseguita originariamente dai Depeche Mode. La concettualizzazione dell’album è di Niklas Sundin e Anders Fridén, i testi di Niklas Sundin.

Guano Apes: “Big In Japan”

I Guano Apes sono un gruppo musicale alternative metal tedesco.

La prima formazione sorge nel 1993 a Gottinga, in Germania.

È costituita da Henning Rümenapp alla chitarra, Stefan Ude al basso e Dennis Poschwatta alla batteria.

Manca ancora un/una frontman che possa dare al gruppo reali possibilità di svilupparsi.

Dopo qualche prova insoddisfacente, il trio incontra ad una festa universitaria Sandra Nasic, che ne diventerà la cantante.

The Jeff Healey Band: “While My Guitar Gently Weeps”

While My Guitar Gently Weeps è una celebre ballata rock scritta da George Harrison per i Beatles e contenuta nel loro LP The Beatles (noto anche come White Album o Doppio Bianco) pubblicato nel 1968Origine e storia[modifica | modifica wikitesto]

Esecutori

Lennon cori

chitarra solista

McCartney cori

basso

organo

pianoforte

Harrison voce

chitarra acustica

organo

Starr batteria

percussioni

Clapton chitarra solista

La fonte d’ispirazione del brano venne a Harrison dalla lettura di un libro, l’I Ching.

Disse lo stesso Harrison: «In Oriente ogni cosa è connessa con ogni altra cosa, mentre in Occidente è solo una coincidenza».

Andando con questa idea a casa dei suoi genitori nell’Inghilterra settentrionale, Harrison cominciò a scrivere una canzone partendo dalle prime parole viste in un libro aperto a caso.

Queste parole furono “Gently Weeps” (piange dolcemente); e così iniziò immediatamente a lavorare.

Raccontò poi che le prime stesure della canzone furono modificate, tagliate e cambiate in continuazione.

Musica e arrangiamento[modifica | modifica wikitesto]

Harrison registrò il demo originale con chitarra acustica solista e organo; questa versione contiene una strofa in più di quella ufficiale, e può essere ascoltata nell’album Anthology 3.

Una versione riarrangiata, con archi scritti da George Martin, è nella raccolta LOVE.

Eric Clapton, buon amico di George Harrison, suonò l’assolo di chitarra nella versione ufficiale con una Gibson Les Paul, mentre al Concert for Bangladesh eseguì l’assolo su una Gibson Byrdland.

Registrazione[modifica | modifica wikitesto]

La canzone fu però registrata dagli altri membri del gruppo con poco interesse.

La band ri-registrò il brano più volte, anche con nastri di chitarra al contrario, ma il progetto fallì.

Deluso, ma non arreso, Harrison invitò Eric Clapton a passare la giornata in studio con lui nonostante i dubbi di quest’ultimo, perché nessuno aveva mai suonato prima in una canzone dei Beatles; ma alla fine accettò.

L’inclusione di Clapton fu un sollievo per la band che attraversava un momento di tensione.

Canadian guitarist Jeff Healey covered “While My Guitar Gently Weeps” on his 1990 album Hell to Pay. Harrison participated in the recording, contributing on acoustic guitar and backing vocals.[28] Also issued as a single, Healey’s version peaked at number 27 in Canada,[29] number 85 in the UK[30] and number 25 in New Zealand.[31]

Metallica: “Am I Evil”

“Am I Evil?” is a song by British heavy metal band Diamond Head released on their 1980 debut album Lightning to the Nations.

The song was written by vocalist Sean Harris and guitarist Brian Tatler and released on Happy Face Records, the band’s own label.

The song was immediately popular among the metal circles in the United Kingdom around the time of its release, but only rose to international prominence after Metallica covered as a B-side on their “Creeping Death” single in 1984; the cover was re-released on their 1998 covers album Garage Inc.

The song was influenced by the Black Sabbath song “Symptom of the Universe.”

Release and reception[edit]

The song was originally released on Diamond Head’s 1980 debut, Lightning to the Nations, but then also re-recorded for their second album Borrowed Time.

It remains a live favourite and is still included in the band’s setlist to this day.

However, Sean Harris has gotten fed up with continually playing “Am I Evil?”, one of the reasons he took the stage dressed as the Grim Reaper during their performance at the National Bowl.

The song has roots with Gustav Holst’s “Mars, the Bringer of War” (from The Planets Suite) and used a riff, that was used earlier on “Ring of Fire” by The Eric Burdon Band in 1974.

Cover versions[edit]

“Am I Evil?”

Song by Metallica

from the album “Creeping Death” (single), Kill ‘Em All (re-release) and Garage Inc.

Released 1984

Recorded 20 February – 14 March 1984 at Sweet Silence Studios, Copenhagen, Denmark

Length 7:50

Label Megaforce, Elektra

Songwriter(s) Sean Harris, Brian Tatler

Producer(s) Metallica, Flemming Rasmussen

Audio sample

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“Am i Evil”

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The song was made most famous by Metallica’s cover of the song, found on the 1988 re-release and the Japanese version of its debut album Kill ‘Em All (the original version of the album lacks the inclusion of the cover), though the cover was originally released as a b-side to the “Creeping Death” single in 1984, and was later released on Garage Inc.

in 1998.

The song has also been featured in Metallica’s live set throughout its career, often in a faster and heavier version.

Hetfield also changed the final chorus from “Am I evil? Yes, I am” to “Am I evil? Yes, I fucking am!” Diamond Head has stated that the band’s members are flattered by the cover, and that the royalties from it have enabled the band to continue.

Faith No More has also covered the song.

Stary Olsa “One”

Stary Olsa (Belarusian: Стары Ольса) is a Belarusian medieval folk band, that plays medieval Belarusian music of the Grand Duchy of Lithuania.

Stary Olsa is one of the few Belarusian bands enjoying popularity outside Belarus.

The band has received numerous positive critical reviews.

They are also known for covering modern rock tracks using their medieval instruments, and released a cover album, via a Kickstarter campaign, in 2016.

The band was founded in 1999 by Źmicier Sasnoŭski.

The name Stary Olsa means “Old Olsa”, where Olsa is a left tributary of Berezina in Mogilev Oblast, Belarus.

Faith No More: “War Pigs”

The Real Thing è il terzo album in studio del gruppo musicale statunitense dei Faith No More, pubblicato nel 1989 dalla Slash Records.

È anche il primo album che annovera nella formazione il cantante Mike Patton.

Grazie anche alle capacità vocali del nuovo cantante, in questo album i Faith No More aumentano la miscela di generi, combinando tra loro elementi tipici dell’heavy metal, del funk, dell’hard rock, dell’hardcore punk, del soul e del rap.

I suoi singoli più noti sono Epic, una delle più celebri canzoni rap metal, e Falling to Pieces.

Nell’album trovano posto anche la cover del pezzo contro la guerra War Pigs dei Black Sabbath, e Edge of the World, una ballata che parla di un pedofilo.

“War Pigs” is a song by English heavy metal band Black Sabbath. It is the opening track from their 1970 album Paranoid.

While Butler has said that “War Pigs” is “totally against the Vietnam War, about how these rich politicians and rich people start all the wars for their benefit and get all the poor people to die for them”,[7] vocalist Osbourne has stated that the group “knew nothing about Vietnam. It’s just an anti-war song.”[8] The song’s instrumental outro is entitled “Luke’s Wall”.[9]

Johnny Cash: “Personal Jesus”

Nel 2002 l’artista country Johnny Cash registrò una reinterpretazione di Personal Jesus per il suo album American IV: The Man Comes Around.

Il produttore Rick Rubin chiese al chitarrista dei Red Hot Chili Peppers John Frusciante di riarrangiare una versione acustica del brano di Martin Gore, costituito da un semplice riff di chitarra acustica che rende la canzone uno scheletrico blues.

Frusciante suonò la chitarra nella traccia, insieme al chitarrista dei Tom Petty & The Heartbreakers Mike Campbell.

La versione di Cash venne pubblicata su singolo nel marzo 2003 come B-side di un’altra cover, Hurt dei Nine Inch Nails.

Quintorigo: “Heroes”

I Quintorigo sono un gruppo musicale italiano attivo dal 1992 e originario della Romagna.

Il gruppo propone un originale mélange di suoni e generi musicali: musica classica, rock, jazz, punk, reggae, funky, blues, in un continuo gioco tra musica e voce nei quali gli esecutori dimostrano versatilità ed elevate competenze e capacità musicali.

All’originale risultato finale concorrono archi e sax, usati in maniera decisa e allo stesso tempo melodica, uniti alla voce che spazia sulle più diverse timbriche.

Storia del gruppo

I Quintorigo si formano nel 1996.

Fin dall’inizio la loro musica, fortemente sperimentale, fonde jazz, classica, rock e pop.

Il gruppo inizia la propria attività proponendo dal vivo un repertorio fatto di cover di artisti di diversa estrazione musicale (Miles Davis, Jimi Hendrix, Nirvana).

Il primo disco (autoprodotto) è l’album promozionale Dietro le quinte (1998).

Nel 1998 si classificano primi all’Accademia della Canzone di Sanremo: è il prologo alla loro partecipazione al Festival di Sanremo 1999, durante il quale si fanno conoscere al grande pubblico con Rospo.

Al festival della canzone italiana si aggiudicano il Premio della Critica nella sezione “Giovani” e quello della Giuria di qualità.

Lo stesso anno grazie a Rospo vincono il Premio Tenco per la miglior opera prima.

Nella cerimonia di premiazione suonano con Franco Battiato rivisitando il suo brano L’animale.

Il 1º maggio 1999 partecipano al Concerto del Primo Maggio, in Piazza San Giovanni, a Roma, suonando alcuni brani del loro album Rospo.

Nel settembre 2000 pubblicano Grigio, che conferma come il gruppo sia bravo ad affrontare diversi generi (sono presenti la cover di Highway Star dei Deep Purple e degli omaggi a Paolo Conte).

Si presentano nuovamente a Sanremo nell’edizione del Sanremo nel 2001, con Bentivoglio Angelina (inserita nella ristampa di Grigio).

Con questo brano ottengono il Premio della Giuria di qualità per il “miglior arrangiamento”.

Tra il 2001 e il 2002 si esibiscono dal vivo in una serie di concerti e partecipando a diversi festival, tra cui il Brand: new Tour, gli Italian Music Award (con Carmen Consoli), e al Concerto del Primo Maggio 2001.

Realizzano anche la colonna sonora del film La forza del passato (2002), diretto da Piergiorgio Gay.

Alla fine del 2002 il gruppo rientra in studio a Rimini per registrare In cattività (marzo 2003), nel quale si accostano anche alla musica elettronica.

Tra gli ospiti del disco vi sono Ivano Fossati e un’orchestra di 60 elementi, l’Orchestra Sinfonica “Mihail Jora” di Bacau (Romania) e la Banda di Massamalata (che partecipa al brano U.S.A. e getta).

Dopo due anni di pausa, nel 2005, a seguito di divergenze artistiche e personali, John De Leo (voce) si separa dal gruppo.

Da qui il gruppo si dedica ad un progetto su Charles Mingus (Quintorigo Play Mingus) con la voce femminile della cantante bolognese Luisa Cottifogli (già collaboratrice di Ivano Fossati e Lucio Dalla e interprete di lirica, teatro e jazz).

Nel 2006 con la nuova cantante viene pubblicato l’album Il cannone, che dà l’avvio ad un nuovo percorso dal lato onirico e introverso rispetto al passato.

Fra le altre collaborazioni del gruppo, oltre a quelle già citate, vi sono quelle con Roberto Gatto, Enrico Rava e Antonello Salis.

Sul finire del 2009 Luisa Cottifogli lascia il gruppo ed il progetto live dedicato a Mingus acquista spessore con l’entrata in scena di Maria Pia De Vito (vincitrice del Top Jazz 2009)

Dal 2008 inizia la collaborazione con il cantante Luca Sapio, con il quale il gruppo nel 2011 pubblica l’album English Garden interamente cantato in inglese, con la partecipazione dell’attrice e cantante statunitense Juliette Lewis.

Nel giugno 2012 partono con una nuova tournée ed un nuovo progetto dedicato a Jimi Hendrix.

Il nuovo cantante che li accompagna dal vivo è Moris Pradella (che collabora anche con il cantante italiano Mario Biondi, nel ruolo di corista).

Il 27 novembre 2012, per il settantesimo anniversario della nascita di Jimi Hendrix, è stato pubblicato il nuovo disco che si intitola Quintorigo Experience per l’etichetta Métro/Self.

A questo album partecipano, tra gli altri, i cantanti Moris Pradella, Eric Mingus e Vincenzo Vasi (impegnato anche al theremin), oltre che i musicisti Antonio Bianchi e Michele Francesconi.

Il 12 luglio 2013, nel corso dell’Experience Tour si avvalgono della collaborazione, nella loro performance live presso la Corte degli Agostiniani a Rimini, del trombettista jazz Paolo Fresu.

Il 24 ottobre 2013 aprono, presso il Kulturni Dom di Gorizia, la 16ª edizione del Festival “Jazz&Wine of Peace 2013”, presentando al pubblico goriziano il loro ormai consolidato progetto su Jimi Hendrix.

Il 1º maggio 2014, al Teatro Diego Fabbri di Forlì, fanno registrare il tutto esaurito, in occasione dello spettacolo “Trilogy”, realizzato con il batterista Roberto Gatto, l’Italian Jazz Orchestra e l’orchestra “Maderna”, con musiche di Frank Zappa, Jimi Hendrix e Charles Mingus.

La direzione musicale è affidata a Fabio Petretti.

Vantano tre partecipazioni ad Umbria Jazz: nel 2010, nell’edizione invernale di Orvieto, presentando Play Mingus accompagnati da Maria Pia De Vito, nel 2012, con Quintorigo Experience, sempre a Orvieto (avvalendosi, peraltro, della partecipazione del cantante statunitense Eric Mingus), e nel 2013, ancora con quest’ultimo, ma nella kermesse estiva, al fianco dei grandi nomi del jazz mondiale, a Perugia.

A maggio 2015, esce il loro lavoro discografico dedicato a Frank Zappa (Around Zappa), nato dalla collaborazione con il batterista Roberto Gatto, dove si ritrova ancora una volta come vocalist Moris Pradella, da considerarsi ormai membro stabile del gruppo.

Per il 2016, è annunciata l’uscita di un nuovo album di inediti, sempre con la collaborazione di Roberto Gatto e Moris Pradella.

Ep. 24, “Taxi Driver (feat. Lae)”

Vi portiamo in giro a scoprire gli angoli della città della musica.

Con Laerte Ungaro!

  • Van Halen – Hot For Teacher – 2015 Remastered Version
  • Joe Satriani – Satch Boogie
  • Steve Vai – Tender Surrender
  • Yngwie Malmsteen – Far Beyond The Sun
  • John 5 – Heretic’s Fork
  • Alter Bridge – Blackbird
  • Tremonti – Providence
  • Butcher Babies – Monsters Ball
  • Destrage – My Green Neighbour
  • Pantera – 5 Minutes Alone – Remastered
  • Queen – A Kind Of Magic – Remastered 2011
  • Santana;Chris Cornell – Whole Lotta Love
  • Love Frame – Escape

Taxi Driver – Virtuoso Night e Non Solo!

0 – Jimi Hendrix – Due parole su colui che è stato il più influente chitarrista della storia.

Tre dischi tra il 1967 e il 1970 che hanno fatto scuola (quello postumo non è preso in considerazione perchè dubito che fosse pensato per essere un disco).

1 – Eddie Van Halen – Hot For The Teacher

Dopo Hendrix viene lui. La tecnica sviluppata da Eddie è stata fondamentale per tutti i chitarristi virtuosi moderni: il tapping! Varie storie su come ha iniziato insieme al fratello Alex. Famosa quella degli MM’s. Americo/Olandese

2 – Joe Satriani – Satch Boogie

Il Maestro dei maestri: ha insegnato a Steve vai e Kirk Hammett dei Metallica. Se Hendrix fosse stato vivo si sarebbe chiamato Joe Satriani. Fondatore del G3! Contenzioso famoso con i Coldplay con un suo pezzo del 2004 If I Could Fly, copiata dalla band inglese e diventata poi Viva la Vida del 2008. Italo/Americano/Armeno

3 – Steve Vai – Tender Surrender

Allievo di Satriani ma ancora di più di un certo Frank Zappa. Sviluppa una tecnica tutta sua, non propriamente Rock, ma più sperimentale. Se Bad è il disco cantato più venduto della storia, il Suo Passion e Warefare del 1990 è il disco strumentale più venduto al mondo. Italo/Americano

4 – John Petrucci  – Lost Without You

Il Chitarrista dei Dream Theater! Aver passato una vita per saper suonare come quest’uomo non sarebbe stata una vita sprecata! Il suono più bello mai sentito dal vivo, una tecnica mostruosa, alcuni lo reputano freddo (Stronzate! E adesso ve ne do la prova) non tutti sanno però che il buon John nel lontano 2005/2006 ha pubblicato un disco solista che non è presente su spotify: Suspended Animation! Italo/Americano

5 – Yngwie Malmsteen – Far Beoynd The Sun

L’uomo virtuoso per eccellenza! Riprende lo stile neoclassico e lo trasporta a velocità impressionanti, con un pulizia pazzesca visto anche il fatto che non essendo un fuscello le mani volano sulla tastiera. Si dice che la sua velocità sia da attribuire ad un incidente avuto con una delle sue Ferrari, in cui rimase ferito ad una mano, da allora la sua velocità pare essere aumentata. (un suo fan è Michael Romeo dei Symphony X) Svedese

6 – John 5 – Heretic’s Fork

Un altro virtuoso sullo stile di Malmsteen ma con diverse inclinazioni è il Chitarrista storico di Marilyn Manson e Rob Zombie. Molto sottovalutato. Scoperto grazie a mio fratello grande fan di Manson. Durante un concerto ha fatto un solo e da li mi sono interessato ai suoi lavori solisti! Una precisione assurda. Americano

7 – Myles Kennedy – Blackbird

Il Cantante degli Alter Bridge e di Slash. Grandissimo chitarrista Blues, gran cuore. Sembra incredibile ma l’assolo più bello della storia votato da Rolling Stone è suo!

Americano

8 – Mark Tremonti – Providence

Il Chitarrista degli Alter Bridge. Non tutti sanno che da poco ha messo su un progetto solista in cui oltre a suonare la chitarra, Canta…e pure bene! La canzone scelta è per la ritmica dello special, non per il solo, ma per la composizione. Italo/Americano

9 –  Henry Flury – Monsters Ball

Il Chitarrista dei Butcher Babies. Per molti sono sconosciuti, ma sicuramente avrete visto due ex conigliette di playboy, Heidi Sheperd e Carla Harvey, fare le rockettare su qualche parte in giro per gli States o anche in qualche festival europeo (Due gnocche mostruose, ovvio) ma questo chitarrista a tecnica sta messo altrettanto bene. Ritmica da paura. Americano.

10 – Destrage – My Green Neighbour

Italianissimi. Tecnicissimi. Pazzi fino al midollo. Tre dischi. Ora sono in giro per l’Europa di supporto ai Periphery. Ralph e Teo Fanno i numeri alle chitarre ma su tutti c’è il batterista: Federico Paulovich.

11 – Pantera – 5 Minutes Alone

La mia adolescenza. Un pezzo di cuore ormai scomparso: Dimebag Darrell. Ho sempre sperato in una reunion ma purtroppo non potrà più avvenire. Avevo un poster meraviglioso in camera proprio sulla testa del letto. Qui c’è tutto quello che si può chiedere da una band metal. Tutto. Americani

12 – Brian May – A Kind Of Magic

Il Chitarrista dei Queen. La prima band che ho amato. Colpa di mio padre che a 8 anni mi fece ascoltare Innuendo. La cosa che si può imparare da un chitarrista come May è come mettersi al servizio della canzone. Non è un virtuoso, ma lo riconosci tra 1000. Inglese.

13 – Carlos Santana – Whola Lotta Love

Il più riconoscibile tra i chitarristi. Se May è stato colpa di mio padre, Santana è invece di mia madre che voleva che suonassi sempre Samba pa ti. Qui ho scelto una cover proprio per farvi capire che nonostante sia un pezzo dei Led Zeppelin, Santana è sempre lui.

Omaggio anche al recentemente scomparso Chris Cornell. Messicano.

Ep. 23, “Tres Muchachos”

Fin dall’alba dei tempi l’umanità ha costruito strumenti per elevarsi dal livello animale ed assurgere a quello divino.

Cosa c’è di più eterno e divino della musica?

Probabilmente nulla, dato che la caducità della vita non permette all’uomo di eternizzarsi al di fuori delle proprie opere.

Stasera ascolterete qualcosa che punta a durare nel tempo, una celebrazione dell’amicizia attraverso la musica con due ospiti speciali: direttamente da “Questa trasmissione non ha un nome” e “DDOS Muchachos”… Ceso e Guso!

  • Wolfgang Amadeus Mozart;Fabrizio Meloni;Artkronos;Ezio Rojatti – Clarinet Concerto In A, K.622: 3. Rondo (Allegro)
  • Dmitri Shostakovich;Oleh Krysa;Ukraine National Symphony Orchestra;Theodore Kuchar – Violin Concerto No. 1 in A Minor, Op. 77: III. Passacaglia: Andante
  • Frank Zappa – The Dog Breath Variations – Live / Helsinki, Finland / 1974
  • Frank Zappa – Uncle Meat – Live / Helsinki, Finland / 1974
  • Elio E Le Storie Tese – Plafone
  • Caparezza – L’Età Dei Figuranti
  • Muse – Micro Cuts – HAARP [Live From Wembley Stadium]
  • Michael Giacchino – Team Building
  • Goblin – La Danza – Il Fatastico Viaggio Del ‘Bagarozzo’ Mark – 1978
  • System Of A Down – Needles
  • Opeth – The Leper Affinity
  • Metallica – Metal Militia – Remastered
  • Rush – Freewill

Ep. 22, “Sogno Tecnologico Bolscevico”

Dalla Madre di tutte le Russie fino all’imperialismo americano, passando per il post-socialismo (reale) fino alla minaccia dei figli di Putin.

Una puntata atipica, corta, ristretta, desolata e desolante, di quando c’erano i Nanni Moretti ad implorare D’Alema di dire qualcosa; possibilmente qualcosa di sinistra.

Quando c’era la Sinistra e c’era anche la Destra, ed era anche più facile distinguerle, forse perché c’erano anche meno scie chimiche e più vaccini.

MDB Summah Radio dedica una puntata particolare anche nel font ad un periodo che è passato, o che fose nemmeno c’è mai stato; e per l’occasione il conduttore si metterà una maglietta rossa che sembrerà uscito dalle pagine del manifesto di Marx e si farà chiamare Il CapitAlex.

No, perché poi pensate che siamo anche delle persone serie, non si sa mai…

Basil Poledouris – Hymn To Red October (Main Title)
C.S.I. – Unita’ Di Produzione
System Of A Down – Sugar
Franco Battiato – Prospettiva Nevski – 2004 Digital Remaster
Rammstein – AMERIKA
Giorgio Gaber – Le mani
Sepultura – Refuse / Resist
Sting – Russians
Sigue Sigue Sputnik – Love Missile F1-11
Skunk Anansie – Little Baby Swastika
Gorky Park – Bang
Franco Battiato;Alice – I treni di Tozeur – 2005 Digital Remaster
Banda Bassotti;99 Posse;Luca OZulù – Rigurgito Antifascista (feat. Luca OZulù)
Alexander Alexandrov;Les Chœurs de l’Armée Rouge;Victor Eliseev – National Anthem Of The Russian Federation
Bring Me The Horizon – Shadow Moses
C.S.I. – Linea Gotica

Basil Poledouris  “Hymn To Red October (Main Title)”

Basilis Konstantine Poledouris[Greco: Βασίλης Πολεδούρης] (Kansas City, 21 agosto 1945 – 8 novembre 2006) è stato un compositore statunitense, di origini greche.

Le sue musiche da film sono influenzate dalla sua ammirazione per il compositore Miklós Rózsa e dal retaggio della sua formazione religiosa greco-ortodossa.

Poledouris fu educato in chiesa, ed era solito assistere alle funzioni, rapito dal suono del coro.

All’età di 7 anni iniziò le lezioni di piano e infine si iscrisse alla University of Southern California per studiare cinema e musica.

Diversi cortometraggi ai quali ha contribuito sono ancora presenti negli archivi dell’università.

Alla USC incontrò i registi John Milius e Randal Kleiser, con entrambi i quali avrebbe collaborato in futuro.

Nel 1985 musicò L’amore e il sangue per il regista Paul Verhoeven, stabilendo un’altra collaborazione duratura.

Il possesso di uno stile imponente e alquanto epico gli consente di produrre musica per un preciso genere di film dove l’azione è preminente.

I maggiori esempi di questa produzione si possono trovare in Conan il barbaro del 1982, Conan il distruttore del 1984, Alba rossa del 1984, RoboCop del 1987, Caccia a Ottobre Rosso del 1990, Free Willy – Un amico da salvare del 1993, Starship troopers del 1997 e Gioco d’amore 1999.

Il suo studio è stato il “Blowtorch Flats”, che si trova a Venice, California ed è un’industria di mixaggio professionale specializzata nella produzione di film.

Poledouris sposò sua moglie Bobbie nel 1969 e ebbe due figlie, Zoë ed Alexis.

La maggiore delle due, Zoë Poledouris, è attrice e compositrice e ha occasionalmente collaborato col padre nella realizzazione di colonne sonore da film.

Nel 1996, per la Cerimonia di Apertura dei Giochi Olimpici di Atlanta, compose il brano “The Tradition of the Games”, che accompagnò il memorabile tributo danzante a Dei ed atleti delle Olimpiadi dell’antichità utilizzando immagini stilizzate.

Passò gli ultimi quattro anni della sua vita a Vashon Island, nello stato di Washington, e morì l’8 novembre 2006 a Los Angeles, California, all’età di 61 anni, per le complicazioni di un cancro.

C.S.I.  “Unita’ Di Produzione”

« Tabula Rasa Elettrificata è un disco dedicato alla Mongolia.

Non è un disco esotico, ancor meno etnologico o popolaresco.

Forse è l’unico disco rock nella storia dei CCCP/CSI »

(Giovanni Lindo Ferretti)

Tabula Rasa Elettrificata è il terzo album in studio del Consorzio Suonatori Indipendenti, pubblicato nel 1997.

Viene spesso abbreviato con l’acronimo T.

R.

E.

, che rimanda oltretutto alla sua cronologia discografica (è il terzo album dei CSI, dopo Ko de mondo e Linea Gotica).

« Un disco eccezionale.

Ritengo che tutti i brani siano molto interessanti, ma soprattutto Brace, Tabula Rasa Elettrificata e Forma E Sostanza.

In Bolormaa c’è una frase stupenda: “Monito terrorista che la retta è per chi ha fretta”, ed anche Matrilineare con il suo innesto di voci è un brano che mi ha colpito.

Tabula Rasa Elettrificata è un disco, per usare una sintesi, apocalittico.

Facendo però attenzione all’utilizzo di questa parola con il suo significato originale di rivelazione.

Un disco che appartiene ad una concezione esistenziale nordica, con una idea di rivoluzione non nella sua accezione distruttiva.

Un disco rivoluzionario.

»

(Franco Battiato)

A sorpresa, considerata la natura di “cult band” del gruppo, è stato per una settimana l’album più venduto in Italia arrivando a vendere oltre 100.

000 copie in poco tempo, 50.

000 nella sola prima settimana di vendita.

Il disco prende ispirazione da un viaggio in Mongolia di Giovanni Lindo Ferretti e Massimo Zamboni, intrapreso attraverso la Transiberiana e dal quale è stato tratto anche un libro: In Mongolia in retromarcia.

Da quel viaggio è stato tratto anche un film di Davide Ferrario, Sul 45º parallelo e una serie di documentari per Geo & Geo (Rai 3) con la regia di Marco Preti.

Da Firenze, il 3 febbraio 1998, partirà un tour di 53 concerti (il M’Importa Nasega Tour) che otterrà ovunque il tutto esaurito.

I CSI decideranno in seguito di andare a suonare anche nella ex Iugoslavia tenendo dei concerti a Mostar e a Banja Luka, città duramente colpite durante la Guerra in Bosnia-Erzegovina.

System Of A Down “Sugar”

“Sugar” is a song by Armenian American metal band System of a Down.

It was released as a single and EP in May 1999 and was taken from their album System of a Down (1998).

“Sugar” is one of System of a Down’s first songs, having initially appeared on their first official demo tape.

This song has been played at most System of a Down concerts, and the concerts mostly end with this song.

The song was used in certain World Wrestling Federation (WWF) promos during 1999-2000 and is featured in the game Madden NFL 2010.

Music video[edit]

The music video for “Sugar” shows the band playing on a stage, with an American flag intercut with images of public violence, hangings from the Holocaust, armies, footage of the Upshot-Knothole Grable nuclear test and footage from the German film Metropolis.

The video begins with a reenactment from the movie Network of a news reporter saying:

“Good evening, I’m Eric Alost [America Lost].

NATO forces bomb Serbia and Kosovo.

An unidentified man is being held for questioning by the FBI for suspected links to last month’s biological virus deaths.

In local news, a dog named Hero takes the grand prize at the annual- I wish I could tell you more pertinent news, but we’re in a rating system here, and the key factor is ‘sensationalism’.

They’ve got you running in circles, 9 to 5, *static, then TV image resets* and 5 to 9.

.

.

you’re mine! I tell you what they want you to know, and you consider it the truth.

Nobody is opening their eyes! Our global economy is depleting the world of our lives and natural resources! AND ARE YOU HAPPY?! COME ON! I WORK FOR THE SYSTEM!”

It then cuts to the band.

Tankian and Malakian are seen with their faces painted throughout the entire video, drummer John Dolmayan is seen, though very briefly, wearing a gas mask, and bassist Odadjian is seen with his beard braided and face paint also.

Due to the controversial nature of the video, it received little airplay.

[where?] Channels such as Kerrang!TV were restricted to showing the video after the 10pm watershed.

Franco Battiato  “Prospettiva Nevski”

È il primo timido successo commerciale di Battiato: originariamente si doveva intitolare “I telegrafi del martedì grasso”.

In classifica si piazza al trentesimo posto e rimane fra i primi cinquanta per quattro mesi.

I brani Up Patriots to Arms e Prospettiva Nevski (ispirato all’omonima strada di San Pietroburgo) diverranno col tempo suoi grandi classici.

Arabian song è il primo brano della sua carriera nel quale il cantautore siciliano si cimenta nel canto in lingua araba.

Numerose anche le citazioni “letterarie” che si riferiscono a poeti italiani (fra cui Leopardi, Pascoli e Carducci) nel brano Frammenti.

Nel brano Passaggi a livello, tra la seconda e la terza strofa, è presente una citazione in francese tratta dal volume III dell’opera Alla ricerca del tempo perduto di Marcel Proust: “La musique, bien différente en cela de la société d’Albertine, m’aidait à descendre en moi-même, à y découvrir du nouveau: la variété que j’avais en vain cherchée dans la vie, dans le voyage [.

All’inizio di Up Patriots To Arms si ascolta un breve parlato in arabo, di fonte incerta, il cui significato è traducibile con: “Ogni giorno guardiamo le cose insignificanti, guardo tutto e tutto il mondo che vive di speranza, e non vivo…”

Rammstein “AMERIKA”

Amerika è un singolo dei Rammstein, estratto dall’album Reise, Reise.

La canzone in inglese è una satirizzazione, oltre della globalizzazione, anche del dominio dell’America nel mondo.

I Rammstein “elogiano” sarcasticamente gli americani, ma poi affermano «this is not a love song, I don’t sing my mother tongue» ovvero «questa non è una canzone d’amore, io non canto nella mia lingua madre».

(EN)

« We’re all living in Amerika,

Amerika ist wunderbar,

we’re all living in Amerika,

Amerika, Amerika »

(IT)

« Tutti noi viviamo in America,

l’America è meravigliosa,

tutti noi viviamo in America,

America, America »

Il ritornello della canzone.

(DE)

« Wir bilden einen lieben Reigen,

Die Freiheit spielt auf allen Geigen,

Musik kommt aus dem weißen Haus,

Und vor Paris steht Mickey Maus »

(IT)

« Formiamo un bel girotondo,

la libertà suona su tutti i violini,

la musica viene dalla Casa Bianca,

e davanti a Parigi c’è Topolino »

Video[modifica | modifica wikitesto]

Il video mostra i membri della band vestiti da astronauti, come parodia dello sbarco sulla Luna del 1969.

Nel video sono fatti riferimenti alla globalizzazione, come al cinese vestito da “americanizzato”, e a Babbo Natale che offre Coca-Cola a dei bambini africani.

La parte finale del video ipotizza che lo sbarco sulla luna sia stato una finzione.

Il cantante Till Lindemann indossa una tuta spaziale con impresso il nome Armstrong, una chiara citazione all’astronauta Neil Armstrong.

Giorgio Gaber  “Le mani”

Anche per oggi non si vola è un album di Giorgio Gaber pubblicato nel 1974.

Il disco[modifica | modifica wikitesto]

Raccoglie le canzoni e i monologhi dell’omonimo spettacolo di teatro canzone scritto da Gaber e Sandro Luporini, registrate al Teatro Lirico di Milano il 9 ottobre 1974.

I tecnici di registrazione sono Mario Carulli e Plinio Chiesa; in copertina vi è un’acquaforte di Luporini.

L’album è stato ripubblicato in CD, sempre doppio, in più edizioni.

Nel 2003 è stato ristampato dalla Carosello, in serie con gli altri album, sotto la sigla “Gaber a teatro”.

I brani L’elastico, Il Narciso, La nave, e Chiedo scusa se parlo di Maria erano già comparsi nell’album dell’anno precedente, Far finta di essere sani, registrati in studio.

Gli arrangiamenti, come di consueto, sono di Giorgio Casellato.

Giorgio Gaber

« La libertà non è star sopra un albero, / non è neanche il volo di un moscone, / la libertà non è uno spazio libero, / libertà è partecipazione.

»

(Giorgio Gaber, La libertà)

Giorgio Gaber, nome d’arte di Giorgio Gaberščik (Milano, 25 gennaio 1939 – Montemagno di Camaiore, 1º gennaio 2003), è stato un cantautore, commediografo, regista teatrale e attore teatrale e cinematografico italiano tra i più influenti dello spettacolo e della musica italiana del secondo dopoguerra.

Affettuosamente chiamato “Il Signor G” dai suoi estimatori, è stato anche un chitarrista di valore, tra i primi interpreti del rock and roll italiano (tra il 1958 e il 1960).

Molto apprezzate sono state anche le sue performance come autore ed attore teatrale; è stato iniziatore, assieme al suo collaboratore Sandro Luporini, del “genere” del teatro canzone.

Tra le varie dediche, nel 2004, a Giorgio Gaber viene intitolato il rinnovato auditorium sotterraneo del Grattacielo Pirelli di Milano.

Per Gaber.

.

.

io ci sono è il titolo del triplo cd evento uscito il 13 novembre 2012, a quasi dieci anni dalla morte del grande cantautore milanese, con cinquanta artisti che hanno reinterpretato i suoi brani.

È uno tra gli artisti con il maggior numero di riconoscimenti da parte del Club Tenco, con due Targhe ed un Premio Tenco.

Sepultura “Refuse Resist”

Refuse/Resist is Sepultura’s fourth single, released in 1994.

The title song, also included as a single off the album Chaos A.

D.

, is one of the band’s best-known songs and remains a concert staple to this day.

A music video was filmed for the single which features the band playing live at a festival intercut with footage of rioting and general unrest.

This video can be found on the VHS Third World Chaos, which was later released on DVD as part of the Chaos DVD.

The intro to the song is the heartbeat of Max Cavalera’s then-unborn first son Zyon.

This song is also notable for having a 20-second growl at the end.

“Refuse/Resist” also appears in live form on the band’s live releases Under a Pale Grey Sky and Live in São Paulo.

The cover of the single depicts a Korean man jumping at a police barricade holding a petrol bomb, while the interior features the famous image of the anonymous Chinese man who stood in front of several tanks, blocking their path.

The reverse of the sleeve shows the band playing live.

The spine of the CD release does not feature the band name or the name of the single, but rather is blank purple.

Releases[edit]

The single was released in several forms.

Two CD versions exist: one 3-track maxi-single and a seven-track EP, details of which are listed below.

Both come in foldout card digipak cases.

Early limited pressings were embossed with the Sepultura thorned ‘S’ logo.

In addition, the single was also released on cassette tape with the same B-sides as the maxi single.

The single also saw two vinyl releases, both limited editions.

The 7″ version was pressed on 7″ vinyl with “Inhuman Nature” as the B-side, while the 12″ version was pressed on black vinyl but had a die-cut sleeve which was made to look like it had been riddled with bullet holes.

Sting “Russians”

Russians è un singolo tratto dal primo album solista di Sting, The Dream of the Blue Turtles, pubblicato nel giugno del 1985.

Il singolo è stato messo in commercio nel novembre dello stesso, ottenendo dunque un notevole riscontro di pubblico che permise allo stesso album di riportarsi ai primi posti per l’intera stagione primaverile.

Analoga sorte ottenne in Italia, anche in virtù della partecipazione di Sting come ospite speciale al Festival di Sanremo 1986.

La canzone rappresenta una dichiarazione d’intenti contro l’allora dominante politica estera della guerra fredda e della dottrina della Distruzione mutua assicurata tra Stati Uniti e Russia.

La musica, nei versi, riprende un tema di Sergej Sergeevič Prokof’ev (Lieutenant Kije Suite, Op.

60).

Un ticchettìo di orologio, quasi a ricordare la precarietà del tempo, introduce una melodia sontuosa, accompagnata da una partitura orchestrale.

La canzone è stata accompagnata da un suggestivo video musicale in bianco e nero diretto dal fotografo Anton Corbijn.

Il brano è apparso in alcuni promo della seconda stagione della serie televisiva The Americans, che ha come scenario proprio quello della guerra fredda.

Significato[modifica | modifica wikitesto]

La canzone si focalizza particolarmente sul conflitto che ha dato vita alla guerra fredda tra Stati Uniti d’America ed Unione Sovietica.

Il testo non si schiera da nessuna delle due parti (“there’s no monopoly on common sense / On either side of the political fence” – “non c’è monopolio sul buon senso / da entrambi i lati della barricata politica”) ma descrive i pensieri dei cittadini comuni diSi nentrambe le superpotenze e la loro divergenza politica su quanto stava accadendo (“there’s no such thing as a winnable war / It’s a lie we don’t believe anymore” – “non c’è nessuna cosa come una guerra da vincere / è una bugia a cui non crediamo più”).

Sting cita e prende le distanze sia dal presidente statunitense Ronald Reagan che dal premier sovietico Michail Gorbačëv.

Il cantante spera quindi che “Russians love their children too” (“anche i russi amino i loro bambini”) dal momento che ciò sarebbe a quanto pare l’unica cosa che potrebbe salvare il mondo da un’eventuale cancellazione ad opera delle armi nucleari (che Sting definisce “Oppenheimer’s deadly toy” – “il giocattolo mortale di Oppenheimer”).

Storicamente, la guerra fredda si trovava nei suoi anni finali ai tempi in cui venne composta Russians, quando Michail Gorbačëv divenne Segretario generale del PCUS nel marzo del 1985, e nel 1989 Gorbačëv e il successore di Reagan, il presidente George H.

W.

Bush, decretarono la fine della guerra fredda al summit di Malta, con la conseguente dissoluzione dell’Unione Sovietica avvenuta due anni dopo.

Origine e storia[modifica | modifica wikitesto]

In un’intervista del 2010, Sting ha ammesso di aver trovato l’ispirazione per comporre la canzone dopo aver dato un’occhiata alla TV sovietica:

« Avevo un amico all’università che trovò il modo di rubare il segnale del satellite da un’emittente televisiva russa.

Avevamo un paio di birre e salimmo su questa piccola scala per guardare la televisione russa.

.

.

Nella fascia serale avevamo solo televisione russa per bambini, come il loro Sesame Street.

Rimasi impressionato dalla cura e dall’attenzione che rivolgevano nei programmi dei loro figli.

Mi dispiace che i nostri nemici attuali non abbiano avuto la stessa etica.

»

Sting ha eseguito la canzone ai Grammy Awards del 1986.

Questa performance è stata inserita nell’album Grammy’s Greatest Moments, Volume 1 del 1994.

Polemiche[modifica | modifica wikitesto]

Il cantautore italiano Antonello Venditti aprì una polemica, accusando Sting di un certo qualunquismo e sottolineando come una canzone con un testo così in Italia sarebbe stata oggetto di pesanti critiche: questa sua presa di posizione fu rimarcata da una canzone pubblicata l’estate stessa nell’album Venditti e segreti, intitolata Rocky, Rambo e Sting, dove il solo accostamento del cantautore ai personaggi di Rocky Balboa e John Rambo, due simulacri di un certo edonismo di stampo americano, era sufficiente per esprimere una certa dissociazione.

Sting non diede peso a questa polemica, limitandosi, in una intervista a la Repubblica, a rispondere con toni ironici, augurando a Venditti di avere successo e dandogli la sua benedizione.

[senza fonte]

Sigue Sigue Sputnik “Love Missile F1-11”

Sigue Sigue Sputnik (“Brucia brucia Sputnik” in russo, secondo la versione ufficiale, ma “sigue” non significa niente in russo) è un gruppo musicale formato nel 1984.

Durante la seconda metà degli anni ottanta del XX secolo i Sigue Sigue Sputnik divennero popolari grazie a brani come Love Missile F1-11 e 21st Century Boy, contenuti nell’album Flaunt-it, sfruttando l’originale idea di inserire spot pubblicitari tra una traccia e l’altra.

Il gruppo era inoltre sponsorizzato dalla Atari.

Il successo del pezzo Love Missile F1-11 fu confermato dal successivo 21st Century Boy che raggiunse le vette delle classifiche europee in breve tempo.

[senza fonte] Un buon successo lo riscosse anche l’album del 1986 Flaunt-it.

Lo stesso anno parteciparono al Festivalbar.

Nel 2000 hanno partecipato all’album di tributo ai Queen Tie Your Mix Down: A Queen Tribute, per il quale hanno eseguito Keep Yourself Alive.

David Bowie, nel 2003, ha inserito una cover del brano Love Missile F1-11 nel singolo New Killer Star.

Skunk Anansie “Little Baby Swastika”

Paranoid & Sunburnt is the first studio album by British rock band Skunk Anansie, first released in 1995 via One Little Indian Records.

It was re-released in 2005 with a DVD featuring the videos to the singles.

This album was recorded with the band’s original drummer, Robbie France but he is not featured on the cover.

The album, featuring a mix of controversial protest songs (mainly about politics and religion), peaked at #8 in the UK Albums Chart.

Five singles were taken from Paranoid and Sunburnt, four of which were commercially released.

Single

“Little Baby Swastikkka” was the first release from the album.

It was not a commercial release, however.

It was a radio single and only 2,000 copies were pressed.

Franco Battiato e Alice “I treni di Tozeur”

treni di Tozeur/Le biciclette di Forlì è un singolo di Alice e Battiato pubblicato nel 1984 da EMI in formato 7″.

La titletrack si è classificata 5ª all’Eurofestival 1984.

I treni di Tozeur è composta da Franco Battiato, Giusto Pio e Saro Cosentino.

Le biciclette di Forlì è un brano strumentale composto da Alice.

La canzone I treni di Tozeur fa riferimento a Tozeur, cittadina tunisina, una delle prime oasi nel deserto dopo Douz.

La città è circondata da un lago salato, presso cui passavano le carovane e in cui si verifica il fenomeno della fata morgana, che porta i viandanti a vedere “miraggi”.

I treni di Tozeur, cantata in duo da Battiato e da Alice, nel 1984, rappresentò l’Italia all’Eurofestival raggiungendo il quinto posto con 70 punti.

Nelle votazione ricevette dodici punti da Spagna e Finlandia.

Il singolo raggiunse il ventesimo posto tra i singoli più venduti del 1984.

Ciononostante la versione del singolo è rimasta per quasi vent’anni inedita su album, comparendo per la prima volta in CD nella raccolta Alice Studio collection.

Alice ne ha prodotto nel 1987 e nel 2000 due versioni con un arrangiamento totalmente diverso, includendole rispettivamente negli album Elisir e Personal Juke Box.

Battiato invece ne inserì una versione solista nel suo album Mondi lontanissimi del 1985.

Nella raccolta destinata al mercato anglosassone Echoes of Sufi Dances ne compare una versione in inglese, con il titolo di The Trains of Tozeur e in una raccolta in lingua spagnola, Ecos de danzas sufi, viene eseguita una versione in castigliano intitolata Los trenes de Tozeur.

Entrambe le versioni sono interpretate dal solo Battiato.

Il brano appare inoltre nella colonna sonora del film di Nanni Moretti La messa è finita (1985).

Banda Bassotti, 99 Posse “Rigurgito Antifascista”

Curre curre guaglió (1993) è l’album d’esordio dei 99 Posse.

La traccia che dà il titolo al disco verrà inserita da Gabriele Salvatores nella colonna sonora del film Sud.

Ciò frutterà all’album la vittoria alla Targa Tenco come migliore opera dialettale e al Premio Ciak come migliore colonna sonora.

All’interno prevalgono i temi militanti trattati a volte con rabbia (Rigurgito antifascista, Rappresaglia, Odio) a volte con ironia (O’ documento, Ripetutamente).

All’album partecipano artisti dell’underground napoletano e non solo come Speaker Cenzou, RadioGladio, Suoni Mudù, Daniele Sepe e Bisca, con i quali i 99 Posse cominceranno un importante sodalizio artistico.

L’album è presente nella classifica dei 100 dischi italiani più belli di sempre secondo Rolling Stone Italia, alla posizione numero 49.

Il testo della canzone Curre curre guagliò è stato inserito in una antologia della letteratura italiana per scuole superiori, “Le basi della letteratura” di Bruno Mondadori Editore, pubblicato nel 2013.

In un’intervista, Zulù si è mostrato soddisfatto dell’inserimento di un proprio testo in un libro scolastico, nonostante alcune strofe siano state censurate.

“russian national anthem”

L’inno dell’Unione Sovietica (in russo: Гимн Советского Союза?, traslitterato: Gimn Sovetskogo Sojuza; dal 1977 al 1991: Inno dell’Unione delle Repubbliche Socialiste Sovietiche, in russo: Гимн Союза Совéтских Социалистических Республик?) fu adottato come inno nazionale dall’Unione Sovietica, in sostituzione de “L’Internazionale”, il 15 marzo 1943, nella convinzione che i soldati dell’Armata Rossa sarebbero stati più motivati da un inno dedicato alla loro nazione piuttosto che a un movimento di respiro globale.

La musica fu composta da Aleksandr Aleksandrov sul testo di Sergej Michalkov e Gabriel El-Registan.

L’opera fu ispirata all’inno del Partito bolscevico, composto da Vasilij Lebedev-Kumač nel 1939.

La partitura dell’inno sovietico.

Nella versione originale, il nome di Stalin era menzionato nella seconda strofa, ma dopo la morte del leader sovietico, nel 1953, e il conseguente processo di destalinizzazione, tale menzione non fu più ritenuta accettabile.

Per questo motivo, a partire da quegli anni fino al 1977, l’inno fu eseguito solo nella versione melodica.

Nel 1977, il testo fu reintitolato e riscritto eliminando il riferimento a Stalin, mentre venne mantenuto quello a Lenin che era considerato il padre spirituale del comunismo russo.

A seguito del collasso dell’Unione Sovietica, nel 1991, la Federazione Russa adottò un nuovo inno nazionale, la “Canzone patriottica” (in russo: Патриотическая Песня?).

A partire dal 31 dicembre 2000, venne ripristinata la melodia dell’inno sovietico, ma con un testo differente – sempre scritto da Michalkov – allo scopo di rappresentare la natura non comunista della Federazione.

Bring Me The Horizon “Shadow Moses”

Shadow Moses è un singolo del gruppo musicale britannico Bring Me the Horizon, il primo estratto dal loro quarto album in studio Sempiternal, pubblicato l’11 gennaio 2013.

Il titolo del brano è ispirato all’omonimo luogo della serie di videogiochi Metal Gear; all’inizio e alla fine è inoltre possibile ascoltare un estratto riarrangiato di The Best Is Yet to Come, brano presente nella colonna sonora di Metal Gear Solid.

Daniele Silvestri “L’uomo col megafono”

L’uomo col megafono è un brano musicale scritto ed interpretato da Daniele Silvestri.

Con questa canzone, Silvestri partecipò al Festival di Sanremo 1995 nella sezione “nuove proposte”.

Silvestri sottolineò l’impegno del testo, di smaccata natura politica, accompagnandosi con dei cartoncini colorati, sui quali erano scritti le parole salienti del testo – un uso mutuato probabilmente da un’analoga iniziativa di Bob Dylan.

In alcuni passaggi del brano la voce di Silvestri viene distorta, come se uscisse da un megafono.

Il brano si classificò decimo (ultimo fra le nuove proposte finaliste), ma si aggiudicò il premio “Volare” della critica, come miglior testo letterario.

La canzone venne poi inserita nel secondo album di Daniele Silvestri Prima di essere un uomo.

C.S.I. “Linea Gotica”

Linea Gotica (album)

Da Wikipedia, l’enciclopedia libera.

Linea gotica

Artista Consorzio Suonatori Indipendenti

Tipo album Studio

Pubblicazione 1996

Durata 60 min : 42 s

Dischi 1

Tracce 10

Genere Art rock

Noise rock

Etichetta Polygram

Produttore Consorzio Produttori Indipendenti

Registrazione

Consorzio Suonatori Indipendenti – cronologia

Album precedente

In quiete

(1994)Album successivo

Tabula Rasa Elettrificata

(1997)

Recensioni professionali

Recensione Giudizio

Ondarock Pietra miliare

« Linea Gotica è un disco di chitarre elettrificate, perché questo è il suono del nostro tempo, per quanto detestabile possa essere questo suono e questo tempo.

»

(Giovanni Lindo Ferretti)

Linea Gotica è il secondo album in studio del Consorzio Suonatori Indipendenti, pubblicato nel 1996.

L’album è presente nella classifica dei 100 dischi italiani più belli di sempre secondo Rolling Stone Italia alla posizione numero 8.

I brani[modifica | modifica wikitesto]

« occorre essere attenti

e scegliersi la parte

dietro la Linea Gotica »

(Linea Gotica)

Cupe vampe è dedicato al rogo della Biblioteca Nazionale di Sarajevo e all’assedio della città durante la guerra civile jugoslava.

E ti vengo a cercare è una cover dell’omonima canzone di Franco Battiato, contenuta nell’album Fisiognomica.

L’ultimo verso di questa versione è cantato dallo stesso Battiato: tuttavia vengono omesse le ultime parole “perché ho bisogno della tua presenza”.

Linea Gotica, già nell’esplicito titolo, è incentrata su alcuni avvenimenti della Seconda guerra mondiale, e sull’occupazione nazifascista in Italia.

La canzone si apre con una citazione di un racconto di Beppe Fenoglio, contenuto ne I ventitré giorni della città di Alba con riferimenti alla città piemontese, protagonista di un capitolo della storia della Resistenza italiana.

Sono presenti inoltre riferimenti a Germano Nicolini (il “comandante diavolo”) e a Giuseppe Dossetti (il “monaco obbediente”).

Millenni costituisce una critica, piuttosto accesa, verso la Chiesa cattolica e la religione cristiana in generale.

Lo stesso Ferretti commenta comunque che questa sua canzone “[.

.

.

] non farà di me un anticlericale, di tutte le sette la più sciocca, anche se di questi tempi la meno pericolosa”.

Io e Tancredi non è un riferimento all’omonima opera di Gioachino Rossini, bensì una vera e propria ode al cavallo, definito animale nobile per eccellenza, pronto a sacrificarsi per il suo padrone.

L’allevamento di cavalli è da sempre una passione del cantante, e Tancredi era il nome del suo cavallo.

Irata contiene riferimenti e citazioni di Pier Paolo Pasolini.

Gorky Park “Bang”

I Gorky Park furono un gruppo heavy metal nato a Mosca, Russia nel 1987.

Anche se la fama dei Gorky Park negli Stati Uniti fu di breve durata, storicamente divennero in ogni caso un’importante band poiché il loro successo fu profondamente radicato negli eventi che coinvolsero gli Stati Uniti durante gli ultimi anni della Guerra Fredda.

Negli anni ottanta il politico conservatore russo Konstantin Ustinovič Černenko passò al potere nell’Unione Sovietica.

Ciò provocò nuove tensioni del paese con gli Stati Uniti quando i sovietici invasero l’Afghanistan e gli USA boicottarono i giochi olimpici di Mosca del 1980.

Nel 1981 venne eletto come presidente degli Stati Uniti Ronald Reagan che cominciò ad organizzare un potente esercito.

Nel tentativo di contrastare la crescente presenza della cultura americana e delle emissioni radio della CIA, Chernenko dispose il divieto di ascoltare rock & roll.

Egli affermo: “La musica rock, assieme ad altri elementi della cultura occidentale, fa parte di un arsenale di armi sovversive puntate che minacciano l’avvicinamento dei giovani russi all’ideologia comunista”.

Come negli Stati Uniti degli anni cinquanta, la condanna del rock & roll da parte dei politici provocò un incremento di popolarità della musica stessa.

Fu proprio durante questo periodo che i Gorky Park iniziarono a suonare a Mosca come rock & roll band.

Quando nel 1986 Michail Gorbačëv passò al potere, molte limitazioni disposte dalla precedente gestione governativa sulla musica vennero abolite.

Grazie ai programmi di Gorbačëv glasnost’ (“trasparenza”) e perestrojka (“ristrutturazione”), la scena rock di Mosca cominciò ad emergere e rafforzarsi.

Nel 1987 i chitarristi Alexie Belov e Jan Ianenkov, il cantante Nikolai Noskov, il bassista “Big” Sasha Minkov, ed il batterista Sasha Lvov si unirono per fondare i Gorky Park.

Grazie alla diminuzione delle restrizioni per i viaggi all’estero, più tardi quell’anno la band riuscì a lasciare la Russia per spostarsi negli Stati Uniti alla ricerca di un contratto discografico.

All’epoca questo gesto poteva sembrare ridicolo, in quanto per molti l’idea del rock russo era una contraddizione in termini.

Negli States la band riuscì presto a raggiungere diversi contatti nel music business.

Una delle prime persone a conoscere il gruppo fu il leggendario musicista Frank Zappa.

Finalmente il gruppo venne notato da Jon Bon Jovi e Richie Sambora dei Bon Jovi, che li aiutarono ad assicurarsi un affare con la major Mercury Records.

Il gruppo pubblicò l’omonimo Gorky Park nel 1989.

Il disco venne prodotto da Bruce Fairbairn (noto per le sue collaborazioni con AC/DC, Bon Jovi, Aerosmith, Scorpions, Blue Öyster Cult, Black ‘N Blue e molti altri) con l’eccezione del brano “Peace In Our Time”, composto e prodotto da Jon Bon Jovi e Sambora.

Questo brano era una ballad che trattava proprio il tema sulla fine della guerra fredda.

Questo omonimo era particolarmente orientato sulle sonorità dell’hair metal, stile molto in voga in quel periodo, nonché caratteristico della scena musicale statunitense degli anni 80.

Il disco presentava anche la famosa cover dei The Who “My Generation”, che verrà inclusa anche nel disco Stairway to Heaven/Highway to Hell, una raccolta che comprendeva diverse cover proposte dagli artisti che parteciparono al Moscow Music Peace Festival.

Questo fu l’anno in cui la cortina di ferro cominciava a decadere e che culminò nella caduta del muro di Berlino in novembre.

Con un nuovo senso di benevolenza fra est e ovest, i Gorky Park divennero uno strano simbolo dell’unità tra America e Russia.

Il primo videoclip girato dalla band, “Bang”, ricevette una forte sponsorizzazione da parte di MTV.

I successivi due singoli “Try to Find Me” e la traccia in collaborazione con Bon Jovi, “Peace in Our Time”, ricevettero un ulteriore rotazione da parte delle radio.

Inoltre quell’anno parteciparono anche al noto Moscow Music Peace Festival, svoltosi proprio nella loro città natale, assieme ai colossi della scena musicale statunitense Bon Jovi, Mötley Crüe, Ozzy Osbourne, e Scorpions.

Più tardi lo stesso anno la band partecipò, assieme ai colleghi americani, in un tour per promuovere la lotta alla droga.

Il gruppo continuò una serie di date di successo nel 1990 al fianco dei Bon Jovi e suonando alla cerimonia d’apertura dei Goodwill Games.

Con il cambiamento delle tendenze musicali dei primi anni 90 soppiantate dal grunge, e la fine della Guerra Fredda, la fama del gruppo negli States declinò molto rapidamente.

Tuttavia vennero immortalati in un episodio parodia di Saturday Night Live nel film Fusi di testa (1992).

Il nome della band appariva in una lista composta dai protagonisti Wayne e Garth nel quale venivano elencate le peggiori 10 cose che provocarono il crollo dell’Unione Sovietica.

Anche se non più popolari negli States, il successo della band continuò nel resto del mondo per un certo periodo.

Nikolai Noskov abbandonò il gruppo nel 1990, così il ruolo di cantante venne coperto dal bassista Sasha Minkov.

I restanti membri infatti rimasero uniti e pubblicarono alcuni album durante gli anni 90.

Il secondo album Moscow Calling, pubblicato nel 1993 per la Ariola Records, vendette 500 000 copie fuori dagli Stati Uniti.

Il loro disco successivo, Stare, venne pubblicato nel 1996 solo in Russia.

Nel 1998 seguì il quarto album Protivofazza.

Mentre la popolarità rimase praticamente costante solo in Russia, il gruppo sarà sempre ricordato dagli americani come la prima band hair metal russa che venne trasmessa su MTV.

Nel 2000 la formazione dei Gorky Park includeva il nuovo cantante e bassista Alex Nelidov.

Ep. 21, “Let’s Chaos feat. Il Tucci”

Una nuova puntata di MDB Summah Radio, con un nuovo ospite, “Il Tucci”, all’insegna del caos, del bordello e del divertimento.
Se vi piace il sano heavy metal non potete mancare!

  • Metallica – Hardwired
  • Diablo Swing Orchestra – Balrog Boogie
  • Sum 41 – 13 Voices
  • Nightwish – Stargazers
  • Amaranthe – Drop Dead Cynical
  • Disturbed – Indestructible
  • Michael Jackson – Smooth Criminal – 2012 Remaster
  • Metallica – Enter Sandman
  • Sum 41 – Still Waiting
  • Linkin Park – In The End
  • Belladonna – Till Death Do Us Part
  • Mägo de Oz – Fiesta Pagana
  • The Offspring – Pretty Fly (For A White Guy)
  • Metallica – The Call Of Ktulu
  • blink-182 – All The Small Things
  • Nickelback – Burn It To The Ground
  • Shinedown – Sound Of Madness

Hardwired (Metallica)
Vado al mio primo concerto dei Metallica, questa è la traccia di apertura, vale la pena di metterla come prima traccia di questa puntata

Barlog Boogie (Diablo Swing Orchestra)
Scoperti su Jamendo quando ancora andavo alla ricerca di musica Open, credo sia il miglior gruppo mai trovato lì dentro

13 Voices (Sum 41)
Casinisti per definizione, ho sentito questo album almeno 15 volte di fila appena è uscito

Stragazers (Nightwish)
Ho scoperto questo tipo di metal grazie ad un’amica un sacco di anni fa, me ne sono innamorato, ma non ho trovato gruppi bravi come loro ancora

Drop Dead Cynical (Amaranthe)
La scoperta più interessante da Guitar Hero Live, complicatissima da suonare, ma di una potenza non da poco

Indestructible (Disturbed)
La mia valvola di sfogo quando sono incazzato come una bestia, la ascolto anche dieci volte di fle a tutto volume in auto

Smooth Criminal (M. Jackson)
Molto vecchia rispetto a tutte le altre, ma già all’epoca M. J. pestava abbastanza (e il video, anche se non al livello di Thriller, è bellissimo)

Enter Sandman (Metallica)
La prima loro canzone che ho sentito, il motivo per cui al mio primo stipendio sono andato in un negozio di dischi e li ho chiesti tutti

Still Waiting (Sum 4)
Loro mi piacciono, sono cattivi, ma allo stesso tempo fanno musica che mi mette di buon umore

In the End (Linkin Park)
La loro miglior canzone di sempre, non li ho abbandonati solo perché dopo la loro derica new-age sono tornati ai vecchi ritmi con il nuovo album

TIll Death Do Us Part (Belladonna)
Una volta mi piacevano un casino, poi hanno fatto la fine dei Linkin Park e sono usciti con un album new-age o qualcosa di simile

Fiesta Pagana (mago de Oz)
Perchè le canzoni che pestano si possono fare anche in lingue diverse dall’inglese (no, in francese no)

Pretty Fly (The Offspring)
Una delle band più irriverenti e divertenti, con una delle loro canzoni simbolo

The Call of Ktulu (Metallica)
Tutta strumentale, lunghissima e bellissima

All The Small Things (Blink 182)
Chiudo con il trittico punk

Burn It To The Ground (Nickelback)
Un po’ commerciale, ma orecchiabile e divertente

Sound Of Madness (Shinedown)
Scoperti per caso, me ne sono innamorato, ho ascoltato questa canzone decine e decine di volte

Riders in the sky (Tom Angelripper)
Strano, particolare e divertente questo hevy metal-western tedesco. Su Spotify non c’è.

Ep. 20, “Rough feat. Summah Roby”

Ruvido, grezzo, duro, rude, rozzo, aspro, scabro.

Ci vuole il bugiardino per la nuova puntata di MdB Summah Radio di giovedi 20 aprile in compagnia di Alex e Roby: può creare danni. Permanenti. Astenersi deboli di cuore.

MDB Summah Radio | Ep. 20 “Rough” feat. Summah Roby, da ascoltare moderatamente su runtimeradio.it

  • Pantera – The Great Southern Trendkill
  • Megadeth – Head Crusher
  • In Flames – Episode 666
  • Rammstein – Feuer Frei
  • Kreator – Murder Fantasies
  • Dark Tranquillity – Atoma
  • Creed – Bullets
  • Bruthal 6 – Smells Like Teen Spirit
  • TesseracT – Nocturne
  • Amorphis – Silver Bride
  • Sevendust – Karma
  • Scar Symmetry – Trapezoid
  • Machine Head – Imperium
  • After The Burial – A Vicious Reforming Of Features
  • Static-X – Push It
  • Within The Ruins – Beautiful Agony
  • Revocation – Surprise! You’re Dead!

### The Great Southern Trendkill – Pantera

I [Pantera](https://it.wikipedia.org/wiki/Pantera_(gruppo_musicale)) su Wikipedia.it.

L’album [The Great Southern Trenkill](https://en.wikipedia.org/wiki/The_Great_Southern_Trendkill) su Wikipedia.en.

[Chi è](https://it.wikipedia.org/wiki/Seth_Putnam) la voce di supporto nel brano.

La [raccolta](https://youtu.be/ArUjod-XNDg) dell’album rimasterizzato in occasione del ventennale.

La [traduzione](http://canzonimetal.altervista.org/the-great-southern-trendkill-pantera/) del testo

L’album [Far Beyon Driven](https://it.wikipedia.org/wiki/Far_Beyond_Driven) su Wikipedia.it.

### Head Crusher – Megadeth

L’album [Endgame](https://it.wikipedia.org/wiki/Endgame_(Megadeth)) su Wikipedia.it.

Il

(https://www.youtube.com/watch?v=QJOINz1aWj4) ufficiale.

La [traduzione](http://canzonimetal.altervista.org/head-crusher-megadeth/) del testo.

### Episode 666 – In Flames

Gli [In Flames](https://it.wikipedia.org/wiki/In_Flames) su Wkipedia.it.

L’album [Whoracle](https://en.wikipedia.org/wiki/Whoracle) su Wikipedia.it.

### Feuer Frei – Rammstein

I [Rammstein](https://it.wikipedia.org/wiki/Rammstein) su Wikipedia.it.

Il cantante [Till Lindermann](https://it.wikipedia.org/wiki/Till_Lindemann) su Wikipedia.it.

Il

(https://www.youtube.com/watch?v=ZkW-K5RQdzo) ufficiale.

Il [live video](https://www.youtube.com/watch?v=JKaXiKTIhDE) a Berlino, luglio 2016.

La [traduzione](http://canzonimetal.altervista.org/feuer-frei-traduzione-rammstein/) del testo.

### Murder Fantasies – Kreator

I [Kreator](https://it.wikipedia.org/wiki/Kreator) su Wikipedia.it.

La [traduzione](http://canzonimetal.altervista.org/murder-fantasies-kreator/) del testo.

### Atoma – Dark Tranquillity

I [Dark Tranquillity](https://it.wikipedia.org/wiki/Dark_Tranquillity) su Wikipedia.it.

Il

(https://youtu.be/C_voh9WFbsM) ufficiale.

La [traduzione](http://canzonimetal.altervista.org/atoma-dark-tranquillity/) del testo.

La cover [22 Acacia Avenue](https://open.spotify.com/track/61kin5CtMmFVTMhJsknte2) su Spotify.

La cover [My Friend Of Misery](https://open.spotify.com/track/6k5BtXc3sanvCM091ZhdoP) su Spotify.

### Bullets – Creed

I [Creed](https://it.wikipedia.org/wiki/Creed) su Wikipedia.it.

La [traduzione](http://testi-canzoni.com/canzone/mostrare/355278/creed/testo-e-traduzione-bullet/) del testo.

Il

(https://m.youtube.com/watch?v=oPzhUp8mWgs) ufficiale.

### Smells Like Teen Spirit – Bruthal 6

I [Bruthal 6](https://it.wikipedia.org/wiki/Bruthal_6) su Wikipedia.it.

Il

(https://youtu.be/Js-kZHcB7Wo) ufficiale.

[Smells Like Teen Spirit](https://it.wikipedia.org/wiki/Smells_Like_Teen_Spirit) su Wikipedia.it.

### Nocturne – TesseracT

I [TesseracT](https://it.wikipedia.org/wiki/Tesseract_(gruppo_musicale)) su Wikipedia.it.

L’album [Odyssey](https://it.wikipedia.org/wiki/Odyssey/Scala) registrato dal vivo, su Wikipedia.it.

La [traduzione](https://www.musixmatch.com/it/testo/Tesseract/Of-Mind-–-Nocturne/traduzione/italiano) del testo.

Il

(https://youtu.be/get0cXOsSXg) ufficiale.

### Silver Bride – Amorphis

Gli [Amorphis](https://it.wikipedia.org/wiki/Amorphis) su Wikipedia.it

L’album [Skyforger](https://it.wikipedia.org/wiki/Skyforger_(album)) su Wikipedia.it.

Il

(https://www.youtube.com/watch?v=8qjiWb1O_L4) ufficiale.

### Karma – Sevendust

I [Sevendust](https://it.wikipedia.org/wiki/Sevendust) su Wikipedia.it.

L’Album [Cold Day Memory](https://it.wikipedia.org/wiki/Cold_Day_Memory) su Wikiepdia.it.

[Ghost In The Shell](https://it.wikipedia.org/wiki/Ghost_in_the_Shell) su Wikipedia.it.

### Trapezoid – Scar Symmetry

Gli [Scar Symmetry](https://en.wikipedia.org/wiki/Scar_Symmetry) su Wikipedia.en.

L’album [Holographic Univberse](https://en.wikipedia.org/wiki/Holographic_Universe_(album)) su Wikipedia.en.

### Imperium – Machine Head

[Welcome Home – Sanitarium](https://open.spotify.com/track/4HhaWfgPrkxHe5a6L4OdTV) dei Metallica su Spotify.

I [Machine Head](https://it.wikipedia.org/wiki/Machine_Head_(gruppo_musicale)) su Wikipedia.it.

Il chitarrista/cantante [Robb Flynn](https://it.wikipedia.org/wiki/Robb_Flynn)

L’album [Through The Ashes Of Empires](https://it.wikipedia.org/wiki/Through_the_Ashes_of_Empires) su Wikipedia.it.

La [traduzione](http://canzonimetal.altervista.org/imperium-traduzione-machine-head/) del testo

Il

(https://www.youtube.com/watch?v=Ys1rRnG6vzM) ufficiale.

La cover [Hallowed Be Thy Name](https://open.spotify.com/track/6PIT9IUAnHFlQ78tj8rrSy) su Spotify.

La cover [Battery](https://open.spotify.com/track/41qtH15yLXrhzzP2Dx9Vcm) su Spotify.

### A Vicious Reforming Of Features – After The Burial

Gli [After The Burial](https://en.wikipedia.org/wiki/After_the_Burial) su Wikipedia.en.

L’Album [Rareform](https://en.wikipedia.org/wiki/Rareform) su Wikipedia.en.

### Push It – Static-x

Gli [Static-X](https://it.wikipedia.org/wiki/Static-X) su Wikipedia.it.

[Push-it](https://it.wikipedia.org/wiki/Push_It_(Static-X)) su Wikipedia.it.

Il

(https://youtu.be/Ps0MfBG5-Uo) ufficiale.

La [traduzione](http://canzonimetal.altervista.org/push-it-static-x/) del testo.

### Beautiful Agony – Within The Ruins

I [Within The Ruins](https://en.wikipedia.org/wiki/Within_the_Ruins) su Wikipedia.en.

L’album [Halway Human](https://en.wikipedia.org/wiki/Halfway_Human_(album)) su Wikipedia.en

Il

(https://youtu.be/Dab7Or6_I48) ufficiale.
.
### Surprise! You’re dead! – Revocation

I [Revocation](https://it.wikipedia.org/wiki/Revocation) su Wikipedia.it.

L’Album [Chaos Of Forms](https://it.wikipedia.org/wiki/Chaos_of_Forms) su Wikipedia.it

Ep. 19 “(Alt) Rock of the 90’s”

Perché gli anni 90 non furono soltanto il movimento grunge, ma la scena di Seattle influenzò in modo irreversibile tutto quanto il panorama del rock di lì a venire.

In questa puntata di MDB Summah Radio cercheremo di raccontarvi il rock alternativo, il metal sporco, le sonorità crude degli anni ’90, in un excursus globale che parte dagli Stati Uniti e arriva fino al quasi underground della nostra Penisola.

Per chi come me è nato a metà degli anni 70, ma anche per i giovani dei primi anni ’80, gli anni ’90 sono stati un decennio controverso, quelli del Secondo Ventennio, quelli della Milano che era ancora da bere anche se faceva finta di nulla, quelli dell’apparenza anche quando si faceva finta di fregarsene. Gli anni dell’ecstasy, delle monetine lanciate a Craxi, del Biscione e della grande fiction.

Ma come sempre, nonostante tutto, se possiamo raccontare la Storia sui libri di scuola, lo spirito del tempo lo respiriamo attraverso le canzoni, ed è proprio quello che faremo in questa altrettanto controversa puntata, un episodio di MDB Summah Radio dedicato alle 50 sfumature del rock di quegli anni, che, nonostante tutto, proprio come il decennio precedente, ancora non ci hanno lasciato.

MDB Summah Radio episodio “(Alt) Rock of the 90s”, giovedì 6 aprile 2017 alle 21:00.

Sempre e soltanto su Runtime Radio, la web radio non solo geek, la web radio di tutti.

Trovaci e ascolta gli episodi precedenti e le note bibliografiche su mdbsr.runtimeradio.it

  • Red Hot Chili Peppers – Give It Away
  • Rage Against The Machine – Killing In The Name – Remastered
  • The Offspring – The Kids Aren’t Alright
  • Crash Test Dummies – Mmm Mmm Mmm Mmm
  • Foo Fighters – Learn to Fly
  • Babylon Zoo – Spaceman
  • Pantera – Floods
  • Movida – Anni luce
  • Timoria – 2020
  • Negrita – Io Sono
  • Afterhours – Ballata Per La Mia Piccola Iena
  • C.S.I. – A Tratti
  • Prozac+ – Acida
  • Björk – Army Of Me
  • Korn – Twist
  • Korn – Chi
  • Metallica – Until It Sleeps
  • System Of A Down – Toxicity

Rage Against The Machine “Killing In The Name”

“Killing in The Name” is a song by American rap metal band Rage Against the Machine, featured on their self-titled debut album, and was released as the lead single from the album in November 1992.

In 1993, the song peaked at number 25 in the United Kingdom, but in 2009 became the Christmas number one.

Written about revolution against institutional racism and police brutality, “Killing in The Name” is widely recognized as the band’s signature song, and has been noted for its distinctive guitar riffs and heavy use of profanity.

“Killing in the Name” has been described as “a howling, expletive-driven tirade against the ills of American society.

” The uncensored version contains the word “fuck” seventeen times.

The song builds in intensity, with Zack de la Rocha chanting the line “Fuck you, I won’t do what you tell me”, murmuring the line the first four times, building in a crescendo the next four times and screaming angrily the line the final eight times culminating with De La Rocha screaming “Motherfucker!” The song’s lyrics reference the allegation that some members of US police forces are members of the Ku Klux Klan, whose symbol is the burning cross.

The BBC News website refers to it as railing against “the military–industrial complex, justifying killing for the benefit of, as the song puts it, the chosen whites.

” The song reflects the racial tensions that exist in United States; it was released six months after the Los Angeles Riots, which were triggered by the acquittal of four white police officers who beat black motorist Rodney King.

Tom Morello created the heavier guitar riffs while teaching a student drop D tuning.

He stopped the lesson and recorded the riff.

The next day the band met in a studio and according to Morello the song “Killing in the Name” was created in a collaborative effort, combining his riff with “Timmy C.’s magmalike bass, Brad Wilk’s funky, brutal drumming and Zack’s conviction”.

Like all Rage Against the Machine songs tuned to Drop D, it was recorded on a Fender Telecaster.

Red Hot Chili Peppers “Give It Away”

ive It Away è una canzone dei Red Hot Chili Peppers.

Si tratta del primo singolo estratto dal loro quinto album in studio, Blood Sugar Sex Magik (1991).

Give It Away dura circa 5 minuti, ed è dedicata all’altruismo.

Dopo la sua uscita, i Red Hot divennero una delle realtà più importanti del mainstream musicale mondiale.

È una delle loro canzoni più famose, e per molti è anche quella che meglio identifica il loro stile musicale della fase matura.

Nel 1993 fu premiata con un Grammy come Best Hard Rock Performance.

La struttura della canzone, richiama in parte quella dei loro dischi degli anni ottanta, e fu registrata durante un’improvvisata sessione ritmica.

Flea, bassista del gruppo, stava provando quello oggi ritenuto uno dei suoi attacchi migliori.

Il loro batterista Chad Smith, lo seguì nell’attacco.

Il cantante Anthony Kiedis fu talmente entusiasmato da quel giro di basso, che sulle sue basi vi improvvisò le rime del brano.

La canzone è stata interpretata in molti modi differenti.

Il verso “What I’ve got you’ve got to get it put it in you” (quello che ti ho indotto a prendere, mettilo dentro di te) è considerato un riferimento all’assunzione di droga, mentre spezzoni come “Come and drink it up from my fertility” (vieni qui e abbeverati alla mia fertilità), per alcuni appaiono metafore sessuali.

Un’interpretazione più letterale e più ragionevole, è che il brano sia dedicato alla donazione di sangue, suggerendo che non è solo un atto amorevole ed altruista, ma può anche essere addirittura a sfondo erotico.

Questa teoria sembra essere confermata da alcune parti del testo, tra cui: “What I’ve got you’ve got to give it to your daughter/ You do a little dance and then you drink a little water”, “What I’ve got you’ve got to get it put it in you/Reeling with the feeling don’t stop continue”, “Young blood is the lovin’ upriser/ How come everybody wanna keep it like the kaiser” (Quello che ti ho indotto a dare a tua figlia/Fai un balletto e poi bevi un po’ d’acqua, Quello che ti ho indotto a prendere, mettilo dentro di te/i tuoi sentimenti non cessano mai, Il sangue giovane è uno scalatore innamorato/venite tutti a sostenerlo come un imperatore).

La stessa tematica sembra, per chi sostiene questa teoria, emergere in Blood Sugar Sex Magik.

Il verso “There’s a River born to be a giver/keep you warm won’t let you shiver/his heart is never gonna wither/come on everybody time to deliver” (vi è un River nato per donare/tieniti caldo se non vuoi tremare/il suo cuore non smetterà mai di battere/ora, tutti insieme, è tempo di donare) si riferisce all’attore River Phoenix, amico di molti dei Red Hot; Flea fu insieme a River, il giorno in cui morì.

Le parti “Greedy little people in a sea of distress, keep your more to receive your less, unimpressed by material excess” (poca gente avara in un mare di angoscia, tieni di più per ricevere di meno, allibito dagli eccessi materiali) riguardano il punto di vista di Anthony Kiedis su materialismo e consumismo.

La seconda di queste è un riferimento a Bob Marley e al suo brano “Misty Morning”, da cui Kiedis estrasse il verso in questione.

Marley è menzionato anche in seguito, dallo spezzone “Bob Marley, poet and a prophet.

La frase del ritornello (letteralmente regalalo) rimanda al rapporto tra Kiedis e Nina Hagen, che secondo il cantante avrebbe deliberatamente regalato tutto quello che aveva.

Il chitarrista John Frusciante sostiene di essersi ispirato, per il riff finale della canzone (ancora oggi, a volte, suonato dal vivo), a “Sweet Leaf” dei Black Sabbath.

Dato che la canzone è ritenuta un inno alla marijuana, da ciò si evince perché molti interpretino “Give It Away” come un brano dedicato all’assunzione di stupefacenti.

The Offspring “The Kids Aren t Alright”

The Kids Aren’t Alright è un singolo della band punk Offspring.

È stato pubblicato sul loro quinto album, Americana (1999).

Il titolo è un’allusione al singolo The Kids Are Alright degli Who.

La canzone è presente nella colonna sonora del film The Faculty.

Ha raggiunto la posizione numero 6 nella classifica Billboard Modern Rock Tracks.

Storia[modifica | modifica wikitesto]

La canzone, scritta da Dexter Holland, fa riferimento ad una sua visita al quartiere in cui abitava presso Garden Grove (contea di Orange, California).

Ha visto alcuni suoi amici d’infanzia che sono rimasti colpiti da eventi spiacevoli come l’incontro con la droga o come siano rimasti vittime di esaurimenti nervosi e spiega in dettaglio come questo gruppo di amici d’infanzia si sia rovinato.

I quattro ragazzi – Jamie, Mark, Jay e Brandon – avevano tutti ottime potenzialità per vivere delle vite straordinarie ma ognuno di loro getta via la propria vita in un modo diverso.

Jamie rimane incinta e deve abbandonare la scuola superiore per crescere il bambino, Mark rimane per tutta la vita a casa dei suoi genitori suonando la chitarra e fumando marijuana, Jay si suicida e Brandon muore per overdose.

Il videoclip mostra una stanza abbandonata con al centro delle persone che fanno attività stereotipate.

Contrariamente a quanto si pensa, le inquadrature sono state fatte con normali tecniche rotoscopiche, non al computer.

Crash Test Dummies “Mmm Mmm Mmm Mmm”

I Crash Test Dummies, anche noti come Dummies, sono un gruppo musicale canadese folk-rock originario di Winnipeg, formatosi nel 1988 e popolare negli anni novanta.

Dal 2001 i membri della band sono solo due, Brad Roberts e Ellen Reid; comunque tutti gli altri ex membri della band, tranne Ben Darvill, si riunirono per un concerto nell’ottobre 2010.

Mmm Mmm Mmm Mmm è un singolo dei Crash Test Dummies estratto dall’album God Shuffled His Feet nel 1993.

Ogni strofa del brano descrive l’isolamento e la sofferenza di un bambino, ognuno dei quali ha una quasi traumatica esperienza: un ragazzo i cui capelli diventano prematuramente bianchi a causa di uno shock, una ragazza con il corpo pieno di voglie e un ragazzo i cui genitori fanno parte di una setta religiosa.

Esiste una versione alternativa, qualche volta cantata nelle esibizioni dal vivo, con l’ultima strofa rimpiazzata da un’altra strofa che parla di un ragazzo a cui la madre gettò via le tonsille dopo una tonsillectomia.

DEDICHE

Giovanna che non le esce mai

Arianna che è diventata un pezzo di fica eccezionale con delle tette stratosferiche (che purtroppo non le esce), comunque se questo è l’effetto dell’Australia, viva viva i canguri!

Sonja, la fica della classe, che mi fai complimenti

Gwen, la donna misteriosa, che probabilmente avremo qui ospite in radio primo poi

Mara, a cui mandiamo un fortissimo abbraccio e a cui dedichiamo questa canzone (“Learning to fly“)

Foo Fighters “Learn to Fly”

Learn to Fly è un singolo del gruppo musicale statunitense Foo Fighters, il primo estratto dal terzo album in studio There Is Nothing Left to Lose e pubblicato il 18 ottobre 1999

Video musicale

Il videoclip si svolge su un aereo, ed è una parodia del film L’aereo più pazzo del mondo.

Due meccanici di una compagnia aerea (interpretati dai Tenacious D) nascondono nella macchina del caffè una bustina con scritto «WORLD DOMINATION “EROTIC” Sleeping Powder», che causa allucinazioni e comportamenti strani in chiunque beva il caffè.

I componenti del gruppo, gli unici a bordo a non averlo bevuto, si trovano costretti a far atterrare l’aereo al posto dei piloti, impossibilitati a farlo.

Nel video, ogni componente del gruppo (Dave Grohl, Nate Mendel e Taylor Hawkins) interpreta sia sé stesso che altri ruoli.

Cover

Il 26 luglio 2015, mille musicisti italiani (350 chitarristi, 250 cantanti, 250 batteristi e 150 bassisti) si sono radunati a Cesena, presso il parco dell’ippodromo, suonando il brano simultaneamente.

L’evento, da record per il numero di persone coinvolte, ha avuto lo scopo principale di invitare i Foo Fighters a esibirsi dal vivo proprio nella sopracitata città.

Il video ufficiale dell’esecuzione del brano è divenuto subito virale su YouTube e il 31 luglio, attraverso i social network, Dave Grohl ha espresso la sua ammirazione, promettendo che il gruppo avrebbe accolto l’invito, promessa poi mantenuta il 3 novembre successivo con un concerto al Carisport di Cesena.

I Foo Fighters sono un gruppo musicale alternative rock statunitense fondato a Seattle nel 1994 dal musicista Dave Grohl, ex batterista dei Nirvana.

Nato dopo lo scioglimento dei Nirvana successivo alla morte di Kurt Cobain, il gruppo deriva il proprio nome dal termine foo fighter, espressione usata per indicare, durante la seconda guerra mondiale, quegli strani avvistamenti aerei riferiti da alcuni piloti alleati, simili a quelli che generalmente vengono chiamati UFO.

Babylon Zoo “Spaceman”

“Spaceman” è una canzone del gruppo britannico dei Babylon Zoo.

La canzone è celebre per il suono estremamente distorto delle chitarre, e per la parte vocale resa molto robotica.

Il singolo conquista la vetta della classifica inglese il 21 gennaio 1996, vendendo 418,000 copie nella prima settima di pubblicazione.

All’epoca fu il singolo d’esordio di un artista ad avere il maggior numero di vendite in una settimana.

Inoltre il singolo arrivò in vetta a quasi tutte le classifiche dei paesi in cui è stato commercializzato.

Il singolo prese il posto del celebre brano Boombastic negli spot televisivi della Levi’s.

Katie Melua ha eseguito una versione acustica del brano durante un concerto, mentre il gruppo Kovenant ha registrato una cover nel loro album Animatronic.

Anche i Cinema Bizarre hanno registrato una cover della canzone nel 2008.

In Italia il pezzo è stato riarrangiato dal cantautore pugliese Caparezza, col suo brano “Vengo dalla luna”, avendo aggiunto solo un rap ed avendolo rallentato di circa 30 BPM.

Babylon Zoo è stato un gruppo di rock elettronico britannico (di Wolverhampton) attivo negli anni novanta, fondati da Jasbinder Mann (Dudley, 24 aprile 1971). È ricordata soprattutto la loro canzone Spaceman, resa celebre nel 1996 da un popolare spot della Levi’s.

Pantera “Floods”

Floods (in italiano Inondazioni) è una famosa canzone della band heavy metal Pantera.

Il brano è contenuto nell’album del 1996 The Great Southern Trendkill.

La traccia

La rivista Guitar World votò l’incredibile assolo di Dimebag Darrell contenuto in “Floods” come il quindicesimo di tutti i tempi.

L’assolo nacque originariamente come riff, per poi essere trasformato dal talentuoso Dime in un pezzo esempio di tecnica e velocità.

Generalmente, la canzone si diversifica notevolmente dalle altre composte dalla band texana.

Essa è infatti a tratti estremamente lenta e presenta un tono vocale (gli strumenti di Dimebag e Rex sono accordati in Do#, cioè di un tono e mezzo sotto il normale livello) cupo inedito per tale gruppo.

La base musicale non presenta infatti le solite potenti e rapide percussioni di Vinnie Paul, che qui si incentrano solo su un “calmo” accompagnamento, e la voce di Phil Anselmo è notevolmente cupa e rauca.

Lyrics

The lyrics of the song tell about acts committed by mankind such as rape, murder, and war, and contain themes of a plea to God to flood the earth in a fashion like that described in the biblical Book of Genesis.

Movida “Anni luce”

I Movida sono stati una Rock Band milanese, formatasi nel ’94 su iniziativa di Mario Riso (uno dei migliori batteristi italiani, ideatore del progetto Rezophonic) e di Gianluca Battaglion, ai quali si sono aggiunti poi Giovanni Frigo, Ivan Lodini e Alessandro Ranzani.

Il loro primo lavoro, “Contro Ogni Tempo“, è qualcosa di spettacolare.

E non è troppo inverosimile pensare che se fosse nato in altre longitudini probabilmente sarebbe ora considerato uno dei migliori dischi degli anni ’90.

Negrita “Io Sono”

Paradisi per illusi è il secondo album in studio del gruppo musicale italiano Negrita, pubblicato nel maggio 1995 dalla Black Out.

I Negrita sono un gruppo musicale rock italiano, formatosi all’inizio degli anni novanta a Capolona, in provincia di Arezzo.

Prendono il loro nome dal brano dei The Rolling Stones Hey! Negrita.

Afterhours “Ballata Per La Mia Piccola Iena”

Ballate per piccole iene, pubblicato nel 2005, è il settimo album del gruppo italiano Afterhours.

Il disco

L’album è coprodotto dal musicista statunitense Greg Dulli, ex leader degli Afghan Whigs, che ha anche registrato diverse parti dell’album e ha partecipato attivamente alla tournée relativa, e porta con sé atmosfere più cupe, ma non per questo prive di forza, rispetto agli album precedenti, più votati alla sperimentazione rock.

Pubblicato nel 2005, il disco ha superato il record del precedente Quello che non c’è, raggiungendo il secondo posto nelle classifiche di vendita; prima del tour negli Stati Uniti del 2006 è uscita una versione in inglese dell’album, Ballads for Little Hyenas, contenente un inedito.

L’album ha 4 copertine differenti che rappresentano le sagome dei componenti del gruppo con le loro compagne/mogli; le foto sono state oscurate su suggerimento di Manuel Agnelli.

La fotografia è stata curata da Guido Harari e da Thomas Berloffa.

Stile

In questo album vengono ripresi i temi del precedente Quello che non c’è, quali il senso di vuoto e di sconfitta, la rassegnazione, la malinconia, che avevano già rimpiazzato l’ironia e l’irriverenza dei primi lavori.

I testi sono ancora più espliciti, ancora più netti, ancora più crudi: “Ora che sei vera/sai la verità/siamo vivi per usarci” con queste parole (La sottile linea bianca) si apre l’album, e l’intento è chiaro.

C S I “A Tratti”

Il Consorzio Suonatori Indipendenti (o CSI) è stato un gruppo musicale italiano nato dalle ceneri dei CCCP Fedeli alla linea.

Gli album sono stati distribuiti dalla casa discografica fondata dai componenti del gruppo stesso, il Consorzio Produttori Indipendenti.

Dopo lo scioglimento del gruppo, avvenuto nel 2002, alcuni ex-componenti dei C.S.I. sono confluiti nei PGR.

« In Ko de mondo c’è una netta rottura rispetto al passato: giusto in Celluloide accennavamo a dov’era andato a finire Jurij.

Lo scenario era cambiato: non più l’Impero Sovietico ma l’Europa e tutti i luoghi in cui finisce l’idea d’Europa.

Ko de Mondo per noi vuol dire fine della terra.

In realtà Codemondo è un paesino in provincia di Reggio Emilia, il cui nome significa capo del mondo.

Scritto così può anche voler dire k.o.del mondo: il mondo occidentale al tappeto. »

(Giovanni Lindo Ferretti)

Ko de mondo (1994) è il primo album del Consorzio Suonatori Indipendenti (C.S.I.) il gruppo nato dalle ceneri dei CCCP Fedeli alla linea.

Come recitano le note di copertina, è stato composto, concepito, arrangiato, suonato e registrato nei mesi di agosto e settembre 1993 nel manoir “Le Prajou” in Finistère, Bretagna.

Il nome è però una storpiatura di Codemondo, frazione di Reggio Emilia.

Sul viaggio dei CSI in Francia è stata realizzata anche una VHS (in seguito DVD) dal titolo Ko de mondo, immagini sul finire della Terra.

Alla realizzazione dell’album hanno contribuito Giovanni Lindo Ferretti (canto), Massimo Zamboni (chitarre armoniose, grattugie), Giorgio Canali (chitarre disturbate), Francesco Magnelli (magnellophoni), Gianni Maroccolo (basso elettrico), Alessandro Gerbi (percussioni), Pino Gulli (batteria), Corale Mistica dell’Appennino Tosco Emilano (cori, in realtà si tratta dei componenti della band), Ginevra Di Marco (voce in La lune du Prajou e Home sweet home) e Marco Parente (percussioni in Del mondo).

I testi sono di Giovanni Lindo Ferretti; le musiche di Massimo Zamboni, Francesco Magnelli e Gianni Maroccolo.

Prozac+ “Acida”

Prozac+ sono stati un gruppo musicale pop punk italiano, in attività dal 1995 al 2006.

Il nome del gruppo deriva dal marchio commerciale di un farmaco antidepressivo, la fluoxetina.

Storia

I Prozac+ si formano a Pordenone nel 1995.

Il nucleo originale del gruppo comprende Gian Maria Accusani, Eva Poles ed Elisabetta Imelio a cui si aggiungono, di volta in volta, altri musicisti per le esibizioni dal vivo.

Nell’estate, dopo soli tre concerti, il gruppo viene ingaggiato dalla Vox Pop, all’epoca una delle più importanti etichette indipendenti italiane.

Gian Maria “GM” Accusani, chitarrista, voce e compositore di tutte le canzoni del gruppo, aveva già avuto alcune esperienze nell’ambito della musica alternativa nel progetto Great Complotto suonando nei Futuritmi con il musicista e fumettista Davide Toffolo, successivamente leader dei Tre Allegri Ragazzi Morti.

Nel 1996 esce il primo album Testa plastica, dal quale vengono tratti i singoli promozionali Legami / Niki e Pastiglie.

Nonostante le buone critiche ottenute, il disco non ottenne un grande successo commerciale anche a causa di problemi con la distribuzione.

I Prozac+ iniziarono comunque un lungo tour promozionale di circa 200 concerti, che si conclude nell’estate del 1997.

Sempre nel 1997 esce la ristampa di Testa plastica, contenente la cover della canzone dei Violent Femmes Gone Daddy Gone.

Con la chiusura della Vox Pop, nel settembre del 1997, il gruppo entra sotto l’egida dell’etichetta EMI Music, che acquisisce il catalogo e i contratti Vox Pop, e ha l’occasione di fare da spalla agli U2 nelle due tappe italiane del loro PopMart Tour, a Roma e Reggio Emilia.

Il successo per il gruppo arriva comunque nel 1998 con l’uscita del secondo album Acido Acida e con il singolo Acida, che grazie al suo stile punk rock diventò un vero e proprio tormentone, trasmesso più volte dalle radio e dalle TV musicali.

L’album vende oltre 175.000 copie e il suo successo viene confermato dagli altri due singoli Colla e GM.

Metallica “Until It Sleeps”

Until It Sleeps è un singolo del gruppo musicale statunitense Metallica, il primo estratto dal sesto album in studio Load e pubblicato il 21 maggio 1996.

La canzone

Composta da James Hetfield e Lars Ulrich, ebbe successo notevole in radio e fu una delle prime a segnare la svolta sonora del gruppo alla fine degli anni novanta in quanto il brano presenta influenze hard rock, blues ed alternative rock.

Il testo della canzone parla del cancro e di come abbia condotto alla morte la madre di Hetfield.

Date le convinzioni religiose della famiglia, non ricevette alcun trattamento medico.

Entrambi erano convinti che la fede l’avrebbe guarita, ma invano.

Il disco

Prodotto da Bob Rock, venne pubblicato a cinque anni di distanza dall’uscita dell’omonimo album e presenta uno stile musicale distante dal thrash metal e tendente a uno stile heavy metal di stampo classico.

Da allora cambiò radicalmente anche la loro iconografia, con il taglio dei capelli e l’uso di abiti più stradaioli.

Le 14 tracce sono rifacimenti di demo composti da Lars Ulrich e James Hetfield, nel loro studio di registrazione “The Dungeon”.

Nella primavera del 1995 realizzarono circa 30 demo ai “Plant Studios”.

Anche i testi si discostano dalle strutture tipiche degli anni ottanta.

Inoltre, al posto dei riff in staccato, Hetfield e Kirk Hammett usano giri di chitarra più vicini al blues.

Ulrich si è anche avvalso di un drumming più tradizionale, abbandonando gli attacchi veloci di doppia cassa dei lavori precedenti.

I testi, scritti per la maggior parte da Hetfield, sono più introspettivi e rivolti alla sua sfera personale.

Until It Sleeps, il singolo di lancio, parla della lotta persa tra sua madre e il cancro, mentre Mama Said è dedicata alla morte della madre di Hetfield.

Tutto ciò segnò un allontanamento dalle tematiche presenti negli album precedenti come .

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And Justice for All o Master of Puppets.

Björk “Army Of Me”

Army of Me è una canzone della cantante islandese Björk ed il primo singolo tratto dall’album Post. (1995)

Video musicale

Nel video musicale, diretto da Michel Gondry, la cantante guida un enorme camion, c’è un gorilla dentista ed una bomba in una galleria d’arte sveglia un fidanzato morto.

Il video è particolare anche per l’utilizzo della tecnica del bullet time ed è il primo video ad usare tale tecnica, resa poi famosa dal film Matrix.

Army of Me” is a song by Icelandic recording artist Björk.

It was released on April 21, 1995 by One Little Indian as the lead single from her 1995 solo album Post.

The song was written and produced by Björk and Graham Massey, who helped her in producing and writing the majority of her third album.

“Army of Me” was a commercial success, and the first single from Björk to enter in the top 10 of the UK Singles Chart.

Lyrically, the song was inspired by the damaging behavior of Björk’s brother, and in the lyrics she tells him to stand up and to regain control of his life.

The song was well received by music critics, who noted its darkness and praised Björk’s energy.

Björk premiered the song on some gigs during the Debut Tour before the release of the album.

She performed it in a series of TV appearances, and notably, for the first time on Top of the Pops with Skunk Anansie.

Additionally, the song was performed on every date of the Post Tour.

The song was featured on Björk’s compilation album, Greatest Hits (2002).

Korn “Twist”

Life Is Peachy is the second studio album by the American nu metal band Korn, released on October 15, 1996 through both Immortal Records and Epic Records.

After the release of Korn’s 1994 self-titled debut album, the band asked Ross Robinson to produce and went back to Indigo Ranch to record.

Life Is Peachy features such themes as drugs, social encounters, sex, and revenge.

The album’s cover art was designed by Martin Riedl and its name is credited to Korn’s bassist Reginald “Fieldy” Arvizu.

Life Is Peachy was certified gold on January 8, 1997 and was later certified platinum on December 9, 1997.

Following the success of Korn’s 1994 self-titled debut album, Life Is Peachy was certified double platinum on November 10, 1999.

Life Is Peachy debuted and peaked at number three on the Billboard 200 and peaked at number one in New Zealand.

In its first week of being released, the album sold 106,000 copies.

Critical reception for Life Is Peachy was mainly mixed, with critics praising the album’s songwriting and sound quality.

Before the release of Life Is Peachy, Korn toured with many bands.

Initially, Korn joined the Sick of It All Tour.

Following the Sick of It All Tour, Korn joined the Danzig 4 Tour.

Korn also toured with Megadeth, Fear Factory, and Flotsam and Jetsam.

After the release of Life Is Peachy, Korn toured solo, and headlined and often sold out shows.

Korn also toured in the Lollapalooza summer tour.

Writing and recording

Writing for the band’s second album started immediately after touring their self-titled debut.

Guitarist Munky described the writing process as, “we didn’t write nothin’ for two years then we had creativity build up, like blue balls of creativity.

” Doug Small, author of The Story of Korn (ISBN 0825618045), said that “the band’s songwriting method — a sort of collective building process wherein four instrumentalists, with the input of Jonathan [Davis], develop each other’s ideas until they’ve created a monster — is truly a group effort.

” The album’s lyrics — for the most part — were primarily written by lead singer Jonathan Davis.

Drummer David Silveria told Modern Drummer, “somebody will start playing something and the rest of us will work around it and see where it goes.

After playing at a few gigs with Deftones in California, United States, Korn went back to the studio to start recording Life Is Peachy in April 1996.

Korn asked Ross Robinson to produce, and wanted to begin recording at Indigo Ranch, mostly because their first album had been recorded there and was a success.

The quick process was accompanied by drinking and partying.

When Davis recorded, he preferred several other people be in the recording studio with him.

Jason Arnopp, author of Slipknot: Inside the Sickness, Behind the Masks (ISBN 0091879337), along with Doug Small, insisted the album was rushed when it was put together.

Silveria explained, “We went in really fresh, and we wanted to get it done quickly to capture that moment.

So it was probably about sixty percent knowing what I was going to play and forty percent just playing whatever came to mind at that moment, It ended up really good, and it has a kind of energy I probably wouldn’t have gotten if I’d worked everything out beforehand.

” Korn’s bassist Reginald “Fieldy” Arvizu said, “We wanted that same energy and inspiration we found up in the Malibu Hills.

Jonathan Davis said regarding the writing of the album “Right after we got done touring with Ozzy Osbourne, Ross [Robinson] hooked up with us.

We went into a rehearsal studio and started writing.

It was faster and thrashier.

It was us reacting the vibe that we had to hurry up and get this done.

We thought, “Let’s do something great, but let’s not take a year on it.

” While James “Munky” Shaffer collaborated “Some of the songs and riffs from the first record had been lingering around for years.

When it was time to write Life Is Peachy, we went back into the rehearsal studio and we wanted to take the elements that the fans liked and we liked about Korn and elaborate on some of those like Jonathan freaking out.

“Twist” came to life.

There was that dissonant guitar playing.

There was more of a punk rock feel and attitude that the band had.

I think a lot of that came from touring so much and the energy of the crowds.

We wanted to create a really angry album.

Korn “Chi”

Tool “Stinkfist”

Stinkfist è un brano musicale facente parte del secondo album in studio dei Tool, Ænima.

Il brano, composto dai quattro membri della band (Keenan, Jones, Carey, Chancellor), è stato il primo singolo pubblicato per promuovere questo LP e per il quale è stato realizzato anche un video.

A causa del suo nome e dell’argomento della canzone, le TV e le radio ne hanno abbreviato e modificato le liriche.

Testo e sua interpretazione

Durante un’intervista, il cantante della band, Maynard James Keenan, dichiarò che il titolo alla brano fu dato dopo che un amico del batterista Danny Carey, disse che “aveva paura di sporcarsi le mani”.

Aggiunse inoltre che la canzone riguardava il fisting ma, “se la osservi veramente, e ci osservi sul serio, considerando chi siamo, capirai che andiamo lievemente più a fondo di alcune canzoni fallite riguardo al fisting”.

Ænima è il secondo album discografico in studio del gruppo musicale statunitense Tool, pubblicato il 1º ottobre 1996.

Note

Ænima contiene una dedica al comico statunitense Bill Hicks, morto nel 1994, proclamandolo Another Dead Hero.

Il pezzo finale dell’album, Third Eye, contiene alcuni spezzoni di Hicks (compreso Drugs have done good things for us).

I Tool utilizzano anche parte del lavoro dello psicologo svizzero Carl Gustav Jung.

Infatti il titolo Ænima è la combinazione delle parole anima (termine spesso usato da Jung) ed enema (clistere).

In questo modo creano un nuovo modo per indicare la catarsi: pulizia dell’anima.

System Of A Down “Toxicity”

Toxicity è il secondo album in studio del gruppo musicale statunitense System of a Down, pubblicato il 4 settembre 2001 dalla American Recordings.

L’album debuttò alla prima posizione negli Stati Uniti d’America, vendendo 220.000 copie; al 2010 ha venduto circa 12 milioni di copie nel mondo.

Il disco

Toxicity ricevette una nutrita schiera di recensioni positive da parte della critica specializzata e riscosse anche un ottimo successo di pubblico.

L’album espande il lavoro di impegno politico e ricerca musicale iniziato con l’album precedente, mantenendo i riff estremi e i ritmi particolari, ma aggiungendo anche un senso di melodia in alcuni pezzi, facendoli risultare un po’ più accessibili ad un pubblico più vasto.

È distinguibile anche una forte componente di world music.

Il brano ATWA è un riferimento all’omonimo movimento fondato dal criminale Charles Manson e ad alcuni omicidi da lui commessi.

Nell’album inoltre è presente una traccia fantasma conosciuta come Arto, curata dal musicista armeno Arto Tunçboyacıyan, dove il gruppo interpreta con sonorità puramente tribali un inno della chiesa armena intitolato “Der Voghormya” (“Dio abbi pietà”).

“Toxicity” is a single by Armenian-American alternative metal band System of a Down, released in 2002.

It was originally released on the album of the same name.

The writing credit for the song is Malakian/Odadjian/Tankian.

It is known for its dynamic chorus, aggressive vocals, and prominent drum beat.

The song is predominately in triple meter, alternating between 6/4, 12/8 and 4/4 time.

The guitar during the verse plays in 6/4 using a 2+2+2 phrasing while the heavy part (“somewhere between the sacred silence and sleep”) makes use of a hemiola with the guitar switching to a 3+3+3+3 pattern while the drums remain in compound duple meter until the bridge.

The song was ranked number 14 on VH1’s 40 Greatest Metal Songs, and was called a nu metal classic by Stylus Magazine.

Ep. 18 “Seattle, 1991”

Può una singola canzone cambiare il mondo?

Fatta a freddo questa domanda credo che possa avere sempre e soltanto un’unica risposta: no.

Ma per fortuna, coincidenze astrali, casualità, oppure dietro un disegno preciso, è innegabile che il movimento grunge nei primi anni ’90 abbia influenzato il corso della musica rock da quel momento a seguire.

E se c’è una canzone simbolo di questo periodo, per varie motivazioni, diversi punti di vista, questa è Smells Like Spirit dei Nirvana.

Una singola traccia di un disco decisamente peculiare, emblema di un genere che ha dato poi vita al rock alternativo di cui, nel bene e nel male, raccogliamo i frutti ancora oggi, a più di un quarto di secolo di distanza.

Questa puntata di MDB Summah Radio è dedicata alle sonorità di Seattle dei primi anni del di quel decennio controverso, quello del post reaganismo, della post house-music, del post edonismo… Insomma del post un sacco di cose.

Seattle 1991, la 18ª puntata di MDB Summah Radio, martedì 28 marzo 2017 alle 21:00.

Sempre e soltanto su Runtime radio, la web radio non solo geek. La web radio di tutti.

  • Tori Amos – Smells Like Teen Spirit – 2015 Remastered Version
  • Soundgarden – Jesus Christ Pose
  • Nirvana – Come As You Are
  • Bush – Little Things
  • Pearl Jam – Jeremy
  • Hole – Celebrity Skin
  • Soul Asylum – Misery
  • Ray Wilson & Stiltskin – Inside – Live
  • Bush – Everything Zen
  • Alice In Chains – Would?
  • The Smashing Pumpkins – Bullet With Butterfly Wings
  • Skunk Anansie – Selling Jesus
  • Muse – Muscle Museum
  • Temple Of The Dog – Hunger Strike
  • Pearl Jam – Alive
  • Soundgarden – Black Hole Sun
  • Nirvana – Smells Like Teen Spirit
  • In Flames – Come Clarity

Tori Amos “Smells Like Teen Spirit”

Winter è un brano musicale della cantautrice musicale Tori Amos, pubblicato come quarto singolo dell’album di debutto Little Earthquakes.

Il singolo, commercializzato nel marzo 1992 nel Regno Unito e nel novembre negli Stati Uniti, ha raggiunto la posizione numero 25 della classifica ufficiale inglese dei singoli.

Una versione limitata del singolo è stata distribuita per il mercato inglese e per quello tedesco.

La versione contiene il singolo e tre famose cover di tre gruppi rock: Angie dei Rolling Stones, Smells Like Teen Spirit dei Nirvana e Thank You dei Led Zeppelin.

Il brano oltre ad essere contenuto nell’album di debutto dell’artista è presente nella raccolta Tales of a Librarian.

Soundgarden “Jesus Christ Pose”

Jesus Christ Pose è un brano musicale del gruppo grunge statunitense Soundgarden, incluso nel terzo album della band, Badmotorfinger, uscito nel 1991 su etichetta A&M; pubblicato come primo singolo estratto dal disco (B-side: Stray Cat Blues/Into the Void (Sealth)/Somewhere), e successivamente inserito nella raccolta A-Sides.

La band spiegò che il testo del brano era una riflessione sul concetto dello sfruttamento della religione a scopo personale.

Si tratta di una critica a come molte personalità pubbliche facciano uso della religione (in particolare citando Gesù Cristo) per dipingersi “migliori” di altri, o come dei “martiri”.

Cornell citò esplicitamente il frontman dei Jane’s Addiction Perry Farrell tra le influenze della canzone, spiegando: «Sta diventando di moda recitare la parte del povero ragazzo perseguitato da tutti».

In un’intervista, Cornell spiegò il termine “Jesus Christ Pose” (“posa alla Gesù Cristo”):

Nirvana “Come As You Are”

Come as You Are fu il secondo singolo più venduto del gruppo, superato soltanto da Smells Like Teen Spirit.

Il brano è stato inserito nel 2004 nella classifica delle 500 canzoni immortali secondo la rivista Rolling Stone, alla posizione numero 445.

Nel kit per la stampa di Nevermind Kurt Cobain disse che Come as You Are è “una canzone d’amore vecchio stile che viene giù in un’armonia di tre parti” (testi tratti da Just an Old-Fashioned Love Song di Paul Williams).

Il verso principale della canzone è: «And I swear that I don’t have a gun» (“E giuro di non avere una pistola”), con il quale Cobain voleva intendere di “non avere nessuno da cui nascondersi”.

Lo stesso Cobain, famoso per inserire messaggi più o meno indiretti nei suoi testi, sembra piuttosto voler spingere l’ascoltatore-fan ad interpretare il testo piuttosto che limitarsi a cantarlo passivamente.

Dopo la morte dell’autore i media rivolsero l’attenzione a questo verso e ad altri versi delle canzoni di Nevermind in cui si menzionavano armi da fuoco, benché, essendo l’album stato registrato tre anni prima della scomparsa del cantante, l’analogia del verso con la fine del frontman sia stato considerato una mera coincidenza.

Subito dopo la sua composizione nel febbraio 1991, la canzone si chiamò per un breve periodo “Memoria”, parola peraltro ricorrente nel testo.

Bush “Little Things”

Sixteen Stone è l’album di esordio del gruppo musicale inglese Bush, pubblicato nel 1994.

Questo disco proiettò la band di Gavin Rossdale nel mainstream del rock mondiale con un grande successo negli Stati Uniti.

L’album fece riscattare il gruppo da un forte snobismo riscontrato in Europa, specialmente nella natìa Inghilterra dove all’epoca si accingevano a vivere quello che fu il boom del Britpop con Blur e Oasis i quali, a loro volta, venivano quasi ignorati lì dove i Bush avrebbero venduto milioni di copie.

Il disco venne pubblicato nel 1994 e ci volle quasi un anno prima che il pubblico si accorgesse dell’album.

L’alto numero di hit presenti al suo interno aiutarono continui passaggi nelle radio americane e così, pezzi come Everything Zen,Little Things e Comedown iniziarono a diventare singoli di successo e a trainare il disco in classifica facendocelo restare per oltre un anno e mezzo.

Anche MTV si accorse del gruppo e mandò immediatamente in heavy rotation i video dei singoli che la band realizzò per l’album che furono: Everything Zen, Little Things, Comedown, Machinehead e Glycerine.

Quest’ultima in particolar modo ottenne un forte riscontro e il suo video divenne un classico del rock anni novanta.

Tutto questo mentre la band girò gli Stati Uniti con un tour di oltre 260 concerti.

Il significato del suo titolo riguarda un aneddoto che Gavin Rossdale raccontava a proposito di un suo amico che, sentendosi solo, decise di chiamare un numero di telefono scritto su un muro riportante la scritta “bella ventunenne scandinava appena arrivata in città”.

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quando questa sconosciuta arrivò si rivelò essere una quarantenne di oltre 100 kg (16 stone).

In Inghilterra infatti lo stone è un’unità di peso pari a circa 7 kg.

Nel libretto del disco è disegnato un cuore con una dedica “a Rupert e Julie” due amici di Gavin morti in un incidente di barca sul Tamigi a Londra.

Sempre nel booklet del disco c’è una foto di quello che può sembrare un cespuglio sospeso per aria che invece ritrae un Pastore Ungherese di nome “Winston”, tuttora amatissimo cane di Gavin Rossdale il quale, dopo essere diventato una star, fece assicurare per una somma superiore al milione di sterline.

Il probabile motivo trainante del suo successo commerciale, soprattutto statunitense, lo si può ritrovare nel fatto che la nazione a stelle e strisce si trovò, dopo aver vissuto il terremoto del grunge, molto affamata di quel suono che MTV, le radio e i media stavano pensando di mettere da parte dopo il suicidio della sua icona Kurt Cobain.

Sixteen Stone assieme ad altri album (in particolar modo il debutto dei Foo Fighters) fecero ricredere la scena che, da quel momento iniziò una vera e propria caccia a band con quelle sonorità le quali, poco dopo, avrebbero avuto un ottimo successo negli anni a seguire per poi essere tutte catalogate appartenenti al filone post-grunge.

Questo disco accese una polemica con parte della stampa musicale che sarebbe proseguita anche col suo successore (Razorblade Suitcase) e l’accusa fu quella di aver “rubato” il sound ai gruppi rock di Seattle che, anni prima, ebbero successo mondiale con il Grunge.

In particolar modo li si accostava a Pearl Jam (per la somiglianza nel timbro della voce tra Rossdale ed Eddie Vedder) e Nirvana (a causa di alcuni riff di chitarra usati.

In particolar modo quello di Little Thing lo si riteneva troppo simile e quindi un plagio della celebre Smells Like Teen Spirit).

Pearl Jam “Jeremy”

Jeremy è una canzone dei Pearl Jam contenuta nel loro album di debutto Ten e pubblicata come uno dei primi singoli della band.

Divenne una delle canzoni più famose dei Pearl Jam e ricevette la nomination ai Grammy come Best Rock Song e Best Hard Rock Performance nel 1993.

Lo stesso anno, il video di “Jeremy” ricevette quattro premi agli MTV Video Music Awards, tra i quali Best Video Of The Year.

La canzone fu inclusa nella tracklist di Rearviewmirror: Greatest Hits 1991-2003.

A livello musicale, la canzone è caratterizzata da un uso prominente del basso Hamer a 12 corde di Jeff Ament.

È proprio il bassista ad aprire il brano, eseguendo il riff principale che accompagnerà tutte le strofe.

Ad Ament è anche affidata la chiusura del brano, questa volta tramite la tecnica dell’arpeggio.

In entrambi i casi, vengono accentate alcune note tramite l’uso degli armonici naturali.

La canzone fu ispirata da un articolo di giornale che trattava di un sedicenne chiamato Jeremy Wade Delle di Richardson, Texas che si sparò sotto gli occhi della sua classe la mattina dell’8 gennaio 1991 alle 9:45 circa.

Delle venne descritto dai compagni di scuola come “veramente calmo” e conosciuto per “fingersi triste”.

Dopo essere venuto a lezione in ritardo quella mattina, a Delle fu chiesto di recarsi in segreteria per avere un permesso.

Lasciò la classe e ritornò con un revolver .

357 Magnum.

Delle camminò di fronte alla classe e disse: “Professoressa, ecco ciò per cui sono realmente venuto”.

Si mise la canna dell’arma da fuoco in bocca e premette il grilletto prima che la sua insegnante o i compagni di classe potessero reagire.

Una ragazza chiamata Lisa Moore, la quale conosceva Jeremy grazie al programma scolastico di sospensione, dichiarò che aveva letto dei suoi appunti nei quali scriveva che avrebbe voluto parlare delle sue cose e della sua vita, mentre un lunedì scrisse ciò che stava per compiere, ma la ragazza non immaginava potesse accadere realmente.

Hole “Celebrity Skin”

Celebrity Skin è il terzo album del gruppo di alternative rock Hole, pubblicato l’8 settembre del 1998 dalla casa discografica Geffen Records.

L’album è stato registrato in un periodo di nove mesi negli studi di Los Angeles, New York e Londra con il produttore Michael Beinhorn.

Il suono differisce notevolmente dai precedenti album Pretty on the Inside e Live Through This più grunge.

Il titolo deriva dalla rivista statunitense omonima.

Per questo la stessa rivista ha minacciato azioni legali nei confronti del gruppo per l’abuso del loro nome.

È il primo album da studio a cui ha partecipato Melissa Auf der Maur nonostante fosse entrata nel gruppo nel 1994.

I brani sono stati composti oltre che dalla leader Courtney Love e dal chitarrista Eric Erlandson anche dagli altri membri della band, con l’ampio contributo di Billy Corgan degli Smashing Pumpkins e di Jordon Zadorozny.

Celebrity Skin è stato l’album di maggiore successo commerciale delle Hole vendendo fino al 2010 negli Stati Uniti oltre 1.

400.000 copie e più di 124.000 nel Regno unito, vincendo il disco di platino e raggiungendo il primo posto con il singolo omonimo Celebrity Skin nella classifica Modern Rock Tracks.

L’album ha ricevuto tre nomination al 41° Grammy Awards del 1999 come miglior album rock, migliore brano rock e migliore performance vocale rock , il video ha avuto una nomination all’MTV Video Music Awards del 1999.

Soul Asylum “Misery”

Let Your Dim Light Shine is the seventh album from the band Soul Asylum, released in 1995.

Critically, it suffered in comparison to its predecessor, Grave Dancers Union, the band’s breakout release.

It includes the hit “Misery,” which was parodied by “Weird Al” Yankovic as “Syndicated Inc.” on his album Bad Hair Day.

This was the first Soul Asylum album to list Sterling Campbell as the band’s official drummer.

He was listed as providing “percussion” on Grave Dancers Union.

The album’s title comes from a lyric of the song “Promises Broken.” Actress Trini Alvarado provided backing vocals on three songs.

“Misery” is a 1995 song performed by the Minneapolis rock band Soul Asylum.

Although Let Your Dim Light Shine critically suffered in comparison to its predecessor, Grave Dancers Union, the single, “Misery”, reached number 20 on The Billboard Hot 100 and number one on the Modern Rock Tracks chart in the US.

The song featured prominently in Kevin Smith’s 2006 movie Clerks II and on an episode of the TV show Hindsight.

The B side on the single is Hope, a cover song from the Descendents’ first album Milo Goes to College (1982).

Stiltskin “Inside”

“Inside” is a song by rock band Stiltskin, the first single from their first studio album, The Mind’s Eye.

It was written by Peter Lawlor for the British Levi’s advert “Creek” and spent one week at number one in the UK Singles Chart in 1994.

The song was used as the music for Sky Sports’ coverage of the Scottish Premier League between 1998 and 2002.

All instruments on this recording were played by Peter Lawlor.

Stiltskin are a Scottish rock band, who first achieved widespread popularity in the mid-1990s.

Stiltskin’s longest-standing current member is vocalist Ray Wilson.

They are best known for their 1994 UK chart-topper, “Inside”.

Bush “Everything Zen”

Everything Zen” is the debut single released by British alternative rock band Bush in early 1995 from their debut album Sixteen Stone.

The video was the first video Bush had ever made.

The video was directed by Matt Mahurin, who also makes an appearance in the video wearing a mask, and was shot on 12 and 13 November 1994.

Scenes from the video were recreated in the opening credits of the TV series Millennium.

Gavin Rossdale on the making of the video: “I hadn’t even seen that many videos before making this because I never had MTV.

I just remember that it felt weird miming with all those people standing around, but you soon get over that.

Obviously, this video was hugely important in breaking us in America.

Alice In Chains “Would?”

Would? è una canzone degli Alice in Chains, pubblicata come singolo nel 1992 e contenuta nell’album dello stesso anno Dirt.

La canzone è dedicata al cantante dei Mother Love Bone, Andrew Wood, morto per una overdose di eroina nel 1990.

Questa è apparsa per la prima volta sulla colonna sonora del film Singles – L’amore è un gioco, nel quale gli Alice in Chains fanno una piccola apparizione.

Jerry Cantrell, chitarrista della band e autore della canzone ha dichiarato riguardo essa:

« In quel periodo pensavo molto a Andrew Wood.

Ci divertivamo molto quando ci frequentavamo, molto di più di quanto facciamo io e Chris Cornell.

Non c’era mai un momento serio in una conversazione, era tutto divertimento.

Andy era un tipo divertente, pieno di vita ed è stato molto triste perderlo.

Ma ho sempre odiato le persone che giudicano le scelte altrui.

La canzone è diretta anche a quelle persone che giudicano. »

Dirt è considerato il lavoro più rilevante della discografia del gruppo ed uno dei migliori esempi del “periodo d’oro” della musica grunge.

L’album fu realizzato quando il cantante Layne Staley era totalmente dipendente dall’eroina.

Le atmosfere cupe, e i testi influenzati dall’esperienza della droga, aiutarono però l’album a diventare un successo.

Arrivò al sesto posto nella classifica dei 200 album più venduti stilata da Billboard.

I pezzi Sickman, Junkhead e Dirt sono basati sulle esperienze di Staley con l’eroina, mentre Rooster è basata sull’esperienza nella guerra del Vietnam del padre di Cantrell.

Rooster era il nomignolo con il quale questo veniva chiamato durante il conflitto.

Il pezzo Untitled (Iron Gland) ospita la voce di Tom Araya degli Slayer.

Esso, tuttavia, non è un vero e proprio brano, ma un insieme di rumori accompagnati dall’urlo di Araya.

Tutto ciò iniziò quando gli Alice in Chains conobbero gli Slayer durante il “Clash of the Titans” tour nel 1990.

I due gruppi divennero amici e, in seguito, Jerry Cantrell chiese ad Araya di fare un urlo tipico degli Slayer da inserire nell’album in questione e lui accettò con piacere.

La frase pronunciata è “I’m Iron Gland!”.

The Smashing Pumpkins “Bullet With Butterfly Wings”

Bullet with Butterfly Wings è una canzone del gruppo statunitense The Smashing Pumpkins, primo singolo estratto dal doppio album Mellon Collie and the Infinite Sadness del 1995.

La canzone ha vinto un Grammy Award nel 1997 per la miglior Hard Rock Performance ed è stata la prima Top 40 statunitense della band, piazzandosi al numero 22 della Billboard Hot 100.

È stata inoltre nominata come 91ª miglior canzone hard rock di tutti i tempi da VH1[2] e classificata al numero 70 nella lista 100 Greatest Guitar Songs of All Time di Rolling Stone.

La canzone arrivò seconda nella classifica Triple J Hottest 100, 1995,[4] ed è anche stata votata al numero 33 nella Triple J Hottest 100 of All Time, 2008 e al numero 51 della Triple J Hottest 100 of All Time, 2009.

Mellon Collie and the Infinite Sadness è un album del gruppo rock statunitense The Smashing Pumpkins, pubblicato nel 1995 dalla Virgin Records.

È un album doppio diviso in 2 parti da 14 pezzi ciascuna.

Assieme al precedente Siamese Dream, è considerato dalla critica uno dei capolavori della band, nonché tra i dischi più importanti usciti in ambito rock negli anni novanta.

Ad oltre 20 anni dalla pubblicazione il disco ha venduto oltre 10 milioni di copie nei soli Stati Uniti.

Tale risultato ne fa il maggior successo discografico della band.

Skunk Anansie “Selling Jesus”

‘Selling Jesus’ è il primo vero e proprio singolo degli Skunk Anansie, considerando che il precedente singolo Little Baby Swastikkka fu prodotto solamente in 2.000 copie (edizione limitata).

‘Selling Jesus’ è una canzone di protesta politica e religiosa, soprattutto contro la Cristianità.

Il singolo è estratto dall’album di debutto Paranoid & Sunburnt.

Il singolo include tre brani inediti.

Il brano viene incluso altresì nella colonna sonora del film Strange Days.

Paranoid & Sunburnt è il primo album in studio del gruppo musicale britannico Skunk Anansie, pubblicato il 21 settembre 1995 dalla One Little Indian.

Muse “Muscle Museum”

Muscle Museum è un singolo del gruppo musicale britannico Muse, il terzo estratto dal primo album in studio Showbiz e pubblicato il 22 novembre 1999.

Il singolo fu ripubblicato 9 ottobre 2000 come il sesto singolo estratto dal disco.

Seconda traccia di Showbiz, il titolo del brano venne deciso da Matthew Bellamy scegliendo da un dizionario della lingua inglese la parola “muscle” e la parola “museum”, rispettivamente la precedente e la successiva della parola “muse”, nome del gruppo.

Si tratta inoltre del primo singolo pubblicato dai Muse negli Stati Uniti d’America e nel Benelux, nonché il secondo in Australia.

Alcuni dei singoli originali distribuiti portano in copertina gli autografi dei componenti del gruppo, compresi quasi tutti quelli realizzati su 7″, divenendo presto pezzi da collezione tra i fan.

Showbiz è il primo album in studio del gruppo musicale britannico Muse, pubblicato negli Stati Uniti il 28 settembre 1999 dalla Mushroom Records e il 4 ottobre dello stesso anno nel resto del mondo.

L’album ha venduto 600.000 copie nel Regno Unito, venendo certificato disco di platino, e circa 700.000 copie nel resto del mondo.

Temple Of The Dog “Hunger Strike”

I Temple of the Dog sono un supergruppo statunitense, formatosi nel 1990 a Seattle e scioltosi nel 1992, dopo la pubblicazione di un unico album.

La band comprendeva membri di Soundgarden e futuri membri dei Pearl Jam.

Il nome del gruppo ha origine dal testo di una canzone dei Mother Love Bone scritta da Andrew Wood, Man of Golden Words.

I Temple of the Dog furono formati da Chris Cornell dopo la morte per overdose di eroina, avvenuta nel 1990, del suo amico e compagno di stanza Andrew Wood, cantante dei Mother Love Bone.

Dopo questo evento, Cornell scrisse due canzoni, Say Hello 2 Heaven e Reach Down, e contattò due degli ex componenti dei Mother Love Bone, Stone Gossard e Jeff Ament, con l’intenzione di registrare le canzoni per realizzare un singolo.

Il gruppo fu completato dal batterista dei Soundgarden, Matt Cameron, e dal futuro chitarrista dei Pearl Jam, Mike McCready.

Iniziarono le prove delle canzoni e da queste prove nacquero nuove canzoni, cosicché dal preventivato singolo venne fuori un album, Temple of the Dog, pubblicato il 16 aprile 1991 dalla casa discografica A&M Records.

Al gruppo si unì anche Eddie Vedder, appena diventato il cantante dei Pearl Jam, che partecipò come cantante nel pezzo Hunger Strike in duetto con Cornell nonché come corista in Pushin’ Forward Back, Your Saviour e Four Walled World.

Dopo la pubblicazione, l’album ebbe delle buone recensioni, ma non raggiunse le posizioni alte della classifica se non dopo la pubblicazione e il successo dell’album Ten dei Pearl Jam, avvenuta nel 1992.

Infatti, dopo questo avvenimento, la casa discografica A&M records pubblicò nuovamente Hunger Strike, sia come singolo che come video, e l’album entrò nelle prime dieci posizioni in classifica, diventando disco di platino nel 1992.

A parte l’esibizione tenutasi all’Off Ramp Café di Seattle il 13 novembre del 1990, i Temple of the Dog si esibirono dal vivo solo altre due volte: la prima fu nell’ottobre del 1991, quando sia i Soundgarden che i Pearl Jam parteciparono alla manifestazione Foundations Forum, e la seconda durante il festival Lollapalooza del 1992.

Nel 2003 ci fu una terza apparizione dal vivo della band.

Durante lo show dell’8 ottobre, i Pearl Jam furono raggiunti sul palco da Chris Cornell ed eseguirono insieme i pezzi Hunger Strike e Reach Down.

La stessa Reach Down apparirà, sempre nel 2003, come singolo natalizio per tutti i fan che facevano parte del Ten Club.

I pezzi Call Me a Dog, All Night Thing e Hunger Strike, vennero eseguiti dagli Audioslave, la band della quale Cornell entrò a far parte dopo lo scioglimento dei Soundgarden, durante la loro tournée del 2005.

Il gruppo si è riunito nel 2016 per celebrare il 25º anniversario della fondazione.

Pearl Jam “Alive”

Alive è una delle canzoni più popolari dei Pearl Jam.

Estratta dal loro album di debutto, Ten, fu pubblicata come singolo nel Regno Unito nel 1991, entrando in classifica nella posizione 16 (il singolo era disponibile soltanto attraverso l’importazione dagli Stati Uniti).

La parte musicale della canzone fu scritta dal chitarrista della band, Stone Gossard, mentre le liriche furono scritte lo stesso anno da Eddie Vedder mentre faceva il benzinaio a San Diego, California.

Sebbene non fu una grande hit (arrivò al numero 16 della classifica Mainstream Rock Tracks di Billboard), è divenuta una delle preferite dai fan ed è tuttora una delle canzoni più richieste dal vivo.

La canzone fu suonata al Saturday Night Live nell’Aprile del 1992, durante la promozione di Ten.

È stata inclusa nel greatest hits della band, ossia Rearviewmirror: Greatest Hits 1991-2003.

Prima che il singolo fosse messo in commercio, “Alive” fu pubblicata su un cd promozionale e una cassetta con variazioni sulle canzoni e b-sides diverse.

Mentre “Wash” fu anche la b-side sulla versione messa in commercio, “I’ve Got a Feeling” era disponibile solo su questa versione dell’EP.

L’assolo di chitarra di “Alive”, inoltre, era differente dalla versione di Ten, assieme anche ad altre differenze evidenti.

“Alive” has been revealed by Vedder to be part autobiographical and part fiction.

When Vedder was a teenager, his mother revealed to him that the man he thought was his father was actually his stepfather, and that his biological father was dead.

The first and last verses detail those actual events, but the second verse is storytelling on Vedder’s part.

The lyrics of the second verse read, “Oh, she walks slowly, across a young man’s room/She said I’m ready… for you/I can’t remember anything to this very day/’Cept the look, the look…/Oh, you know where, now I can’t see, I just stare…,” and Vedder revealed that “she” was the mother, and “the look” referred to was not the look on her face, but “the look is between her legs.

Where do you go with that? That’s where you came from.”

Soundgarden “Black Hole Sun”

Black Hole Sun è un brano dei Soundgarden, gruppo grunge di Seattle, e anche quello più riconoscibile e più noto; rimase per ben 7 settimane in cima alla Billboard Mainstream Rock Tracks.

Fa parte del quarto album della band, Superunknown, uscito nel 1994 con l’etichetta A&M; successivamente sarà inserito nel best-of della band, A-Sides e nella compilation solista del 2007 di Chris Cornell, The Roads We Choose – A Retrospective.

La canzone è stata premiata per la Miglior interpretazione hard rock ai Grammy Awards 1995.

La canzone fu composta dal frontman Chris Cornell; egli disse di averla scritta in circa 15 minuti, arrivando alla canzone usando un Leslie Speaker.

Kim Thayil disse che questo strumento era perfetto per la canzone perché “è molto beatlesiano e ha un sound molto distintivo”.

Chris Cornell disse che scrisse questa canzone dopo aver visto per tutto il giorno film horror.

La canzone presenta una accordatura in Re abbassata (“Drop D”); il batterista Matt Cameron dichiarò che la canzone fu una “svolta gigantesca”

Music video[edit]

The surreal and apocalyptic music video for “Black Hole Sun” was directed by Howard Greenhalgh, produced by Megan Hollister for Why Not Films (London, England), shot by Ivan Bartos, and features post-production work by 525 Post Production (Hollywood, California) and Soho 601 Effects (London).

The video follows a suburban neighborhood and its inhabitants which are eventually swallowed up by a black hole, while the band performs the song somewhere in an open field.

In the video, Cornell can be seen wearing a fork necklace given to him by Shannon Hoon of Blind Melon.

In an online chat, the band stated that the video “was entirely the director’s idea”, and added, “Our take on it was that at that point in making videos, we just wanted to pretend to play and not look that excited about it.” Thayil said that the video was one of the few Soundgarden videos the band was satisfied with.

The video was released in June 1994.

After several weeks of airplay on MTV, a second version of the video was substituted containing more elaborate visual effects than the original, including the addition of a computer-generated black hole.

The music video for “Black Hole Sun” became a hit on MTV and received the award for Best Metal/Hard Rock Video at the 1994 MTV Video Music Awards.

In 1995, it received the Clio Award for Alternative Music Video.

The video is available on the CD-ROM Alive in the Superunknown.

Nirvana “Smells Like Teen Spirit”

Smells Like Teen Spirit è un singolo del gruppo musicale statunitense Nirvana, il primo estratto dal secondo album in studio Nevermind e pubblicato il 10 settembre 1991.

Composto da Kurt Cobain, Krist Novoselic e Dave Grohl, e prodotto da Butch Vig, il brano è la traccia d’apertura dell’album e presenta la tipica struttura strofa-ritornello in cui il riff principale di quattro accordi in tonalità di Fa minore è utilizzato durante l’introduzione e il ritornello con un’intensità alternata e dinamica.

L’inaspettato successo che Smells Like Teen Spirit ebbe alla fine del 1991 portò Nevermind in cima alla classifiche all’inizio del 1992, sancendo l’entrata dell’alternative rock nella musica mainstream.

Smells Like Teen Spirit è stato il singolo dei Nirvana che ha avuto più successo, raggiungendo la sesta posizione nella classifica Billboard Hot 100 ed entrando nelle top 10 di vari altri paesi tra il 1991 e il 1992.

Smells Like Teen Spirit fu acclamato dalla critica e vinse due MTV Video Music Awards per il suo videoclip promozionale, ampiamente diffuso dalle emittenti televisive musicali.

La canzone fu battezzata “l’inno dei ragazzi apatici” della Generazione X, nonostante i membri del gruppo si mostrassero a disagio con il successo e le attenzioni che ricevettero da parte del pubblico.

Anche dopo la morte di Kurt Cobain Smells Like Teen Spirit è considerata una delle canzoni più importanti della storia della musica rock.

Cobain non iniziò a scrivere Smells Like Teen Spirit se non poche settimane prima dell’inizio delle registrazioni del loro secondo album Nevermind, nel 1991.

La prima volta che presentò il brano agli altri membri del gruppo, era costituito solo dal riff principale e dalla melodia vocale del ritornello, che il bassista Krist Novoselic al tempo liquidò come “ridicola”.

Per tutta risposta, Cobain fece suonare alla band il riff per “un’ora e mezza”.

Nel 2001 Novoselic dichiarò che durante quella lunga sessione di prove pensò di rallentare il ritmo e iniziare a suonare la strofa mentre Dave Grohl lo accompagnava con la batteria.

Il brano risulta quindi l’unico di Nevermind che accredita tutti e tre i membri della band come autori.

Ep. 17 “Video-gameti anni ’90-’00”

Questa puntata farà tornare giovani tutti quelli che sono cresciuti a pane e Super Mario, che hanno sognato notti d’amore con la maggiorata (e spigolosa) Lara Croft, che hanno scoperto che la poesia c’è anche nei videogiochi con Final Fantasy, che hanno rischiato l’infarto giocando a Resident Evil, che giocavano con la tv/schermo a tubo catodico, che hanno usato l’immaginazione per riempire il vuoto di qualche poligono mancante in un universo che non aveva ancora la perfezione formale di oggi…

Ad ogni modo, che rientriate o no in una di queste categorie amerete questa puntata!

E qui trovate la simpatica playlist con tutte le canzoni ascoltate durante l’episodio.

  • String Player Gamer – Vampire Killer (From “Castlevania”)
  • Castlevania – Vampire Killer
  • Charlie Parra del Riego – Street Fighter II Ken Theme
  • Ruben Lozano – Title Screen
  • Game Master – Puzzle Bobble – Game Theme
  • The Marcus Hedges Trend Orchestra – Jungle Japes
  • Smooth McGroove – Flower Garden (From “Super Mario World 2: Yoshi’s Island”) [A Cappella]
  • The Marcus Hedges Trend Orchestra – Crash Bandicoot 1 Theme
  • Philharmonic Wind Orchestra;Marc Reift Orchestra;Marc Reift – Theme (From “Lara Croft: Tomb Raider”)
  • Stephen Rippy;Kevin McMullan – Noddinagushpa – Main Title
  • Nobuo Uematsu – One-Winged Angel (Final Fantasy VII)
  • Rhaeide – Baldur’s Gate – Main Theme
  • The Marcus Hedges Trend Orchestra – Title Theme
  • Braxton Burks – The Road To Viridian City
  • Harry Gregson-Williams;London Philharmonic Orchestra;Andrew Skeet – Metal Gear Solid: Sons of Liberty Theme
  • Nobuo Uematsu – Liberi Fatali (Final Fantasy VIII)
  • buskerflutist – Main Menu Theme From Heroes of Might and Magic III
  • Matt Uelmen – Monastery
  • Nobuo Uematsu – A Place to Call Home – Melodies of Life (FINAL Fantasy Ix)
  • SEGA SOUND TEAM;Jun Senoue – Event: Let’s Make It!
  • Noisia – Crush Him – Original
  • Nobuo Uematsu – Zanarkand (FINAL Fantasy X)
  • Depeche Mode – Personal Jesus – 2006 Digital Remaster
  • Killswitch Engage – My Obsession
  • Mree – Passion (Sanctuary)
  • Mary Elizabeth McGlynn – Shot Down in Flames
  • Jesper Kyd – Ezio’s Family
  • Breaking Benjamin – Blow Me Away